Il Pieno e il Vuoto nelle Sculture di Henry Moore

Un corpo umano è più di una singola massa; è un accumulo di masse più piccole. E ogni corpo è anche parte di una massa più grande: quella dell'umanità. E l'umanità è parte di una massa ancora più grande: quella del mondo. Lo scultore Henry Moore lo ha detto meglio quando ha affermato, “Il tutto della natura è una dimostrazione infinita di forma e figura.” Moore ha dedicato la sua carriera all'esplorazione della forma e della figura. Nonostante quanto possa sembrare accademico, le sculture di Henry Moore non sono semplicemente oggetti intellettuali. Né sono solo oggetti di bellezza. Superano sia l'intellettualismo che l'estetica per connettere gli spettatori a qualcosa di più profondo. Come artista figurativo prima e poi come astrattista, Moore ha creato opere basate sulla relazione che il corpo umano condivide con il mondo naturale più grande. Le sue sculture esprimono le idee che l'umanità è parte della natura e che attraverso i nostri sensi possiamo connetterci a qualcosa di senza tempo e universale.

Sculture di Henry Moore - Verità Materiali

Quando uno scultore parla di verità materiale, si riferisce a quanto bene un oggetto rappresenti le qualità della risorsa da cui è fatto. Il noce ha una verità materiale diversa rispetto al marmo, che ha una verità materiale diversa rispetto all'alabastro, e così via. Henry Moore credeva nel potere della verità materiale. Rifiutò l'idea che gli scultori dovessero realizzare le loro opere da stampi o calchi. Sostenne la scultura diretta, poiché lasciava segni che rivelavano la natura fisica dell'oggetto. La scultura diretta non era ampiamente accettata ai tempi di Moore, anche se alcuni altri scultori influenti abbracciarono anch'essi l'idea. Ma per Moore non era solo una teoria; era la sua natura.

Henry Moore - Figura reclinata rilievo presso l'Underground Building a St James's, 1928. © The Henry Moore Foundation.

Moore era uno dei nove figli nati in una famiglia della classe lavoratrice a Castleford, una città mineraria di carbone nello Yorkshire, in Inghilterra. I suoi genitori lottarono e si sacrificarono per mandare i loro figli a scuola affinché non dovessero lavorare con le mani. All'età di 11 anni, dopo aver incontrato l'opera di Michelangelo, Henry deluse i suoi genitori decidendo di diventare scultore. Non potendo permettersi di andare direttamente all'università, Henry combatté in un reggimento dei Civil Service Rifles durante la Prima Guerra Mondiale e fu ferito in un attacco con gas. Quando finalmente poté permettersi la scuola d'arte dopo la guerra, era stato profondamente plasmato dalle sue stesse verità materiali: era nato per il lavoro duro e per fare le cose a mano. La lavorazione diretta non solo portò alla luce il carattere dei suoi materiali, ma portò anche alla luce il suo carattere.

Henry Moore - La figura reclinata dell'UNESCO, 1958. © The Henry Moore Foundation.

Il Matrimonio di Chac-mool e Cézanne

Nella sua tarda ventina, a Parigi, Moore incontrò un oggetto estetico che lo cambiò in modo profondo e significativo. Era un Chac-mool, una scultura azteca precolombiana di una figura umana reclinata. La postura della scultura evoca figure umane scolpite da scultori classici come Michelangelo, ma si è sviluppata indipendentemente da tali influenze, e a un mondo di distanza. Il comportamento e l'umanità della figura ispirarono Moore, e lui abbracciò la forma come qualcosa di universale con cui poteva lavorare.

Henry Moore - Composizione a quattro pezzi: Figura sdraiata. © The Henry Moore Foundation.

Moore ha fuso l'essenza del Chac-mool con una figurazione ispirata a uno dei suoi dipinti più amati, I bagnanti di Cézanne. Il risultato è stata una forma scultorea iconica e modernista che ha chiamato "figura reclinata". Ha esplorato le figure reclinate per tutta la sua carriera, tornando su di esse più e più volte come base per scoperte sul volume e lo spazio. Oggi, le figure reclinate di Moore possono essere trovate in tutto il mondo, in parchi scultorei, spazi naturali e musei su sei continenti. Il suo primo incarico pubblico è stata una figura reclinata scolpita in rilievo sull'Underground Building a St James's a Londra. La sua più famosa abbellisce la sede dell'UNESCO a Parigi.

Cézanne - Le Bagnanti, 1898-1905, Olio su tela, 210,5 cm × 250,8 cm, Museo d'Arte di Philadelphia, Philadelphia, Stati Uniti

Riduzione della forma

La maggior parte delle Figure Reclinate di Moore erano astratte. Continuamente riduceva la forma della figura umana ai suoi elementi essenziali, poi li astraeva per somigliare a forme trovate in natura. Le sue figure reclinate biomorfiche e astratte sembravano analogiche con il paesaggio naturale, ispirando molti a trovare messaggi umanistici in esse. Anche se preferiva parlare il meno possibile del significato del suo lavoro, questa interpretazione si adatta bene alla filosofia di Moore sull'interconnessione tra arte, umanità e natura.

Henry Moore - Figura sdraiata. © The Henry Moore Foundation.

Oltre ad astrarre la figura reclinata, Moore la dissezionò anche. Praticò dei fori nelle figure, osservando: “Il primo foro praticato attraverso un pezzo di pietra è una rivelazione.” Sfido anche le percezioni di volume e spazio separando le figure in collezioni di forme vagamente affiliate che, singolarmente, erano astratte, ma quando messe insieme suggerivano una forma umana.

Henry Moore - Madre e Bambino, 1959. © The Henry Moore Foundation.

Proteggi la Forma Interiore

All'apice della produttività di Moore scoppiò la Seconda Guerra Mondiale e fu arruolato come artista di guerra. Creò una serie di disegni che documentavano i cittadini accalcati in massa nei rifugi sotterranei durante i bombardamenti. I disegni catturano la paura mentre le forme umane si rinchiudono in un rifugio e poi si avvolgono a vicenda in cumuli di corpi accalcati. Dopo la guerra, questa idea, di una forma protetta all'interno di un'altra, si manifestò ovunque nelle sue sculture. Produsse molteplici opere intitolate Madre e Figlio, alcune evocando un bambino all'interno della forma della madre, e altre mostrando due forme separate, ma accalcate insieme.

Henry Moore - Testa di Elmo No.5, 1966. © The Henry Moore Foundation.

Ha anche esplorato questa idea con una serie chiamata Helmet Head, creando forme di casco che a volte contenevano solo spazio vuoto e altre volte contenevano forme secondarie protette al loro interno. Queste sculture protettive utilizzano la massa e lo spazio circostante come loro soggetto. In un senso formale esaminano la pienezza e il vuoto dello spazio. In un senso umanista dimostrano la nostra realtà più basilare: il bisogno di sicurezza.

Henry Moore - Tre Forme Vertebrali, 1978-79, fuori dal City Hall, Dallas, TX. © The Henry Moore Foundation.

Esercizi in Forma

Nel 1947, un contemporaneo di Moore, lo scrittore francese Raymond Queneau, scrisse un libro intitolato “Esercizi di Stile,” in cui raccontava la stessa breve aneddoto in 99 stili letterari diversi. Si potrebbe dire che Henry Moore adottò un approccio simile alla sua carriera. Ha esplorato alcuni soggetti in una moltitudine di modi diversi, concentrandosi su un piccolo numero di preoccupazioni, come forma, figura e il modo in cui interagiscono con lo spazio. Ma se fosse stato tutto ciò che ha fatto, non avrebbe lasciato un segno così leggendario nell'arte astratta del XX secolo.

L'idea principale di Moore è sempre stata l'umanità; un punto che è particolarmente evidente se si considerano le sue sculture pubbliche, che oggi esistono in 38 paesi. Moore intendeva che fossero toccate, scalate, esplorate e abitate. Esistono per tutti i nostri sensi. Moore una volta disse: “La nostra conoscenza della forma e della figura rimane, in generale, un miscuglio di esperienze visive e tattili... Un bambino impara la rotondità maneggiando una palla molto più che guardandola.” Dalle opere di Moore apprendiamo la rotondità, e la materialità, la forma, lo spazio e molte altre cose formali e tattili. Ma apprendiamo anche qualcosa di più importante: qualcosa sulla nostra interconnessione con il paesaggio, con gli altri, con la natura e con noi stessi.

Immagine in evidenza: Il Chac-mool, una figura scultorea trovata in tutto il Messico preistorico
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park