Il Pieno e il Vuoto nelle Sculture di Henry Moore

Un corpo umano è più di una singola massa; è un accumulo di masse più piccole. E ogni corpo è anche parte di una massa più grande: quella dell’umanità. E l’umanità fa parte di una massa ancora più grande: quella del mondo. Lo scultore Henry Moore lo ha espresso al meglio quando ha detto, “L’intera natura è una dimostrazione infinita di forma e figura.” Moore ha dedicato la sua carriera all’esplorazione della forma e della figura. Per quanto possa sembrare accademico, le sculture di Henry Moore non sono semplicemente oggetti intellettuali. Né sono soltanto oggetti di bellezza. Esse trascendono sia l’intellettualismo che l’estetica per connettere gli spettatori a qualcosa di più profondo. Prima come artista figurativo e poi come astrattista, Moore ha creato opere basate sulla relazione che il corpo umano condivide con il più ampio mondo naturale. Le sue sculture esprimono l’idea che l’umanità fa parte della natura e che attraverso i nostri sensi possiamo connetterci a qualcosa di eterno e universale.

Sculture di Henry Moore - Verità del materiale

Quando uno scultore parla di verità del materiale, si riferisce a quanto bene un oggetto rappresenta le qualità della risorsa da cui è fatto. Il noce ha una verità del materiale diversa dal marmo, che a sua volta ha una verità diversa dall’alabastro, e così via. Henry Moore credeva nel potere della verità del materiale. Rifiutava l’idea che gli scultori dovessero realizzare le loro opere da stampi o calchi. Sosteneva la scultura diretta, poiché lasciava segni che rivelavano la natura fisica dell’oggetto. La scultura diretta non era ampiamente accettata ai tempi di Moore, anche se alcuni altri scultori influenti abbracciarono l’idea. Ma per Moore non era solo una teoria; era la sua natura.

Henry Moore - Rilievo Figura sdraiata all’Underground Building a St James’s, 1928. © The Henry Moore Foundation.

Moore era uno di nove figli nati in una famiglia operaia a Castleford, una città mineraria dello Yorkshire, in Inghilterra. I suoi genitori lottarono e sacrificarono per mandare i figli a scuola affinché non dovessero lavorare con le mani. All’età di 11 anni, dopo aver visto le opere di Michelangelo, Henry li deluse decidendo che sarebbe diventato uno scultore. Non potendo permettersi di andare direttamente all’università, Henry combatté in un reggimento di fucilieri del servizio civile durante la Prima Guerra Mondiale e fu ferito in un attacco con gas. Quando dopo la guerra poté permettersi la scuola d’arte, era già profondamente formato dalle sue verità materiali: era nato per il lavoro duro e per fare le cose con le mani. La scultura diretta non solo metteva in risalto il carattere dei suoi materiali, ma anche il suo carattere personale.

Henry Moore - La Figura sdraiata dell’UNESCO, 1958. © The Henry Moore Foundation.

Il matrimonio tra Chac-mool e Cézanne

Alla fine dei suoi vent’anni, a Parigi, Moore incontrò un oggetto estetico che lo cambiò in modo profondo e significativo. Era un Chac-mool, una scultura azteca precolombiana di una figura umana sdraiata. La postura della scultura richiama le figure umane scolpite da scultori classici come Michelangelo, ma si sviluppò indipendentemente da tali influenze, e in un mondo lontano. L’atteggiamento e l’umanità della figura ispirarono Moore, che abbracciò la forma come qualcosa di universale con cui lavorare.

Henry Moore - Composizione in quattro pezzi: Figura sdraiata. © The Henry Moore Foundation.

Moore unì l’essenza del Chac-mool con la figurazione ispirata a uno dei suoi dipinti più amati, I Bagnanti di Cézanne. Il risultato fu una forma scultorea iconica e modernista che chiamò “figura sdraiata.” Esplorò le figure sdraiate per tutta la sua carriera, tornando più volte su questo tema come base per scoperte sul volume e lo spazio. Oggi, le figure sdraiate di Moore si trovano in tutto il mondo, in parchi di sculture, spazi naturali e musei su sei continenti. La sua prima commissione pubblica fu una figura sdraiata scolpita in rilievo sull’Underground Building a St James’s a Londra. La sua più famosa adorna la sede dell’UNESCO a Parigi.

Cézanne - I Bagnanti, 1898-1905, Olio su tela, 210,5 cm × 250,8 cm, Philadelphia Museum of Art, Philadelphia, Stati Uniti

Riduzione della forma

La maggior parte delle Figure sdraiate di Moore erano astratte. Riduceva continuamente la forma della figura umana ai suoi elementi essenziali per poi astrarli in forme simili a quelle trovate in natura. Le sue figure sdraiate biomorfiche e astratte sembravano analoghe al paesaggio naturale, ispirando molti a trovare in esse messaggi umanistici. Sebbene preferisse parlare il meno possibile del significato delle sue opere, questa interpretazione si accorda bene con la filosofia di Moore sull’interconnessione tra arte, umanità e natura.

Henry Moore - Figura sdraiata. © The Henry Moore Foundation.

Oltre ad astrarre la figura sdraiata, Moore la sezionava. Forava le figure, osservando, “Il primo foro fatto in un pezzo di pietra è una rivelazione.” Sfida anche le percezioni di volume e spazio separando le figure in raccolte di forme vagamente collegate che, singolarmente, erano astratte, ma messe insieme suggerivano una forma umana.

Henry Moore - Madre e bambino, 1959. © The Henry Moore Foundation.

Proteggere la forma interna

Al culmine della produttività di Moore scoppiò la Seconda Guerra Mondiale e lui fu arruolato come artista di guerra. Creò una serie di disegni che documentavano cittadini ammassati sottoterra durante i bombardamenti. I disegni catturano la paura mentre le forme umane si avvolgono in un rifugio, e poi si avvolgono l’un l’altra in mucchi di corpi ammassati. Dopo la guerra questa idea, di una forma protetta all’interno di un’altra, si manifestò ovunque nelle sue sculture. Realizzò molte opere intitolate Madre e bambino, alcune evocando un bambino all’interno della forma della madre, altre mostrando due forme separate ma raccolte insieme.

Henry Moore - Testa con elmo n. 5, 1966. © The Henry Moore Foundation.

Esplorò anche questa idea con una serie chiamata Testa con elmo, creando forme di elmi che a volte contenevano solo spazio vuoto, altre volte forme secondarie protette al loro interno. Queste sculture protettive usano la massa e lo spazio intorno come soggetto. In senso formale esaminano la pienezza e il vuoto dello spazio. In senso umanistico dimostrano la nostra realtà più basilare: il bisogno di sicurezza.

Henry Moore - Tre forme vertebre, 1978-79, davanti al Municipio, Dallas, TX. © The Henry Moore Foundation.

Esercizi di forma

Nel 1947 un contemporaneo di Moore, lo scrittore francese Raymond Queneau, scrisse un libro intitolato “Esercizi di stile,” in cui raccontava la stessa breve aneddoto in 99 stili letterari diversi. Si potrebbe dire che Henry Moore adottò un approccio simile nella sua carriera. Perseguì pochi soggetti in molteplici modi diversi, concentrandosi su un ristretto insieme di questioni, come forma, figura e il modo in cui interagiscono con lo spazio. Ma se avesse fatto solo questo, non avrebbe lasciato un segno così leggendario nell’arte astratta del XX secolo.

L’idea principale di Moore è sempre stata l’umanità; un punto evidente soprattutto considerando le sue sculture pubbliche, che oggi esistono in 38 paesi. Moore intendeva che fossero toccate, scalate, esplorate e abitate. Esistono per tutti i nostri sensi. Moore disse una volta, “La nostra conoscenza di forma e figura rimane, in generale, un miscuglio di esperienze visive e tattili... Un bambino impara la rotondità maneggiando una palla molto più che guardandola.” Dal lavoro di Moore impariamo la rotondità, la materialità, la forma, lo spazio e molte altre cose formali e tattili. Ma impariamo anche qualcosa di più importante: qualcosa sulla nostra interconnessione con il paesaggio, con gli altri, con la natura e con noi stessi.

Immagine in evidenza: Il Chac-mool, una figura scultorea diffusa nel Messico preistorico
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio