Bridget Riley e la Filosofia delle Strisce

Le nostre esperienze sensoriali ci collegano a un mondo di emozioni. Quando vediamo qualcosa, quel senso, in sé, è una sorta di sentimento. Ma poi sentiamo anche cose basate su ciò che vediamo. Questi sentimenti sono ciò che l'artista britannica Bridget Riley ha passato gli ultimi sei decenni a esaminare. Negli anni Sessanta, Riley divenne famosa per i suoi contributi a un movimento artistico noto come Op Art, così chiamato per le illusioni ottiche che gli spettatori spesso percepiscono nelle opere. L'Op Art raggiunse una fama mondiale dopo il successo di una mostra chiamata The Responsive Eye al Museum of Modern Art di New York nel 1965. Diverse opere di Bridget Riley furono incluse in quella mostra. Presentavano una palette scarna in bianco e nero e motivi ripetuti che creavano un senso di dinamismo che faceva sentire gli spettatori instabili o sbilanciati. I motivi nei suoi dipinti sembravano muoversi. Ma il lavoro di Bridget Riley riguarda molto più che ingannare semplicemente l'occhio con un'illusione ottica. Riguarda la percezione. Riguarda quanto attentamente guardiamo, quanto prezioso crediamo sia il nostro dono della vista e come le nostre emozioni possano essere influenzate dal modo in cui vediamo il nostro mondo.

La giovane Bridget Riley

Da giovane artista, Bridget Riley era spesso frustrata. Aveva amato poter esplorare liberamente l'ambiente intorno alle sue varie case d'infanzia a Londra, Lincolnshire e Cornovaglia. Aveva una curiosità innata e un desiderio di sperimentare. Ma nei suoi vent'anni, mentre studiava alla Royal Academy of Art, trovò la sua curiosità e lo spirito sperimentale scoraggiati dai suoi professori. Si diplomò insicura di sé. E la sua mancanza di direzione si aggravò rapidamente quando suo padre fu poco dopo ricoverato in ospedale a seguito di un incidente d'auto, e lei divenne responsabile della sua cura. Le tensioni combinate la portarono a subire un crollo completo.

Il punto di svolta verso la guarigione per Riley arrivò quando visitò una mostra degli Espressionisti Astratti alla Tate di Londra nel 1956. Il loro lavoro convalidò il suo desiderio di sperimentare e di esplorare la sua vera visione, e presto ricominciò a dipingere. Trovò lavoro insegnando arte a ragazze giovani e prese un impiego come illustratrice commerciale. Poi si iscrisse a un corso estivo con Harry Thubron, noto per sostenere il potere di elementi come le relazioni spaziali, le forme e i motivi.

Bridget Riley - Movimento nei quadrati, 1961. Tempera su tavola. 123,2 x 121,2 cm. Collezione Arts Council, Southbank Centre, Londra. © 2019 Bridget Riley (Sinistra) / Bridget Riley - Intake, 1964. Acrilico su tela. 178,5 x 178,5 cm. © 2019 Bridget Riley (Destra)

Realtà ottiche

Nel suo studio con Harry Thubron sugli elementi formali dell'estetica, specialmente su come l'occhio percepisce le forme nello spazio, Riley si dedicò nuovamente a trovare la sua voce autentica. Si trasferì in Italia nel 1960 e studiò le opere dei Futuristi. Ispirata dalla loro esplorazione del movimento, proseguì studiando le idee dei Divisionisti, in particolare Georges Seurat. La somma di questi studi la portò a sviluppare un approccio singolare alla pittura: uno in cui esplorava modi per trasformare una superficie bidimensionale al fine di influenzare la percezione visiva.

Sapeva che per sfidare il modo in cui gli spettatori guardavano un dipinto, avrebbe dovuto eliminare ogni contenuto rappresentativo. Le immagini rappresentative avrebbero solo distratto dalle sue idee principali. Così semplificò il suo linguaggio visivo utilizzando solo il bianco e nero e gli elementi di linea, forma e figura. Nel catalogo di The Responsive Eye, il curatore William C. Seitz definì opere come quelle di Riley “la nuova arte percettiva.” Seitz alzò l'asticella delle aspettative su ciò che quest'arte poteva realizzare ben oltre il regno di qualcosa di puramente estetico. Chiese: “Opere come queste, che non fanno riferimento a nulla al di fuori di sé stesse, possono sostituire con efficacia psichica il contenuto abbandonato? Può una comprensione avanzata e l'applicazione di immagini funzionali aprire un nuovo percorso dall'eccitazione retinica alle emozioni e alle idee?” Queste erano esattamente le domande che Riley si poneva.

Bridget Riley - Arresto 1, 1965. Emulsione su tela, 70 x 68 1/4 pollici. © 2019 Bridget Riley (Sinistra) / Bridget Riley - Arresto 2, 1965. Acrilico su lino. Senza cornice: 6 piedi 4 3/4 pollici x 6 piedi 3 pollici (194,95 x 190,5 cm). Con cornice: 6 piedi 7 3/8 pollici x 6 piedi 5 3/4 pollici x 2 3/4 pollici (201,61 x 197,49 x 6,99 cm). Collezione del Nelson Atkins Museum of Art. Acquisito grazie alla generosità della William T. Kemper Foundation - Commerce Bank, Trustee. © Bridget Riley. Tutti i diritti riservati, per gentile concessione di Karsten Schubert, Londra (Destra)

Il pubblico reattivo

La risposta del pubblico a The Responsive Eye fu entusiastica. Gli effetti ipnotici e illusori delle immagini nella mostra fecero impazzire gli spettatori. I designer appropriarsi rapidamente dei motivi in bianco e nero e li usarono su ogni prodotto immaginabile, da abiti a occhiali, da scatole per il pranzo a automobili. Ma quel fattore sorpresa aveva poco appeal per Riley, che era più interessata ai significati più profondi del suo lavoro. Sì, aveva un aspetto accattivante. Ma voleva scoprire i processi mentali che agivano sotto le apparenze superficiali.

Nel 1966, proprio quando il suo stile in bianco e nero aveva guadagnato un richiamo internazionale, Riley intraprese uno sforzo per approfondire la sua visione aggiungendo colore alle sue opere. Trascorse due anni studiando e copiando ripetutamente il dipinto puntinista di Georges Seurat Ponte di Courbevoie. In esso vide una padronanza delle strutture lineari e dei motivi. Vide anche una padronanza delle combinazioni di colori, una dimostrazione di come colori diversi posti uno accanto all'altro in modo ponderato creino un senso di movimento quando percepiti dall'occhio umano.

Bridget Riley - Orient IV, 1970. Acrilico su tela. 223,5 x 323 cm. © Bridget Riley

Strisce per sempre

Mentre complicava la tavolozza dei colori che usava, Riley semplificava contemporaneamente il suo linguaggio di forme. Eliminò quasi del tutto quadrati, triangoli e cerchi, concentrandosi principalmente sulle strisce durante gli anni Settanta e Ottanta. Le strisce si prestano facilmente a uno studio della ripetizione, che Riley percepiva come essenziale per far sì che le persone guardassero davvero un'immagine con intenzione. La forma di una striscia è anche fondamentalmente stabile. Quella stabilità, scoprì, è vitale per lo studio del colore perché il colore è fondamentalmente instabile, dato che la sua percezione dipende da altri fattori come la luce e i colori circostanti.

Riley usò una combinazione di strisce orizzontali e verticali, dritte e ondulate. Iniziò ogni opera su piccoli fogli di carta, testando combinazioni di colori e motivi. Una volta trovata una combinazione di colori e un motivo di strisce che sembrava muoversi, la trasferiva su una grande tela che poi dipingeva a mano. Ogni striscia nei suoi dipinti a strisce colorate incorpora al suo interno un'evoluzione di diversi colori che si fondono tra loro in modi precisi, così che l'occhio, guardando ogni striscia, percepisce un accenno del colore successivo. Quell'evoluzione crea la sensazione di movimento mentre l'occhio si sposta sulla superficie.

La vista della musica

Mentre la stabilità delle strisce era vitale per la sua scoperta del colore, alla fine fu il colore a aiutarla a raggiungere la sua visione estetica. Disse: “La musica del colore, è questo che voglio.” Come molti altri artisti, da Seurat a Giacomo Balla a Sonia Delaunay a Josef Albers, avevano capito, ogni colore è capace di evocare una risposta emotiva. E quando usati insieme, vari colori sembrano vibrare, creando risposte emotive imprevedibili negli spettatori. Quell'imprevedibilità aiutò Riley a raggiungere il suo obiettivo ideale per un dipinto, che disse deve “offrire un'esperienza; offrire una possibilità.”

Le scoperte estetiche che Riley ha fatto attraverso i suoi dipinti a strisce colorate sono nate perché è una sperimentatrice precisa. Tiene appunti rigorosi di ogni combinazione di colori e motivo che prova, così che possa essere ripetuta se necessario. Ma sebbene i suoi esperimenti con colori e strisce sembrino scientifici, non lo sono, almeno non nel senso di voler dimostrare un'ipotesi. Piuttosto sono artistici, nel senso che cercano di scoprire un ignoto e di manifestarlo.

Bridget Riley - Carnevale, 2000. Serigrafia a colori, su carta vergata, con margini completi. 28 3/5 × 35 9/10 pollici. 72,7 × 91,1 cm. Edizione 55/75 + 10AP. © 2019 Bridget Riley

Obiettivi principali

Oggi, a metà degli ottanta, Riley continua a dipingere. Ora esplora una miscela di forme geometriche, forme ondulate e diagonali. I motivi dei suoi dipinti più recenti sono molto più ampi, creando un'impressione molto diversa e suscitando sentimenti molto diversi. I suoi dipinti a strisce di decenni fa rimangono potenti manifestazioni della sua lunga indagine sulla percezione. Vanno ben oltre il semplice ingannare l'occhio, entrando in un regno di profonda percezione soggettiva.

Ciò che è importante in queste opere è che sfidano non solo il nostro modo di vederle, ma anche il nostro modo di vedere tutto. Le strisce che Riley usa sono forse le forme più semplici che ci siano. Eppure le metamorfosi che diventano evidenti esaminandole sembrano illimitate. Riley una volta disse: “La ripetizione agisce come una sorta di amplificatore di eventi visivi che, visti singolarmente, sarebbero a malapena visibili.” Le sue strisce dimostrano quella filosofia: che la complessità si nasconde sotto la apparente semplicità del nostro mondo visivo, se solo prendiamo il tempo di notarla davvero. Ci esortano a guardare con attenzione e da vicino, e ad apprezzare pienamente il prezioso dono della vista.

Immagine in evidenza: Bridget Riley - Conversazione (dettaglio), 1992. Olio su lino. 92 x 126 cm. Collezione Abbot Hall Art. Acquistato nel 1996. © Bridget Riley
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio