Bridget Riley e la Filosofia delle Strisce

Le nostre esperienze sensoriali ci collegano a un mondo di emozioni. Quando vediamo qualcosa, quel senso, di per sé, è una sorta di sentimento. Ma poi anche noi sentiamo cose in base a ciò che vediamo. Quei sentimenti sono ciò su cui l'artista britannica Bridget Riley ha trascorso gli ultimi sei decenni a riflettere. Negli anni '60, Riley divenne famosa per i suoi contributi a un movimento artistico noto come Op Art, così chiamato per le illusioni ottiche che gli spettatori spesso percepiscono nell'opera. L'Op Art è salita alla ribalta globale dopo il successo di una mostra chiamata The Responsive Eye al Museum of Modern Art di New York nel 1965. Diverse opere di Bridget Riley furono incluse in quella mostra. Presentavano una palette in bianco e nero scarno e schemi ripetuti che creavano una sensazione di dinamismo che faceva sentire gli spettatori instabili, o sbilanciati. I motivi nei suoi dipinti sembravano muoversi. Ma il lavoro di Bridget Riley riguarda molto di più che semplicemente ingannare l'occhio con un'illusione ottica. Riguarda la percezione. Riguarda quanto attentamente guardiamo, quanto prezioso crediamo sia il nostro dono della vista e come le nostre emozioni possano essere influenzate dal modo in cui vediamo il nostro mondo.

La giovane Bridget Riley

Da giovane artista, Bridget Riley era spesso frustrata. Aveva apprezzato poter esplorare liberamente l'ambiente intorno alle sue varie case d'infanzia a Londra, Lincolnshire e Cornovaglia. Aveva una curiosità innata e un desiderio di sperimentare. Ma nei suoi vent'anni, mentre studiava alla Royal Academy of Art, trovò la sua curiosità e il suo spirito sperimentale scoraggiati dai suoi professori. Si laureò insicura di sé. E la sua mancanza di direzione fu rapidamente aggravata quando suo padre fu presto ricoverato in ospedale dopo un incidente stradale, e lei divenne responsabile delle sue cure. Le pressioni combinate la portarono a subire un completo crollo.

Il punto di svolta verso la guarigione per Riley è arrivato quando ha visitato un'esposizione degli Espressionisti Astratti alla Tate di Londra nel 1956. Il loro lavoro ha convalidato il suo desiderio di sperimentare e di esplorare la sua vera visione, e presto ha ricominciato a dipingere. Ha trovato lavoro insegnando arte a giovani ragazze e ha accettato un lavoro come illustratrice commerciale. Poi si è iscritta a un corso estivo con Harry Thubron, noto per sostenere il potere di elementi come le relazioni spaziali, le forme e i modelli.

Bridget Riley - Movimento nei quadrati, 1961. Tempera su tavola. 123,2 x 121,2 cm. Collezione Arts Council, Southbank Centre, Londra. © 2019 Bridget Riley (Sinistra) / Bridget Riley - Intake, 1964. Acrilico su tela. 178,5 x 178,5 cm. © 2019 Bridget Riley (Destra)

Realtà Ottiche

Nella sua ricerca con Harry Thubron sugli elementi formali dell'estetica, in particolare su come l'occhio percepisse le forme nello spazio, Riley si dedicò nuovamente a trovare la sua voce autentica. Si trasferì in Italia nel 1960 e studiò le opere dei Futuristi. Ispirata dalla loro esplorazione del movimento, continuò a studiare le idee dei Divisionisti, in particolare di Georges Seurat. La somma di questi studi la portò a sviluppare un approccio singolare alla pittura: uno in cui esplorava modi per trasformare una superficie bidimensionale al fine di influenzare la percezione visiva.

Sapeva che per sfidare il modo in cui gli spettatori guardavano un dipinto, avrebbe dovuto eliminare tutto il contenuto rappresentativo. Le immagini rappresentative avrebbero solo distratto dalle sue idee principali. Così semplificò il suo linguaggio visivo per utilizzare solo il bianco e il nero e gli elementi di linea, forma e figura. Nel catalogo per The Responsive Eye, il curatore William C. Seitz definì opere come quelle che Riley stava creando “la nuova arte percettiva.” Seitz alzò l'asticella delle aspettative su ciò che quest'arte poteva realizzare ben oltre il regno di qualcosa di puramente estetico. Chiese: “Possono tali opere, che non si riferiscono a nulla al di fuori di esse, sostituire con efficacia psichica il contenuto che è stato abbandonato? Può una comprensione e applicazione avanzata di immagini funzionali aprire un nuovo percorso dall'eccitazione retinica alle emozioni e alle idee?” Queste erano esattamente le domande che Riley si stava ponendo.

Bridget Riley - Arrest 1, 1965. Emulsione su tela, 70 x 68 1/4 in. © 2019 Bridget Riley (Sinistra) / Bridget Riley - Arrest 2, 1965. Acrilico su lino. Non incorniciato: 6 piedi 4 3/4 pollici x 6 piedi 3 pollici (194,95 x 190,5 cm). Incorniciato: 6 piedi 7 3/8 pollici x 6 piedi 5 3/4 pollici x 2 3/4 pollici (201,61 x 197,49 x 6,99 cm). Collezione del Museo d'Arte Nelson Atkins. Acquisito grazie alla generosità della William T. Kemper Foundation - Commerce Bank, Trustee. © Bridget Riley. Tutti i diritti riservati, courtesy Karsten Schubert, Londra (Destra)

Il Pubblico Reattivo

La risposta del pubblico a The Responsive Eye fu entusiasta. Gli effetti illusori e ipnotici delle immagini nello spettacolo fecero impazzire gli spettatori. I designer si appropriarono rapidamente dei motivi in bianco e nero e li usarono su ogni prodotto concepibile, dai vestiti agli occhiali, dalle lunchbox alle automobili. Ma quel fattore wow aveva poco appeal per Riley, che era più interessata ai significati più profondi del suo lavoro. Sì, sembrava fantastico. Ma voleva scoprire i processi mentali che operavano sotto le apparenze superficiali.

Nel 1966, proprio quando il suo stile in bianco e nero aveva guadagnato un'appeal internazionale, Riley intraprese uno sforzo per approfondire la sua visione aggiungendo colore al suo lavoro. Trascorse due anni a studiare e copiare ripetutamente il dipinto Bridge of Courbevoie di Georges Seurat Pointillist. In esso, vide una padronanza delle strutture e dei modelli lineari. Vide anche una padronanza delle combinazioni di colori, una dimostrazione di come colori diversi posti l'uno accanto all'altro in modi ponderati creino un senso di movimento quando percepiti dall'occhio umano.

Bridget Riley - Orient IV, 1970. Acrilico su tela. 223,5 x 323 cm. © Bridget Riley

Strisce per sempre

Mentre complicava la palette di colori che stava utilizzando, Riley semplificava simultaneamente il suo linguaggio delle forme. Ha praticamente eliminato quadrati, triangoli e cerchi, e si è concentrata principalmente sulle strisce durante gli anni '70 e '80. Le strisce si prestano facilmente a uno studio della ripetizione, che Riley percepiva come essenziale per far sì che le persone guardassero davvero un'immagine con intenzione. La forma di una striscia è anche fondamentalmente stabile. Quella stabilità, scoprì, è vitale per lo studio del colore perché il colore è fondamentalmente instabile, poiché la sua percezione dipende da altri fattori come la luce e i colori circostanti.

Riley ha utilizzato una combinazione di strisce orizzontali e verticali dritte e ondulate. Ha iniziato ogni pezzo su piccoli pezzi di carta, testando combinazioni di colori e motivi. Una volta arrivata a una combinazione di colori e a un motivo a strisce che sembrava muoversi, lo ha trasferito su una grande tela che ha poi dipinto a mano. Ogni striscia nei suoi dipinti a strisce colorate incorpora al suo interno un'evoluzione di diversi colori che si fondono l'uno nell'altro in modi precisi, in modo che l'occhio, guardando ogni striscia, percepisca un accenno al colore successivo. Quell'evoluzione crea la sensazione di movimento mentre l'occhio si sposta sulla superficie.

La vista della musica

Mentre la stabilità delle strisce era vitale per la sua scoperta del colore, alla fine il colore era ciò che l'aiutava a realizzare la sua visione estetica. Disse: “La musica del colore, è ciò che voglio.” Come tanti altri artisti, da Seurat a Giacomo Balla a Sonia Delaunay a Josef Albers, avevano realizzato che ogni colore è capace di evocare una risposta emotiva. E quando usati insieme, vari colori sembrano vibrare, creando risposte emotive imprevedibili negli spettatori. Quell'imprevedibilità aiutò Riley a raggiungere il suo obiettivo ideale per un dipinto, che disse doveva “offrire un'esperienza; offrire una possibilità.”

Le scoperte estetiche che Riley ha fatto attraverso i suoi dipinti colorati e a strisce sono nate perché è un'esperta sperimentatrice. Tiene note rigorose di ogni combinazione di colori e di ogni motivo che prova, in modo che possa essere ripetuto se necessario. Ma sebbene i suoi esperimenti con colori e strisce sembrino scientifici, non lo sono, almeno non nel senso che stessero cercando di dimostrare un'ipotesi. Piuttosto, sono artistici, nel senso che cercano di scoprire un ignoto e di manifestarlo.

Bridget Riley - Carnevale, 2000. Serigrafia a colori, su carta a mano, con margini completi. 28 3/5 × 35 9/10 in. 72.7 × 91.1 cm. Edizione 55/75 + 10AP. © 2019 Bridget Riley

Obiettivi primari

Oggi, nella sua metà degli 80 anni, Riley continua a dipingere. Ora esplora una miscela di forme geometriche, forme ondulate e diagonali. I modelli delle sue nuove opere sono molto più ampi, creando un'impressione molto diversa e evocando sentimenti molto diversi. I suoi dipinti a strisce di decenni fa rappresentano potenti manifestazioni della sua lunga inchiesta sulla percezione. Vanno ben oltre il semplice inganno dell'occhio in un regno di profonda percezione soggettiva.

Ciò che è importante di queste opere è che sfidano non solo il nostro modo di vederle, ma anche il nostro modo di vedere tutto. Le strisce che Riley utilizza sono così semplici, forse, come possono essere le forme. Eppure le metamorfosi che diventano evidenti mentre le esaminiamo sembrano illimitate. Riley una volta disse: “La ripetizione agisce come una sorta di amplificatore di eventi visivi che, visti singolarmente, sarebbero difficilmente visibili.” Le sue strisce dimostrano quella filosofia: che la complessità si nasconde sotto la apparente semplicità del nostro mondo visivo, se solo ci prendiamo il tempo di notare davvero. Ci implorano di guardare attentamente e da vicino, e di apprezzare appieno il prezioso dono della vista.

Immagine in evidenza: Bridget Riley - Conversazione (dettaglio), 1992. Olio su tela. 92 x 126 cm. Collezione d'Arte Abbot Hall. Acquistato nel 1996. © Bridget Riley
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park