Josef Albers e L'Interazione del Colore

Nel corso della storia del Modernismo, un dialogo continuo tra artisti ha cercato di determinare quale sia l'elemento più importante della pittura. Alcuni dicono la forma. Altri la linea. Altri ancora la superficie. Altri il soggetto. Attraverso la sua arte, i suoi scritti e le sue posizioni di insegnamento altamente influenti, Josef Albers ha dedicato quasi tutta la sua carriera a esplorare la tesi che l'elemento più importante nella pittura è il colore. Le sue ricerche hanno influenzato il Minimalismo, i pittori del Campo Cromatico, l'Espressionismo Astratto, l'Arte Ottica, e continuano a ispirare una nuova generazione di artisti astratti. Sebbene Albers sia scomparso nel 1976, il suo libro fondamentale sull'argomento, The Interaction of Color, è ancora considerato il testo più importante che i giovani artisti dovrebbero leggere per comprendere i modi complessi in cui l'occhio umano percepisce il colore.

Josef Albers e il Bauhaus

Albers nacque nel 1888 e fu un educatore prima di diventare un artista professionista. Iniziò la sua carriera insegnando una classe di studi generali a studenti delle elementari vicino alla piccola città tedesca dove era cresciuto. Nel 1919, il Bauhaus aprì a Weimar, in Germania, offrendo un'istruzione senza precedenti. I fondatori del Bauhaus intendevano che fosse un luogo dove artisti e progettisti si formassero insieme alla ricerca di una prospettiva sull'arte totale. Albers si iscrisse al Bauhaus l'anno successivo, nel 1920, all'età di 32 anni. Cinque anni dopo divenne il primo studente invitato a unirsi al Bauhaus come Maestro istruttore.

Josef Albers - Studio per Tenayuca, 1940, Matita su carta, 15 × 29 cm, Collezione SFMOMA. © The Josef and Anni Albers Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Durante il periodo al Bauhaus, Albers formulò la sua visione non solo sulla creazione artistica, ma anche sull'insegnamento dell'arte. Sebbene fosse personalmente molto concentrato sulla tecnica, capì che non avrebbe dedicato il tempo delle sue lezioni a insegnare la tecnica. Decise invece di concentrarsi sull'insegnare un modo di pensare all'arte. Adottò un approccio riflessivo e scientifico alla sua arte, e credeva che la cosa più importante da offrire agli studenti fosse un modo per vedere il mondo in modo diverso rispetto a prima. Il suo obiettivo dichiarato come insegnante era “aprire gli occhi.”

Quando la pressione nazista chiuse il Bauhaus nel 1933, Albers si trasferì in America e insegnò al neonato Black Mountain College in Carolina del Nord. Nel 1950 lasciò quella posizione e divenne capo del dipartimento di design a Yale. Tra i suoi studenti vi furono diversi che divennero alcuni degli artisti più influenti del XX secolo, tra cui Robert Rauschenberg, Willem de Kooning, Eva Hesse e Cy Twombly.

Josef Albers - Tenayuca, 1943, Olio su masonite, 57 × 110 cm, Collezione SFMOMA. © The Josef and Anni Albers Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

L'interazione del colore

Una delle critiche che molti artisti, critici e spettatori hanno rivolto ad Albers è che la sua opera sembra impersonale. La ragione di ciò è senza dubbio legata all'approccio scientifico di Albers alla sua arte. Per esempio, sul retro di molte sue opere scrive in dettaglio i colori esatti utilizzati nel pezzo. Ma c'è una grande profondità emotiva e una buona dose di psicologia anche nel lavoro di Albers. Albers era interessato al modo in cui i colori interagivano tra loro e all'effetto che questa interazione aveva sulla percezione umana. Una delle scoperte chiave che fece è che gli esseri umani sono facilmente soggetti all'illusione, qualcosa che considerava facilmente dimostrabile attraverso la sua arte.

Nel 1963, mentre era a Yale, Albers scrisse un libro intitolato The Interaction of Color, che trattava in modo preciso tutte le sue scoperte sul modo in cui i colori interagiscono tra loro. Il libro include lezioni dettagliate, esperimenti e grafici che spiegano come certi colori neutralizzano o alterano altri colori, come la luce influisce sulla tonalità e come quello che chiamava “l'occhio umano normale” non fosse in grado di cogliere certi fenomeni cromatici a causa dei limiti delle sue capacità percettive. Se consideriamo questo libro a livello concettuale, come per i suoi dipinti, le lezioni non riguardano tanto il colore quanto il fatto che gli esseri umani sono limitati in ciò che possono percepire, e se gli artisti possono comprendere tali limiti, possono potenzialmente ampliare la gamma percettiva di chi si imbatte nelle loro opere.

Omaggio al quadrato

Oltre ai suoi scritti sul colore, Albers dedicò 27 anni della sua vita a creare una serie di dipinti chiamata Omaggio al quadrato. Questa serie dimostrava la sua teoria del colore attraverso l'esplorazione di diversi quadrati colorati. Usando una singola forma geometrica ripetutamente, riuscì a indagare l'ampia gamma di fenomeni percettivi che si potevano ottenere semplicemente accostando vari colori all'interno di una gamma limitata di composizioni spaziali.

Quando Albers iniziò a realizzare i suoi dipinti Omaggio al quadrato nel 1949, anche gli artisti li ignoravano in gran parte. Il mondo dell'arte in quel periodo era dominato da dipinti gestuali di dimensioni monumentali. I dipinti di Albers erano relativamente così piccoli e così controllati. Erano progettati. Albers definì una volta il design come, “pianificare e organizzare, ordinare, mettere in relazione e controllare. In breve, abbraccia tutti i mezzi che si oppongono al disordine e all'incidente.” In un'epoca in cui l'Espressionismo Astratto era lo stile predominante, dipinti progettati e apparentemente privi di emozione erano come un'eresia.

Negli anni '60 il mondo dell'arte raggiunse Albers e lui divenne rispettato come artista tanto quanto lo era già come educatore, scrittore e filosofo. Parte di quel rispetto gli venne da una serie di commissioni per realizzare opere pubbliche di grande scala, alcune sotto forma di elementi architettonici e altre come murales. Una delle prime opere architettoniche di Albers fu un muro che creò per il Harkness Commons Graduate Center dell'Università di Harvard. I suoi murales includevano opere per il Time and Life Building al Rockefeller Center di New York, il Pan Am Center e il Corning Glass Building. Nel 1971, all'età di 83 anni, Albers divenne il primo artista vivente ad essere onorato con una mostra personale dal Metropolitan Museum of Art di New York.

Josef Albers - Brick, 1950, 2,3 × 2,5 m, Harkness Commons Graduate Center, Università di Harvard. © The Josef and Anni Albers Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Un'impressione duratura

All'inizio della sua formazione, Albers fu profondamente colpito dagli Impressionisti, in particolare dai Puntinisti, che esploravano “l'impressione” del colore creata quando colori complementari venivano posti uno accanto all'altro in piccoli puntini invece di mescolare i colori in anticipo. In una poesia scritta a un amico sull'abitudine delle persone di seguire la massa invece di pensare con la propria testa, Albers scrisse una volta: “Ognuno percepisce il proprio posto attraverso il vicino.” Come un dipinto impressionista visto da lontano, Albers vedeva la società come tanti individui che si mescolano per formare un'unica immagine comune.

Dedicò la sua vita a seguire un percorso unico, isolando la propria visione e rimanendo fedele a essa. Studiando ciò che imparò su come i singoli colori si influenzano a vicenda quando sono vicini e sulla capacità degli esseri umani di essere ingannati dall'illusione, possiamo apprezzare non solo la sua arte e le sue lezioni sulla pittura, ma anche qualcosa di fondamentale su noi stessi.

Immagine in evidenza: Josef Albers - Portals, Time Life Building, 1961. © The Josef and Anni Albers Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio