Il Carattere Astratto dell'Arte Tipografica

Alcune illusioni devono essere mantenute affinché la civiltà possa continuare. Ad esempio, la moneta moderna non ha valore intrinseco. Manteniamo l'illusione del valore del denaro per strutturare la società in modo affidabile. Anche il linguaggio è astratto. Suoni e simboli significano ciò che noi concordiamo che significhino. L'arte tipografica è un modo in cui gli artisti esplorano queste astrazioni che sono intrinseche nella nostra cultura. Sfida le nostre idee accettate su ciò che è significativo e ciò che non lo è presentando il linguaggio scritto al di fuori del suo contesto abituale, in modi inquietanti, o accostato a controparti estetiche insolite o inaspettate. Dal Cubismo al Dada, all'Arte Concettuale, all'Arte Pop e oltre, l'Arte Tipografica ha indagato il nostro uso dei simboli scritti per oltre 100 anni. Ha ampliato i confini e le possibilità di ciò che percepiamo come linguaggio e di ciò che crediamo possa raggiungere.

Arte Tipografica Cubista

Uno dei primi esempi di arte tipografica modernista è Still Life with Chair Caning di Pablo Picasso, creato nel 1912. Quest'opera iconica è anche considerata il primo collage di Picasso, segnando l'inizio del Cubismo Sintetico. Il pezzo evoca la superficie di un tavolo da caffè e include elementi di un bicchiere, una pipa, un giornale e una sedia da caffè, tra le altre cose. Oltre ad essere importante per l'evoluzione del Cubismo, è anche fondamentale per la nostra comprensione dell'astrazione tipografica. Il pezzo include tre lettere dipinte che sembrano comporre la parola "JOU", che in francese può essere tradotta come "gioco". Oppure, JOU potrebbe far parte della frase "Le Journal", il nome del giornale più letto a Parigi al tempo in cui quest'opera è stata realizzata.

Poiché l'immagine in Still Life with Chair Caning allude a un giornale, Picasso potrebbe facilmente aver inteso fare riferimento a Le Journal. Ma d'altra parte, il testo potrebbe essere stato un cenno giocoso a giochi visivi o concettuali. Un'altra possibilità è che la confusione tra queste interpretazioni fosse una dichiarazione intenzionale che Picasso stava facendo sui media e sulla loro tendenza a confondere significato e intenzione nel loro reportage. In ogni caso, il punto non è identificare l'intento di Picasso. Il punto è riconoscere la mancanza di chiarezza. L'intera questione sul significato degli elementi tipografici dell'opera la identifica come rappresentativa della nascita dell'astrazione tipografica modernista.

Francis Picabia -  Dame! Illustrazione per la copertina del periodico Dadaphone n. 7, Parigi, marzo 1920

Arte Dada e Tipografia

Subito dopo l'emergere del Cubismo arrivarono i Dadaisti, un gruppo di artisti dedicati a confrontarsi con l'assurdità della loro civiltà. I Dadaisti si basavano fortemente sul collage come mezzo visivo e includevano molti riferimenti tipografici astratti nelle loro opere. Francis Picabia è stato uno dei Dadaisti più famosi a utilizzare la tipografia. Formatosi come pittore realista esperto, poeta e tipografista, Picabia sapeva bene che lo scopo del linguaggio scritto era la comunicazione. Eppure si è spinto a creare nelle sue opere Dadaiste composizioni scritte inquietanti e assurde che potevano essere interpretate in modi estremamente diversi, o che potevano persino essere considerate come parole senza senso.

Considera una copertina che Picabia realizzò per il periodico dadaista Dadaphone nel 1920. L'immagine è intitolata “Dame!” Include un'immagine astratta di una spirale e diverse aree di testo. La traduzione completa del testo è: “La carne che ha bevuto troppo è un manzo napoletano,” “le mani nella merda canonica,” “aggiustando il suo letto,” e “il ponte levatoio della signora.” Il significato delle parole è tanto poco chiaro quanto il significato della spirale. L'immagine intende indicare una vite? È qualcosa di giocoso, come coriandoli? È un'immagine del progresso meccanico? È un messaggio di disperazione o di progresso? Il testo non fa nulla per chiarire il significato, aggiungendo livelli di astrazione che ottengono l'opposto di ciò che Picabia intendeva come scopo del linguaggio come medium, ovvero la chiarezza.

Jasper Johns e Tipografia

Negli anni '50, il pittore Jasper Johns è salito alla ribalta per il suo uso astratto di simboli culturali iconici, spesso includendo simboli tipografici. Johns ha appropriato forme simboliche come la Bandiera Americana e un bersaglio, esplorandole in modi che le re-contextualizzavano come forme astratte piuttosto che simboli significativi, separandole dal loro significato culturale. Johns ha evitato di spiegare il significato o lo scopo delle sue opere, indicando che intendeva che fossero "finite", cioè interpretate, dallo spettatore.

Joseph Kosuth - One and Three Chairs, 1965, © 2017 Joseph Kosuth / Artists Rights Society (ARS), New York City

Johns ha incorporato famosamente l'alfabeto inglese così come i numeri arabi in un gran numero delle sue opere. Ha utilizzato questi elementi tipografici come soggetti apparentemente privi di significato per dipinti che sembravano riguardare più le qualità formali, come superficie, texture, dimensionalità e pittoricità, piuttosto che qualsiasi cosa rappresentativa. Ha anche incorporato parole, come i nomi dei colori, dipingendole e accostandole a colori diversi, confondendo il significato delle parole. Queste opere tipografiche hanno messo in discussione se la tipografia fosse uno strumento per comunicare o se fosse semplicemente una collezione di forme che potevano essere utilizzate in modo astratto, come avevano fatto gli astrattisti geometrici dipingendo cerchi, quadrati, croci e triangoli.

Andy Warhol - Lattine di zuppa Campbell, 1962, Pittura in polimero sintetico, cm x 41 cm, Museo di Arte Moderna, New York City, © 2017 Andy Warhol Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York City

Arte Concettuale, Pop Art e Tipografia

Il lavoro di Johns ha influenzato Andy Warhol, che ha combinato famosamente elementi simbolici e tipografici nelle sue opere. Le Campbell’s Soup Cans di Warhol, create nel 1962, consistevano in 32 stampe separate, ciascuna rappresentante una delle 32 varietà di zuppa offerte dalla Campbell Company in quel periodo. Queste opere erano piatte, prodotte meccanicamente e utilizzavano soggetti che sembravano irrilevanti. Il testo non comunicava nulla tranne il branding commerciale. Attraverso questo uso astratto dell'immagine tipografica, Warhol sollevò interrogativi sul significato, o sull'insignificanza, sia della cultura dei consumi che dell'arte.

Jasper Johns ha influenzato anche artisti concettuali come Joseph Kosuth. Kosuth utilizzò la tipografia come un terzo della sua famosa opera One and Three Chairs, creata nel 1965. In quest'opera, Kosuth presentò insieme una fotografia di una sedia, una vera sedia di legno e una descrizione scritta di una sedia. L'opera suggeriva che tutti e tre gli elementi rappresentassero non una sedia, ma l'idea di una sedia. Solo uno degli oggetti era funzionale come sedia. La fotografia e la descrizione tipografica erano entrambe astrazioni.

Guerrilla Girls - Le donne devono essere nude per entrare nel Met Museum? 1989, Stampa serigrafica su carta, 280x710mm, © Guerrilla Girls

Forma e la Parola Dipinta

"Gli artisti di oggi spesso usano il testo, molte volte con l'intento di essere preso alla lettera, da leggere e comprendere. Ad esempio, le Guerilla Girls, un collettivo di artiste, che usano messaggi tipografici non astratti come parte integrante della loro arte per la giustizia sociale."

L'uso astratto della tipografia nell'arte si impegna in una missione di giustizia sociale diversa, una senza un obiettivo chiaro. Attraverso l'astrazione tipografica, gli artisti non mettono in discussione un particolare ideale culturale. Stanno interrogando l'intera nozione di comunicazione. Man mano che le nostre società diventano più complesse, il nostro uso della tipografia spesso complica ulteriormente le cose per le masse, mentre i fruitori che hanno imparato a tradurre i messaggi nascosti condividono segreti in bella vista. L'arte tipografica astratta mette in discussione il valore e l'oggettività del linguaggio scritto e si chiede se qualcosa di più essenziale che potremmo comunicare in modi più intuitivi stia andando perso.

Immagine in evidenza: Pablo Picasso - Natura morta con canna di sedia, 1912, Olio e tecnica mista su tela cerata, 11 2/5 × 14 3/5 in, Musée National Picasso, Parigi, Réunion des Musées Nationaux / Art Resource, NY Foto: R.G. Ojeda / Picasso, Pablo (1881-1973) © Artists Rights Society (ARS), New York City
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park