Il Carattere Astratto dell'Arte Tipografica

Alcune illusioni devono essere mantenute affinché la civiltà possa proseguire. Per esempio, la moneta moderna non ha un valore intrinseco. Manteniamo l'illusione del valore del denaro per strutturare la società in modo affidabile. Anche il linguaggio è astratto. Suoni e simboli significano ciò che concordiamo significhino. L'arte tipografica è un modo con cui gli artisti esplorano queste astrazioni insite nella nostra cultura. Essa sfida le nostre idee accettate su ciò che è significativo e ciò che non lo è, presentando il linguaggio scritto fuori dal suo contesto abituale, in modi strani o accostato a controparti estetiche insolite o inaspettate. Dal Cubismo al Dadaismo, dall'Arte Concettuale alla Pop Art e oltre, l'arte tipografica ha indagato il nostro uso dei simboli scritti per oltre 100 anni. Ha ampliato i confini e le possibilità di ciò che percepiamo come linguaggio e di ciò che crediamo possa realizzare.

Arte tipografica cubista

Uno dei primi esempi di arte tipografica modernista è Pablo Picasso con Natura morta con canna di sedia, realizzata nel 1912. Quest'opera iconica è anche considerata il primo collage di Picasso, segnando l'inizio del Cubismo sintetico. Il pezzo evoca la superficie di un tavolo da caffè e include elementi come un bicchiere, una pipa, un giornale e una sedia da caffè, tra altri oggetti. Oltre a essere importante per l'evoluzione del Cubismo, è anche una chiave per comprendere l'astrazione tipografica. L'opera include tre lettere dipinte che sembrano comporre la parola “JOU,” che in francese può essere tradotta come “gioco.” Oppure, JOU potrebbe far parte della frase “Le Journal,” il nome del quotidiano più letto a Parigi al tempo in cui quest'opera fu realizzata.

Poiché l'immagine in Natura morta con canna di sedia allude a un giornale, Picasso potrebbe aver voluto riferirsi a Le Journal. Ma d'altra parte il testo potrebbe essere stato un gioco visivo o concettuale. Un'altra possibilità è che la confusione tra queste interpretazioni fosse una dichiarazione intenzionale di Picasso riguardo ai media e alla loro tendenza a confondere significato e intenzione nei loro resoconti. In ogni caso, il punto non è identificare l'intento di Picasso. Il punto è riconoscere la mancanza di chiarezza. L'intera questione sul significato degli elementi tipografici dell'opera la identifica come rappresentativa della nascita dell'astrazione tipografica modernista.

Francis Picabia -  Dama! Illustrazione per la copertina del periodico Dadaphone n. 7, Parigi, marzo 1920

Arte Dada e tipografia

Subito dopo l'ascesa del Cubismo arrivarono i Dadaisti, un gruppo di artisti dedicati a confrontare l'assurdità della loro civiltà. I Dadaisti si affidavano molto al collage come mezzo visivo e includevano molti riferimenti tipografici astratti nelle loro opere. Francis Picabia fu uno dei Dadaisti più famosi a usare la tipografia. Formatosi come esperto pittore realista, poeta e tipografo, Picabia sapeva bene che lo scopo del linguaggio scritto era la comunicazione. Eppure si spinse nelle sue opere dadaiste a creare composizioni scritte strane e assurde che potevano essere interpretate in modi molto diversi o addirittura prese come sciocchezze.

Consideriamo una copertina realizzata da Picabia per il periodico dadaista Dadaphone nel 1920. L'immagine si intitola “Dama!” Include un'immagine astratta di una spirale e diverse aree di testo. La traduzione completa del testo è: “Carne che ha bevuto troppo è un manzo napoletano,” “le mani nella merda canonica,” “rattoppando il suo letto,” e “il ponte levatoio della signora.” Il significato delle parole è tanto oscuro quanto quello della spirale. L'immagine vuole indicare una vite? È qualcosa di giocoso, come coriandoli? È un'immagine di progresso meccanico? È un messaggio di disperazione o di progresso? Il testo non chiarisce il significato, aggiungendo livelli di astrazione che ottengono l'opposto di ciò che Picabia intendeva come scopo del linguaggio, cioè la chiarezza.

Jasper Johns e la tipografia

Negli anni '50 il pittore Jasper Johns divenne noto per il suo uso astratto di simboli culturali iconici, spesso includendo simboli tipografici. Johns appropriò forme simboliche come la bandiera americana e un bersaglio, esplorandole in modi che le ricontestualizzavano come forme astratte piuttosto che simboli significativi, separandole dal loro significato culturale. Johns evitava di spiegare il significato o lo scopo delle sue opere, indicando che intendeva che fossero “compiute,” cioè interpretate, dallo spettatore.

Joseph Kosuth - One and Three Chairs, 1965, © 2017 Joseph Kosuth / Artists Rights Society (ARS), New York City

Johns incorporò famosamente l'alfabeto inglese così come i numeri arabi in un gran numero delle sue opere. Usava questi elementi tipografici come soggetti apparentemente privi di senso per dipinti che sembravano riguardare più le qualità formali, come superficie, texture, tridimensionalità e pittoricità, che qualcosa di rappresentativo. Incorporava anche parole, come i nomi dei colori, dipingendoli e accostandoli a colori diversi, confondendo il significato delle parole. Queste opere tipografiche mettevano in discussione se la tipografia fosse uno strumento di comunicazione o semplicemente una raccolta di forme da usare in modo astratto, come avevano fatto gli astrattisti geometrici dipingendo cerchi, quadrati, croci e triangoli.

Andy Warhol - Campbell’s Soup Cans, 1962, Pittura a polimero sintetico, cm x 41 cm, Museum of Modern Art, New York City, © 2017 Andy Warhol Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York City

Arte concettuale, Pop Art e tipografia

L'opera di Johns influenzò Andy Warhol, che combinò famosamente elementi simbolici e tipografici nelle sue opere. Le Campbell’s Soup Cans di Warhol, create nel 1962, consistevano in 32 stampe separate, ciascuna rappresentante una delle 32 varietà di zuppa offerte dalla Campbell Company in quel periodo. Queste opere erano piatte, prodotte meccanicamente e utilizzavano soggetti apparentemente irrilevanti. Il testo non comunicava nulla se non il marchio commerciale. Attraverso questo uso astratto dell'immagine tipografica, Warhol sollevò questioni sul significato, o sull'assenza di significato, sia della cultura consumistica che dell'arte.

Jasper Johns influenzò anche artisti concettuali come Joseph Kosuth. Kosuth usò la tipografia come un terzo della sua celebre opera One and Three Chairs, realizzata nel 1965. In questo pezzo, Kosuth presentò insieme una fotografia di una sedia, una sedia di legno reale e una descrizione scritta di una sedia. L'opera suggeriva che tutti e tre gli elementi rappresentassero non una sedia, ma l'idea di una sedia. Solo uno degli oggetti era funzionale come sedia. La fotografia e la descrizione tipografica erano entrambe astrazioni.

Guerrilla Girls - Le donne devono essere nude per entrare al Met Museum? 1989, Serigrafia su carta, 280x710mm, © Guerrilla Girls

Forma e parola dipinta

Gli artisti oggi spesso usano il testo, molte volte con l'intento che venga preso al valore nominale, letto e compreso. Per esempio le Guerrilla Girls, un collettivo di artiste, che usano messaggi tipografici non astratti come parte integrante della loro arte per la giustizia sociale.

L'uso astratto della tipografia nell'arte si impegna in una diversa missione di giustizia sociale, una senza un obiettivo chiaro. Attraverso l'astrazione tipografica, gli artisti non mettono in discussione un particolare ideale culturale. Mettono in discussione l'intera nozione di comunicazione. Man mano che le nostre società diventano più complesse, il nostro uso della tipografia spesso complica ulteriormente le cose per le masse, mentre gli spettatori che hanno imparato a tradurre i messaggi nascosti condividono segreti in bella vista. L'arte tipografica astratta mette in discussione il valore e l'oggettività del linguaggio scritto e chiede se qualcosa di più essenziale che potremmo comunicare in modi più intuitivi si stia perdendo.

Immagine in evidenza: Pablo Picasso - Natura morta con canna di sedia, 1912, Olio e tecniche miste su tela cerata, 29 × 37 cm, Musée National Picasso, Parigi, Réunion des Musées Nationaux / Art Resource, NY Foto: R.G. Ojeda / Picasso, Pablo (1881-1973) © Artists Rights Society (ARS), New York City
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio