"Pittura a Bordo Duro e l'Estetica dell'Ordine Astratto"

Ti piacerebbe entrare dentro a un dipinto a bordi netti? La prossima volta che sarai a Las Vegas, vai all'Hotel e Casinò Cosmopolitan. Al livello della strada c'è una caffetteria Starbuck’s. Entra e guarda verso l'alto, sulle pareti. Noterai macchie luminose di colori primari dipinte su varie superfici e arredi. Su una delle pareti vedrai la firma dell'uomo che ha dipinto queste macchie di colore: l'artista e fotografo francese Georges Rousse.

Se cammini fino all'estremità della stanza vedrai un punto segnato sul pavimento che invita gli spettatori a posizionarsi lì. Da quel solo punto, e solo da quel punto, la visione di Rousse si realizza. Quelle superfici dipinte fanno parte di un'illusione, una realizzazione tridimensionale di un dipinto astratto geometrico che occupa lo spazio architettonico.

John McLaughlin - Senza titolo, 1951, Olio su Masonite, 60,3 × 70,5 cm, Cortesia di Van Doren Waxter

Cos’è il dipinto a bordi netti?

L’espressione dipinto a bordi netti fu coniata alla fine degli anni ’50 da Jules Langsner, critico d’arte per il quotidiano Los Angeles Times. Il termine faceva riferimento a una tendenza antica che stava ricomparendo in diversi stili di arte astratta, ma che era particolarmente diffusa in California in quel periodo. La tendenza consisteva nell’uso di forme geometriche dipinte con colori pieni e decisi, chiaramente separati l’uno dall’altro da bordi netti e solidi. Due dei principali pittori a bordi netti a cui Langsner si riferiva quando coniò il termine erano John McLaughlin e Helen Lundeberg.

Questo tipo di pittura era stato praticato per secoli e si era manifestato in molte culture diverse. Anche nell’ambito dell’arte astratta occidentale questa tendenza a lavorare con colori intensi, forme ben definite e bordi netti era già apparsa, per esempio nelle opere di Kazimir Malevich e Piet Mondrian.

L’estetica del dipinto a bordi netti era caduta in disuso negli anni ’40 e ’50, in parte a causa della crescente popolarità delle opere emotive e gestuali degli Espressionisti Astratti. Nel senso contemporaneo, il termine dipinto a bordi netti non si riferisce tanto a uno stile o movimento specifico, quanto a una tendenza che artisti moderni di diversi stili hanno applicato e continuano ad applicare alla loro estetica.

Helen Lundeberg - Pianeta Blu, 1965, Acrilico su tela, 152 x 152 cm, Collezione Marilynn e Carl Thoma. © Feitelson Arts Foundation, cortesia Louis Stern Fine Arts

Kazimir Malevich - Piazza Rossa, 1915, Olio su tela, 53 × 53 cm, Museo Russo, San Pietroburgo

La filosofia della bellezza

Per molte persone, uno degli elementi più sconcertanti dell’arte astratta è che non si appella a nessuna definizione oggettiva di bellezza. Almeno nel mondo occidentale, per secoli la bellezza estetica nella pittura era definita da soggetti naturali e figurativi, come ritratti e paesaggi. Prima dell’ascesa dell’astrazione, per considerare un’opera d’arte esteticamente bella si aspettava normalmente che replicasse qualcosa considerato bello nel mondo oggettivo, come un angelo, una figura storica o un prato.

Quando gli artisti hanno iniziato a scomporre gli elementi della pittura hanno messo in discussione il concetto di cosa potesse essere bello. Le qualità della luce da sole potevano essere considerate belle? Gli Impressionisti lo pensavano. Il colore da solo poteva essere considerato esteticamente bello? Gli Orfisti lo pensavano. Molti artisti e movimenti artistici hanno poi messo in discussione persino la rilevanza della bellezza estetica. L’arte deve avere a che fare con la bellezza?

Piet Mondrian - Composizione II in rosso, blu e giallo, 1930, Olio su tela, 46 x 46 cm, The Metropolitan Museum of Art

La bellezza dell’ordine

A prescindere dai giochi filosofici che artisti, critici e accademici si scambiano, il fatto è che la bellezza conta per gli spettatori. Chi guarda l’arte vuole trovarsi davanti a oggetti che li facciano sentire bene. Vogliono che l’arte partecipi con loro nella ricerca della soddisfazione, qualunque cosa significhi per loro. Anche se ogni critico d’arte al mondo considerasse un dipinto di immensa importanza storica, se nessuno spettatore volesse stargli vicino il suo valore giustamente diminuirebbe. La verità fondamentale che gli esseri umani amano stare vicino a cose esteticamente piacevoli è qualcosa con cui molti movimenti di arte astratta hanno lottato, ed è qualcosa che il dipinto a bordi netti ha aiutato molti spettatori a confrontare.

C’è bellezza nell’ordine. C’è bellezza nella razionalità. C’è bellezza nel colore. C’è bellezza nella linea. C’è bellezza in qualcosa di puro, incontaminato, pulito e sensato. Anche se molti spettatori ancora oggi faticano a vedere subito la bellezza delle opere cubiste o dei dipinti astratti di Wassily Kandinsky, è innegabile che ci sia qualcosa di attraente, o almeno psicologicamente soddisfacente, nei dipinti che rispondono al nostro desiderio di struttura. L’astrazione geometrica a bordi netti dei dipinti suprematisti di Malevich e dei dipinti De Stijl di Mondrian è bella perché è un antidoto estetico al caos.

Jackson Pollock - Blue Poles, o Numero 11, 1952, Smalto e vernice alluminio con vetro su tela, 212 × 489 cm, National Gallery of Australia, Canberra

Una questione di gusto

Naturalmente tutto questo non significa che altri tipi di arte astratta non siano belli. La bellezza è una questione di gusto. Per esempio, diversi spettatori hanno capacità diverse di districare le complessità. Ciò che sembra caos a un occhio può apparire idilliaco a un altro. Chiaramente il motivo per cui pittori d’azione come Jackson Pollock e Willem de Kooning ebbero tanto successo è che molti spettatori trovavano le loro opere accessibili, riconoscibili e belle. Anche se certamente alcuni spettatori considerano un dipinto come Blue Poles di Pollock un pasticcio, molti più spettatori lo considerano un’espressione di universalità umane e verità personali primordiali.

Il motivo per cui il dipinto a bordi netti tornò di moda negli anni ’50 è forse perché l’Espressionismo Astratto era così emotivo. Era emerso, dopotutto, dai tempi più violenti, catastrofici e paurosi della storia dell’umanità, dopo la Seconda Guerra Mondiale e l’ascesa della guerra atomica. Ha senso che gli spettatori che affrontavano quotidianamente la loro possibile estinzione nei telegiornali serali desiderassero infine un ritorno a qualcosa di più favorevole a un senso di calma interiore e di ordine.

Il dipinto a bordi netti degli anni ’50 e ’60 offriva proprio questo. Offriva un ritorno alle qualità formali e classiche dell’astrazione geometrica. Invece di guardare l’orrore delle nostre psiche e il caos insito nelle nostre emozioni primordiali, l’astrazione a bordi netti ci offriva rifugio in uno spazio contemplativo e meditativo dove forma, colore, linea e superficie erano tutto ciò che contava. Lì potevamo meditare sugli elementi fondamentali delle cose e forse trasformarci, almeno temporaneamente, in qualcos’altro.

Donald Judd - 15 opere senza titolo in cemento, 1980-1984, Marfa, TX, La Chinati Foundation, Marfa

Minimalismo e altro

Il ritorno a un’estetica formale e a bordi netti ha ispirato una grande evoluzione creativa nell’arte astratta a metà del XX secolo. Ha ispirato l’ascesa dei pittori del Campo di Colore, come Kenneth Noland, che usavano superfici piatte e ampie distese di colore per creare dipinti meditativi attraverso cui gli spettatori potevano provare sensazioni trascendenti. Ha ispirato l’Astrazione Post-Pittorica, un movimento dedicato a nascondere la mano dell’artista e a mettere in risalto qualità formaliste come colore, linea, forma e superficie. Ha anche influenzato il pensiero di artisti come Donald Judd e quelli associati al Minimalismo, che raggiunsero l’apice dell’espressione non emotiva abbracciando il formalismo estetico.

James Turrell - Raethro Pink (Proiezione d’angolo), 1968, © James Turrel

Un’eredità più ampia

Il dipinto a bordi netti ha anche ispirato gli artisti del movimento luce e spazio. Chiunque sia mai stato dentro un’opera immersiva di James Turrell, o abbia incontrato una delle sue opere che usa “aperture”, buchi a bordi netti tagliati in superfici che lasciano passare la luce, può vedere chiaramente il legame tra questo lavoro e il dipinto a bordi netti.

Anche l’artista di installazioni James Irwin è stato collegato all’eredità dei pittori a bordi netti attraverso le sue opere di luce. Gli esempi più famosi sono le installazioni in acrilico di Irwin, in cui un pezzo chiaro, curvo e circolare di acrilico si estende da una parete e viene colpito dalla luce, creando linee, motivi geometrici e un gioco di luce e ombra sulla superficie circostante. Queste opere estendono i principi del dipinto a bordi netti nello spazio tridimensionale, permettendo allo spettatore di abitarle.

Robert Irwin - Senza titolo, 1969, Vernice acrilica su acrilico fuso, 137 cm di diametro, © 2017 Robert Irwin / Artists Rights Society (ARS), New York

Una questione di prospettiva

Se il dipinto a bordi netti sia più bello di stili pittorici più emotivi o viceversa è solo una questione di opinione. E le opinioni cambiano. Tornando a quel Starbucks di Las Vegas, possiamo vedere che questa è la vera essenza del messaggio che Georges Rousse potrebbe voler trasmettere con la sua opera. Un dipinto a bordi netti di una forma geometrica può darci ordine e chiarezza. Ma non tutti trovano la felicità nell’ordine e nella chiarezza. Alcuni di noi preferiscono che le cose siano casuali. Alcuni di noi amano il caos. La vera bellezza delle opere a bordi netti di Rousse è che con un semplice passo in qualsiasi direzione i bordi si ammorbidiscono e si spostano. Dimostrano che la prospettiva è davvero tutto.

Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio