Che cos'è la Pittura Concettuale?

Ogni opera d'arte è stata un'idea nella testa di qualcuno. È un pensiero divertente considerando quanto possano essere effimere le idee e quanto possa essere difficile trasformare anche le migliori idee in realtà. La pittura concettuale, come campo di pratica artistica, cerca di affrontare il divario tra idee e realtà fisica. Considera la possibilità che per ogni dipinto che finisce appeso a una parete, ci siano innumerevoli altri che non sono mai arrivati sulla tela, e innumerevoli modi alternativi di dipingere quello che è riuscito a salire sulla parete. Arriva persino a dire che il dipinto potrebbe non importare affatto; che l'unica cosa che conta davvero è l'idea. 

Pensaci e basta

A volte il modo migliore per portare a termine qualcosa è non pensarci. Fallo e basta, come dice lo slogan. Quando ci fermiamo a riflettere sulla natura di ciò che stiamo facendo, questo può paralizzarci, mentre ci chiediamo se ciò che stiamo facendo valga la pena o abbia qualche valore. Quando i primi pittori astratti iniziarono la loro ricerca per creare opere puramente astratte, c'era molto pensiero in corso e erano pieni di idee. Ma contemporaneamente alcuni artisti si stavano ponendo domande sul valore di quelle, o di qualsiasi altra idea.

Nel 1917, Marcel Duchamp creò un'opera d'arte intitolata “Fontana.” Era un orinatoio capovolto e firmato “R. Mutt.” Duchamp prese un oggetto ordinario e lo trasformò, in questo caso capovolgendolo e rimuovendolo dal suo contesto utilitaristico, rendendo obsoleto il suo uso originale e invitando a nuove possibilità di significato. “Fontana” fu rifiutata dalla mostra a cui era stata presentata, ma divenne il punto di riferimento per ciò che sarebbe poi stato conosciuto come Arte Concettuale, una tendenza a porre il valore delle idee di un artista al di sopra del valore dei processi o degli oggetti dell'artista.

 Sarah Hinckley - 2009, 15 x 9.8 in, © Sarah Hinckley

L'immagine non è niente

Molti dei primi dipinti concettuali non erano affatto dipinti. Nel 1953, l'artista Robert Rauschenberg ebbe l'idea di cancellare un dipinto. Intendeva far scomparire l'oggetto reale, lasciando solo l'idea, e così elevarla a una nuova riverenza. Credeva che per raggiungere la piena manifestazione della sua idea, qualcun altro dovesse tenere l'oggetto in considerazione. Doveva cancellare l'opera di un altro pittore altrimenti sarebbe stato come negare qualcosa che non è mai esistito.

Rauschenberg si rivolse al suo amico Willem de Kooning e gli chiese di donare un dipinto amato per il suo concetto. Sebbene de Kooning inizialmente resistette, alla fine decise di dare Rauschenberg un disegno, uno che odiava vedere scomparire e che sarebbe stato difficile da cancellare. Rauschenberg utilizzò più di una dozzina di gomme da cancellare nel corso di più di un mese, riuscendo infine a cancellare l'intera immagine. Il risultato, chiamato “Erased de Kooning Drawing,” affermava con sicurezza il concetto che l'idea di un'opera d'arte è ciò che conta di più, e che l'opera non deve necessariamente esistere.

Robert Rauschenberg - Disegno cancellato di de Kooning, 1953, Tracce di media da disegno su carta, 64,14 cm x 55,25 cm x 1,27 cm, Museo d'Arte Moderna di San Francisco (SFMOMA), San Francisco, © Fondazione Robert Rauschenberg 

Rendere l'invisibile

Il concetto dell'importanza primaria dell'idea si diffuse rapidamente nel mondo occidentale. Gli artisti iniziarono a sperimentare con ogni possibile manifestazione di un'idea, credendo che se un'idea deve manifestarsi, può manifestarsi in un numero qualsiasi di modi. L'arte riguardante un'immagine di un albero potrebbe manifestarsi come una fotografia di un albero, un dipinto di un albero, un disegno di un albero, un dipinto astratto di un albero, le parole “immagine di un albero” scritte su una superficie, un performer che punta a un albero reale, una danza interpretativa che imita un albero, o addirittura un artista seduto per terra con gli occhi chiusi a pensare a un'immagine di un albero.

Nel 1958, l'artista Yves Klein tenne una mostra di pittura a Parigi spesso chiamata “Il Vuoto.” Il titolo completo della mostra era “La Specializzazione della Sensibilità nello Stato di Materia Prima in Sensibilità Pittorica Stabilizzata, Il Vuoto.” Secondo la leggenda, più di 3000 visitatori vennero a vedere la mostra. Entrando nella galleria, gli spettatori si trovarono di fronte a una stanza bianca priva di dipinti, contenente solo un armadietto vuoto. Klein disse riguardo alla mostra: “I miei dipinti sono ora invisibili e vorrei mostrarli in modo chiaro e positivo.”

Fieroza Doorsen - Senza titolo (Id. 1281), 2017, Olio su carta, 27 x 19 cm.

SolLeWitt

Nel 1968, il pittore astratto Sol LeWitt aggiunse un'altra dimensione al regno della pittura concettuale. Teorizzò che non solo non importa se un'idea si manifesta mai come un dipinto fisico, ma non importa nemmeno come venga dipinta o chi la dipinga. Tutto ciò che conta è l'idea originale espressa dall'artista riguardo al dipinto. Come dimostrazione di questo concetto, LeWitt iniziò a progettare murales che potevano essere, e di solito erano, eseguiti da persone diverse da lui.

L'idea di LeWitt era che ogni singola mano disegnasse ogni linea in modo diverso, quindi anche se avrebbero lavorato dagli stessi piani, ogni artista avrebbe disegnato il murale in modo diverso dagli altri. I prodotti finiti varrebbero dal design originale e l'uno dall'altro, ma poiché il design originale è tutto ciò che conta, la variazione è irrilevante, così come i mezzi di produzione. L'eredità dell'idea di LeWitt è che i suoi dipinti murali concettuali vengono ancora riprodotti oggi, dopo la sua morte.

John Monteith - Il Cielo Notturno, 2010, grafite su carta fatta a mano, 24 x 17.7 in, © John Monteith

Il futuro delle idee

La pittura concettuale contemporanea continua ad ampliare la nostra apprezzamento delle idee che formano la base di un'opera d'arte. Il lavoro della pittrice astratta americana contemporanea Debra Ramsay è radicato in idee che sono fondamentali per il nostro tempo. Il suo processo consiste nel tracciare i colori cangianti della natura, come quelli della flora stagionale, e poi analizzare quei cambiamenti di colore in un programma informatico. I dati risultanti vengono utilizzati per creare una tavolozza che fa riferimento ai colori naturali cangianti. Utilizza quindi quella tavolozza per creare una rappresentazione astratta di oggetti nello spazio che cambiano nel tempo.

Il lavoro di Ramsay evoca due idee fondamentali che dominano la nostra cultura attuale. La prima è l'idea dei dati e la nozione che ogni aspetto delle nostre vite venga monitorato, digitalizzato, calcolato e analizzato in una monumentale ricerca di comprensione. L'altra è l'idea che la natura stia cambiando e che ora potremmo essere in grado di osservare solo questo cambiamento e in qualche modo trovare bellezza estetica in esso. Le idee di Ramsay sono splendidamente rappresentate sotto forma di pitture astratte, ma sono le idee stesse a rendere il suo lavoro così rilevante per la nostra cultura attuale.

Debra Ramsay- Un Anno di Colore, Regolato per la Lunghezza del Giorno, 2014, Acrilico su film di poliestere, 39.8 x 59.8 in.

H7

Il pittore astratto canadese John Monteith lavora in una serie di diversi mezzi mentre cerca la manifestazione fisica più riuscita dei suoi concetti artistici. Un ambito che esplora spesso è quello del testo. Monteith estrae frammenti di testo da altre fonti che incontra mentre lavora, come le notizie quotidiane, un libro o una conversazione. Presenta quindi il testo fuori contesto in un ambiente di galleria, il che invita a nuove interpretazioni concettuali delle idee contenute nelle parole.

Attraendo da molteplici fonti mediatiche per il testo che utilizza nelle opere, i disegni basati su testo di Monteith portano un punto di vista contemporaneo alle opere di artisti concettuali di prima generazione come Robert Barry, che spesso lavora anche con il testo. Il lavoro di Barry consiste nel visualizzare frammenti di testo su carta, tela, pareti, pavimenti o qualsiasi altra superficie adatta all'idea. Le sue parole sono spesso le sue, ma a volte sono tratte da altri testi, e vengono presentate in un modo tale da invitare a nuove associazioni e significati. Spesso, queste opere concettuali presentano molte più informazioni di quanto potrebbe fare un dipinto tradizionale, richiedendo la partecipazione dell'immaginazione del pubblico. 

Materia e significato

Nel 1965, in un'opera seminale di arte concettuale chiamata One and Three Chairs, l'artista concettuale Joseph Kosuth presentò una sedia reale, una fotografia di una sedia e una descrizione scritta di cosa sia una sedia. Come molte altre opere concettuali, ha messo in primo piano la questione di quale sia la differenza tra idee, oggetti e astrazioni.

Accettiamo ora che un dipinto concettuale non deve necessariamente essere un dipinto, né deve esistere in forma materiale. Ma quando esiste, è importante? Conta che sia qui, nel regno fisico? Non c'è davvero differenza tra l'oggetto e l'idea? Valutiamo davvero di più l'idea? Se fossimo affamati, preferiremmo avere una ricetta, un dipinto di cibo o del cibo reale? In termini pratici, la pittura concettuale pone e risponde a una delle domande più importanti dell'umanità: Conta ciò che facciamo?

Immagine in evidenza: Robert Barry - Senza titolo (Qualcosa che non può mai essere una cosa specifica), 1969,  Scrittura a macchina su carta, 4 x 6 in., © Robert Barry

Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo