Momenti Definitori nella Storia dell'Arte Astratta

Le parole possono essere così controverse. Vogliamo solo discutere la storia dell'arte astratta. Ma quella frase è piena di pericoli concettuali. (Di chi è la storia? Che cos'è l'arte? Cosa significa essere astratti?) Per essere precisi, forse dovremmo intitolare questo articolo qualcosa come: “Momenti Definitori nella Catena di Eventi che Comprendono la Cronologia Generalmente Accettata della Civiltà Occidentale Relativa a Oggetti e Fenomeni Creati da Artisti Autodefinitisi Non Intenzionati a Essere Rappresentativi della Realtà Visiva Oggettiva.” Ma non è esattamente un titolo cliccabile. (O sì?) Per il bene della sanità mentale, per questo articolo mettiamo da parte la semantica e iniziamo dall'inizio.

La Pre-Storia dell'Arte Astratta

Tra i primi segni degli abitanti delle caverne preistoriche c'erano linee, graffi e impronte di mani. La nostra migliore interpretazione è che fossero simbolici. Quindi, questo li rende i primi esempi di arte astratta ? Forse. Ma anche le immagini rappresentative lasciate dai nostri antichi antenati non sono esattamente fotorealistiche. Ciò che manca nelle nostre analisi è una comprensione dell'intento dei nostri primi artisti. Quando parliamo di arte astratta, intendiamo arte che era specificamente destinata a essere astratta. Poiché non possiamo sapere cosa intendessero comunicare gli artisti preistorici attraverso le loro immagini, non possiamo giudicare se fosse astratta, o addirittura se sia arte. Potrebbe aver avuto scopi utilitari, per quanto ne sappiamo. Quindi salteremo avanti, molto avanti, a un'epoca meglio documentata, quando le intenzioni degli artisti erano più chiare.

Henri Matisse - Donna con un cappello, 1905, Olio su tela, 31 3/4 × 23 1/2 in, © Successione H. Matisse / Artists Rights Society (ARS), New York

Prima dei primi anni 1800, è sicuro dire che la stragrande maggioranza degli artisti, la stragrande maggioranza delle volte, non aveva il lusso di decidere cosa realizzare. La maggior parte degli artisti pre-Romantici si affidava al supporto di istituzioni religiose o di qualche altra autorità per poter sopravvivere. I re e gli uomini santi determinavano quindi il soggetto della maggior parte delle opere di quegli artisti. Con il declino di quel sistema di patrocinio, si presentarono agli artisti altre modalità di sopravvivenza. Emerse un sistema di gallerie; i commercianti d'arte indipendenti iniziarono a rappresentare il lavoro degli artisti; individui facoltosi e istituzioni private iniziarono a sostenere gli artisti e a collezionare le loro opere. Per la prima volta, agli artisti fu data la possibilità di rispondere per conto proprio alla domanda: “Cosa voglio creare?” Immediatamente arrivò la successiva domanda inevitabile: “Perché voglio farlo?” La risposta a questa domanda è una delle cause principali dell'eventuale ascesa dell'arte astratta ed è forse il concetto più duraturo emerso dall'Era Romantica; uno espresso da molti pensatori dell'epoca e riassunto dai francesi come, “L'art pour l'art.” L'arte per l'arte. O come lo scrittore Edgar Allen Poe lo espresse nel 1850: “…se solo ci permettessimo di guardare dentro le nostre anime, scopriremmo immediatamente che sotto il sole non esiste né può esistere alcuna opera più dignitosa, più suprema e nobile, di questa stessa poesia…scritta esclusivamente per il bene della poesia.”

Andre Derain - Le vele asciutte, 1905, olio su tela, 82 x 101 cm, © Museo Pushkin, Mosca

Prime impressioni

Una volta che gli artisti furono liberati dai vincoli di un soggetto predeterminato, iniziarono a liberarsi anche di altri vincoli. Da circa gli anni 1850 agli anni 1870, il Movimento Estetico diede potere agli artisti di creare arte puramente per scopi estetici, piuttosto che concentrarsi su argomenti legati alla cultura, alla società e alla politica. Poi arrivarono gli Impressionisti, artisti con sede a Parigi che realizzarono opere focalizzate fortemente sulla rappresentazione delle qualità della luce, iniziando una distillazione degli elementi estetici individuali di un'opera d'arte. Negli anni 1880, il pittore Georges Seurat sviluppò una tecnica di costruzione di un'immagine interamente a partire da piccoli punti. Questa tecnica, nota come Puntinismo, creava immagini distorte, ma rappresentative. Il Puntinismo  contribuì all'emergere di pennellate sperimentali e tecniche compositive che suggerivano una tendenza verso l'astrazione. Questa tendenza fu ampliata durante il periodo Post-Impressionista, mentre gli artisti iniziarono a sperimentare con il simbolismo e l'uso arbitrario di colore, forma e linea.

È tutto soggettivo

Nei primi anni del 1900, gli Espressionisti contribuirono alla tendenza verso la pura astrazione con il loro focus sulla soggettività. Distortendo drammaticamente le loro immagini, cercarono di presentare un punto di vista profondamente personale, rappresentativo più dell'emozione che della realtà fisica. Durante questo periodo emerse anche l'ascesa dei Fauves, pittori concentrati quasi esclusivamente su colori vividi e segni pittorici. Per i Fauves, il soggetto era secondario rispetto ai componenti estetici dell'opera. A questo punto, l'emergere della pura astrazione era inevitabile. Ovunque gli artisti lavoravano con rappresentazioni simboliche della realtà, cercando di comunicare idee e sentimenti in modi non legati al soggetto. Erano per definizione astratti. Ma chi fu il primo a riuscire a realizzare un dipinto che fosse puramente astratto?

Hans Hofmann - Luna crescente, 1965, Olio su tela, Collezione privata, Art Resource, NY / Hofmann, Hans (1880-1966) © ARS, NY

"Il Vero Primo Astrattore Può Alzarsi?"

Quasi tutti gli storici concordano sul fatto che il primo dipinto astratto sia stato Untitled (First Abstract Watercolor) di Wassily Kandinsky, dipinto nel 1910. Composto da macchie di colore vivace, cerchi, linee, ondulazioni e campi di colore assemblati in un modo apparentemente casuale, l'opera non fa riferimento in alcun modo a elementi visivi preesistenti del mondo fisico. In modo cospiratorio, potremmo, solo per divertimento, postulare che Untitled (First Abstract Watercolor) di Kandinsky non fosse il primo dipinto puramente astratto. Un anno prima, nel 1909, il pittore francese d'avanguardia Francis Picabia dipinse Caoutchouc, un'opera proto-cubista caratterizzata da forme geometriche irriconoscibili avvolte in campi di colore apparentemente non correlati. Quest'opera sembra in alcun modo rappresentare la realtà visiva oggettiva. Tuttavia, la parola Caoutchouc significa all'incirca linfa di gomma naturale, un riferimento alla materia prima per la produzione di gomma vulcanizzata. Non avendo mai analizzato gli elementi visivi della gomma non vulcanizzata, non possiamo dire, ma forse questo dipinto è rappresentativo. Chi lo sa? Ciò che sappiamo è che Kandinsky era un appassionato teorico dell'arte e un prolifico scrittore d'arte. Scrisse con entusiasmo della sua ricerca per creare la prima opera d'arte puramente astratta del mondo. Parlò apertamente sia della sua intenzione di diventare il fondatore dell'arte astratta, sia del suo successo nel raggiungerla. Nessuno può negare che fosse sua intenzione essere il primo, indipendentemente dal fatto che qualcuno prima di lui lo abbia accidentalmente battuto sul tempo.

Hans Hofmann - Veluti in Speculum, 1962, Olio su tela, 85 1/4 x 73 1/2 in (216.5 x 186.7 cm), © 2017 Artists Rights Society (ARS), New York

Cosa ha fatto sicuramente Kandinsky

Annunciando apertamente la sua intenzione di creare arte astratta pura, Kandinsky liberò gli artisti dalla loro dipendenza dai riferimenti al mondo osservabile. Divorziò l'arte dalla sua logica precedente. Aprì il campo a esperimenti profondi e rapidi. Portò a maturità la promessa dei Romantici, che, come disse Caspar David Friedrich, l'artista romantico tedesco, “Il sentimento dell'artista è la sua legge.”

Wassilly Kandinsky - Composizione IV, 1911, olio su tela, 250,5 x 159,5 cm, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, Germania

Il mondo in guerra

Nel corso dei decenni successivi, gli artisti sperimentarono in modo audace con l'astrazione. Molti nuovi stili vennero alla luce, influenzati dalla chiamata alla libertà dell'astrazione e anche dagli orrori della Prima Guerra Mondiale e dall'ascesa dell'era meccanica. Il Cubismo influenzò gli artisti a ridurre il loro linguaggio visivo ai suoi elementi costitutivi più basilari. Il Futurismo dimostrò la vitalità e la potenza della linea. Il Dadaismo sfidò il significato dell'arte, riaffermando la libertà dell'arte dalla borghesia e il suo rifiuto. Negli anni '20, il Surrealismo aprì le menti degli artisti al potere del subconscio. Con il suo focus sulle immagini oniriche e il suo rifiuto della logica consapevole, influenzò profondamente gli artisti astratti a sperimentare di più con tecniche, mezzi e metodi che potessero collegarli in modo più diretto ai loro io inconsci.

Wassiliy Kandinsky - Composizione 6, 1913, Olio su tela, 76 2/5 × 115 7/10 in, 194 × 294 cm, © Wassily Kandinsky / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Parigi / Erich Lessing / Art Resource, NY

Rendila nuova!

Negli anni '30, il pittore americano di origine tedesca Hans Hofmann è accreditato di aver diffuso in America le filosofie essenziali di quello che è venuto a essere conosciuto come Modernismo, l'ultima iterazione del rifiuto delle modalità e dei metodi del passato. Lui stesso un pittore astratto, Hofmann incoraggiò i suoi studenti dalla California a New York ad adottare nuovi metodi di creazione dell'immagine, alla ricerca di modi per affrontare ed esprimere le ansie e le meraviglie di una società in rapida industrializzazione. Nel 1934, il poeta Ezra Pound riassunse l'atteggiamento dei Modernisti, con il suo ormai famoso invito agli artisti: “Fallo nuovo!” Pound era una figura controversa, che si trasferì infine in Italia, dove sostenne le figure fasciste di spicco della Seconda Guerra Mondiale. Tuttavia, il suo entusiasta rifiuto del vecchio affondò le radici nella mente degli artisti astratti, portando a cambiamenti potenti all'orizzonte.

Wasilly Kandinsky - Macchia Nera I (dettaglio), 1912, Olio su tela. 39,4 × 51,2 pollici (100,0 × 130,0 cm), Il Museo Russo, San Pietroburgo, Russia

Una nuova purezza

Dopo due guerre mondiali, una depressione globale, carestie, atrocità e due attacchi nucleari su città popolate, l'entità dell'ansia che l'essere umano medio stava vivendo a metà degli anni '40 non può essere sottovalutata. Questa ansia ha dato origine a un nuovo e diffuso interesse per il campo relativamente giovane della psicoanalisi. Tra i milioni di persone che si sono rivolte alla psicoanalisi in quel periodo c'era Jackson Pollock , uno dei membri di spicco di un gruppo di artisti conosciuti come Espressionisti Astratti. Pollock è stato esposto alla psicoanalisi mentre era in riabilitazione. Questo ha aperto la sua mente al mondo della conoscenza primordiale racchiusa nel suo subconscio. Molti dei suoi contemporanei cercavano nuovi modi di connettersi con l'essenza nascosta della loro umanità, lavorando per esprimere emozioni grezze e primordiali attraverso i loro dipinti. Pollock cercava immagini nascoste, sperando di poter connettersi a qualcosa di profondo dentro di sé, qualcosa di più puro di quanto fosse stato ancora espresso dall'arte astratta. Intorno al 1947, Pollock ha pionierato la sua ora iconica tecnica del dripping. Questa tecnica prevedeva l'applicazione della vernice su una superficie utilizzando forze come la gravità e il movimento, piuttosto che attraverso il contatto diretto con strumenti su una tela. Abbracciando questo nuovo livello di fisicità e rifiutando completamente ogni senso di forma riconoscibile, Pollock è entrato in un nuovo regno di pura astrazione basato interamente sull'intento subconscio, colore, movimento, potere e forza.

Wassily Kandinsky - Prima acquerello astratto di Kandinsky, 1910, Acquerello e inchiostro indiano e matita su carta, 19,5 × 25,5 pollici, (49,6 × 64,8 cm), Parigi, Centre Georges Pompidou

La Fine dell'Inizio

Il lavoro di Pollock ha in molti modi adempiuto alla promessa dell'astrazione: la totale liberazione dell'artista dai vincoli delle aspettative estetiche. Forse, inoltre, i suoi sforzi hanno portato alla conclusione logica dell'astrazione. Pollock ha messo a fuoco l'importanza della texture, della materialità, del processo e dell'idea di vedere un'opera d'arte non come una superficie su cui trasmettere arte, ma come una forma unificata. Sebbene riflessi in un senso primordiale nel lavoro di Pollock, questi concetti sono integrali al lavoro dei Minimalisti , che avrebbero sostituito gli espressionisti astratti come gli artisti più influenti degli anni '60. Come Kandinsky, il membro principale del movimento Minimalista, Donald Clarence Judd era un appassionato teorico dell'arte e scrittore. Sebbene rifiutasse l'etichetta di Minimalista, Judd divenne rappresentativo delle sue idee di semplificare il linguaggio visivo e purificare i concetti di forma e spazio. Piuttosto che rifiutare riferimenti visivi riconoscibili e realtà oggettiva, artisti minimalisti come Judd, Sol LeWitt, Anne Truitt e Frank Stella si concentrarono sulla forma, sull'uso di colori vibranti e puri, linee nette, texture minime e materialità moderna. Piuttosto che astrarre la realtà, i Minimalisti manifestarono le forme, i colori, le forme e le linee spesso esplorate nell'arte astratta, abitandole in uno spazio fisico in modo rappresentativo.

Jackson Pollock - Convergence, 1952, Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY, USA 

Il nuovo nuovo

La storia dell'arte astratta è la storia della ricerca di libertà da parte degli artisti. Ciò che significa oggi è che gli artisti sono liberi di esprimersi nel modo che scelgono, esplorando qualsiasi metodo li spinga. La bellezza dello stile aperto di oggi è che un artista può utilizzare qualsiasi stile, mezzo o metodo che funzioni meglio per la realizzazione di un'idea. Anche se il Minimalismo potrebbe aver messo da parte l'arte astratta negli anni '70, l'astrazione è tornata in primo piano nella pratica di molti artisti. I pittori astratti contemporanei beneficiano della mentalità aperta dei loro predecessori. L'astrazione continua a connetterci a qualcosa che la realtà oggettiva non può spiegare; qualcosa di profondo dentro di noi che si estende oltre la realtà visibile.

Immagine in evidenza: Wassily Kandinsky - Prima acquerello astratto di Kandinsky, 1910, foto tramite Wikipedia

Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo

Di Phillip Park