Momenti Definitori nella Storia dell'Arte Astratta

Le parole possono essere così controverse. Vogliamo solo discutere la storia dell’arte astratta. Ma quella frase è piena di insidie concettuali. (Di chi è la storia? Che cos’è l’arte? Cosa significa essere astratto?) Per essere precisi, forse dovremmo intitolare questo articolo qualcosa come: “Momenti decisivi nella catena di eventi che compongono la cronologia generalmente accettata della civiltà occidentale relativa a oggetti e fenomeni creati da artisti autodefiniti che non intendono rappresentare la realtà visiva oggettiva.” Ma non è esattamente un titolo accattivante. (O forse sì?) Per il bene della sanità mentale, per questo articolo mettiamo da parte la semantica e iniziamo semplicemente dall’inizio.

La preistoria dell’arte astratta

Tra i primi segni degli abitanti delle caverne preistoriche c’erano linee, graffi e impronte di mani. La nostra migliore interpretazione è che fossero simbolici. Quindi questo li rende i primi esempi di arte astratta ? Forse. Ma anche le immagini rappresentative lasciate dai nostri antichi antenati non sono esattamente fotorealistiche. Ciò che manca nelle nostre analisi è la comprensione dell’intento dei nostri primi artisti. Quando parliamo di arte astratta, intendiamo un’arte che è stata specificamente pensata per essere astratta. Poiché non possiamo sapere cosa gli artisti preistorici volessero comunicare attraverso le loro immagini, non possiamo giudicare se fosse astratta, o anche se fosse arte. Potrebbe aver avuto scopi utilitari, per quanto ne sappiamo. Quindi salteremo avanti, molto avanti, a un’epoca meglio documentata, quando le intenzioni degli artisti erano più chiare.

Henri Matisse - Donna con cappello, 1905, olio su tela, 31 3/4 × 23 1/2 pollici, © Successione H. Matisse / Artists Rights Society (ARS), New York

Prima dei primi anni del 1800, si può dire con certezza che la stragrande maggioranza degli artisti per la maggior parte del tempo non aveva il lusso di decidere cosa creare. La maggior parte degli artisti dell’era pre-romantica dipendeva dal sostegno di istituzioni religiose o di qualche altro potere autoritario per sopravvivere. Re e uomini santi quindi determinavano il soggetto della maggior parte delle opere di quegli artisti. Con il declino di quel sistema di mecenatismo, si presentarono agli artisti altre modalità di sopravvivenza. Emersero i sistemi di gallerie; mercanti d’arte indipendenti iniziarono a rappresentare le opere degli artisti; individui benestanti e istituzioni private cominciarono a sostenere gli artisti e a collezionare le loro opere. Per la prima volta, agli artisti fu data la possibilità di rispondere da soli alla domanda: “Cosa voglio creare?” Subito seguì la domanda inevitabile: “Perché voglio crearlo?” La risposta a questa domanda è una delle cause principali dell’ascesa dell’arte astratta, ed è forse il concetto più duraturo emerso dall’era romantica; espresso da molti pensatori dell’epoca e riassunto dai francesi come “L'art pour l'art.” Arte per l’arte. O come scrisse lo scrittore Edgar Allan Poe nel 1850: “…se solo ci permettessimo di guardare dentro le nostre anime scopriremmo immediatamente che sotto il sole non esiste né può esistere alcuna opera più profondamente dignitosa, più suprema e nobile di questa stessa poesia… scritta unicamente per il piacere della poesia.”

Andre Derain - Le vele che si asciugano, 1905, olio su tela, 82 x 101 cm, © Museo Pushkin, Mosca

Prime impressioni

Una volta che gli artisti furono liberati dai vincoli di soggetti predeterminati, cominciarono a liberarsi anche da altri vincoli. Dall’incirca dagli anni 1850 agli anni 1870, il Movimento Estetico diede agli artisti il potere di creare arte esclusivamente per scopi estetici, invece di concentrarsi su soggetti legati alla cultura, alla società e alla politica. Poi arrivarono gli Impressionisti, artisti parigini che realizzarono opere focalizzate fortemente sulla rappresentazione delle qualità della luce, iniziando una distillazione degli elementi estetici individuali di un’opera d’arte. Negli anni 1880, il pittore Georges Seurat sviluppò una tecnica per costruire un’immagine interamente da piccoli puntini. Questa tecnica, nota come Puntinismo, creava immagini distorte, ma rappresentative. Il Puntinismo  contribuì all’ascesa di pennellate sperimentali e tecniche compositive che suggerivano una tendenza verso l’astrazione. Questa tendenza si ampliò durante il periodo post-impressionista, quando gli artisti iniziarono a sperimentare con il simbolismo e l’uso arbitrario del colore, della forma e della linea.

È tutto soggettivo

Negli anni 1900, gli Espressionisti contribuirono alla tendenza verso l’astrazione pura con il loro focus sulla soggettività. Distorgendo drasticamente le loro immagini, cercavano di presentare un punto di vista profondamente personale, rappresentativo più dell’emozione che della realtà fisica. In questo periodo emerse anche il movimento dei Fauves, pittori concentrati quasi esclusivamente sul colore vivido e sulla marcatura pittorica. Per i Fauves, il soggetto era secondario rispetto agli elementi estetici dell’opera. A questo punto, l’emergere dell’astrazione pura era inevitabile. Ovunque gli artisti lavoravano con rappresentazioni simboliche della realtà, cercando di comunicare idee e sentimenti in modi non legati al soggetto. Stavano per definizione astraggendo. Ma chi fu il primo a riuscire a creare un dipinto puramente astratto?

Hans Hofmann - Luna crescente, 1965, olio su tela, collezione privata, Art Resource, NY / Hofmann, Hans (1880-1966) © ARS, NY

Chi è il vero primo astrattista?

Quasi tutti gli storici concordano che il primo dipinto astratto fu Senza titolo (Prima acquerello astratto) di Wassily Kandinsky, dipinto nel 1910. Composto da macchie colorate vivaci, cerchi, linee, zigzag e campi di colore assemblati in modo apparentemente casuale, l’opera non fa alcun riferimento a elementi visivi preesistenti del mondo fisico. In modo cospiratorio, potremmo, per divertimento, ipotizzare che Senza titolo (Prima acquerello astratto) di Kandinsky non fosse il primo dipinto puramente astratto. Un anno prima, nel 1909, il pittore francese d’avanguardia Francis Picabia dipinse Caoutchouc, un’opera proto-cubista con forme geometriche irriconoscibili avvolte in campi di colore apparentemente non correlati. Quest’opera sembra in nessun modo rappresentare la realtà visiva oggettiva. Tuttavia, la parola Caoutchouc significa grossolanamente linfa di gomma naturale, un riferimento alla materia prima per la gomma vulcanizzata. Non avendo mai analizzato gli elementi visivi della gomma non vulcanizzata, non possiamo dire, ma forse questo dipinto è rappresentativo. Chi lo sa? Quello che sappiamo è che Kandinsky era un appassionato teorico dell’arte e prolifico scrittore d’arte. Scrisse con entusiasmo del suo impegno per creare la prima opera d’arte puramente astratta al mondo. Parlò apertamente sia della sua intenzione di diventare il fondatore dell’arte astratta, sia del suo successo nel raggiungerlo. Nessuno può negare che fosse sua intenzione essere il primo, indipendentemente dal fatto che qualcuno prima di lui lo abbia accidentalmente preceduto.

Hans Hofmann - Veluti in Speculum, 1962, olio su tela, 85 1/4 x 73 1/2 pollici (216,5 x 186,7 cm), © 2017 Artists Rights Society (ARS), New York

Cosa fece sicuramente Kandinsky

Annunciando apertamente la sua intenzione di creare arte astratta pura, Kandinsky liberò gli artisti dalla loro dipendenza dai riferimenti al mondo osservabile. Separò l’arte dalla sua logica precedente. Aprì il campo a una sperimentazione profonda e rapida. Portò a maturazione la promessa dei romantici, che, come disse Caspar David Friedrich, artista romantico tedesco, “Il sentimento dell’artista è la sua legge.”

Wassilly Kandinsky - Composizione IV, 1911, olio su tela, 250,5 x 159,5 cm, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, Germania

Il mondo in guerra

Nei decenni successivi, gli artisti sperimentarono selvaggiamente con l’astrazione. Nacquero molti nuovi stili, influenzati dalla chiamata alla libertà dell’astrazione e anche dagli orrori della Prima guerra mondiale e dall’ascesa dell’era meccanica. Il cubismo spinse gli artisti a ridurre il loro linguaggio visivo ai suoi elementi più basilari. Il futurismo dimostrò la vitalità e la forza della linea. Il dadaismo  sfidò il significato dell’arte, riaffermando la libertà dell’arte e il rifiuto della borghesia. Negli anni 1920, il surrealismo aprì la mente degli artisti al potere dell’inconscio. Con il suo focus su immagini oniriche e il rifiuto della logica conscia, influenzò profondamente gli artisti astratti a sperimentare di più con tecniche, mezzi e metodi che potessero collegarli più direttamente al loro sé inconscio.

Wassiliy Kandinsky - Composizione 6, 1913, olio su tela, 76 2/5 × 115 7/10 pollici, 194 × 294 cm, © Wassily Kandinsky / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Parigi / Erich Lessing / Art Resource, NY

Rendilo nuovo!

Negli anni 1930, il pittore tedesco-americano Hans Hofmann è accreditato per aver diffuso in America le filosofie essenziali di ciò che divenne noto come Modernismo, l’ultima iterazione del rifiuto dei modi e metodi del passato. Pittore astratto egli stesso, Hofmann incoraggiò i suoi studenti dalla California a New York ad adottare nuovi metodi di creazione d’immagini, alla ricerca di modi per affrontare ed esprimere le ansie e le meraviglie della società in rapida industrializzazione. Nel 1934, il poeta Ezra Pound riassunse l’atteggiamento dei modernisti con il suo famoso invito agli artisti: “Rendilo nuovo!” Pound fu una figura controversa, trasferendosi infine in Italia, dove sostenne le principali figure fasciste della Seconda guerra mondiale. Tuttavia, il suo entusiastico rifiuto del vecchio prese radice nelle menti degli artisti astratti, portando a potenti cambiamenti all’orizzonte.

Wasilly Kandinsky - Macchia nera I (dettaglio), 1912, olio su tela. 39,4 × 51,2 pollici (100,0 × 130,0 cm), Museo Russo, San Pietroburgo, Russia

Una nuova purezza

Dopo due guerre mondiali, una depressione globale, carestie, atrocità e due attacchi nucleari su città popolate, non si può sottovalutare quanto l’essere umano medio stesse vivendo ansia a metà degli anni 1940. Questa ansia diede origine a un nuovo e diffuso interesse per il campo relativamente giovane della psicoanalisi. Tra i molti milioni di persone che si rivolsero alla psicoanalisi in quel periodo vi fu Jackson Pollock , uno dei membri principali di un gruppo di artisti noti come Espressionisti astratti. Pollock fu esposto alla psicoanalisi durante la riabilitazione. Questo aprì la sua mente al mondo della conoscenza primordiale racchiusa nel suo inconscio. Molti suoi contemporanei cercavano nuovi modi per connettersi con l’essenza nascosta della loro umanità, lavorando per esprimere emozioni crude e primordiali attraverso i loro dipinti. Pollock cercava immagini nascoste, sperando di poter connettersi con qualcosa di profondo dentro di sé, qualcosa di più puro di quanto fosse stato finora espresso dall’arte astratta. Intorno al 1947, Pollock inventò la sua ora iconica tecnica dello sgocciolamento. Questa tecnica consisteva nell’applicare il colore a una superficie usando forze come la gravità e il movimento, invece del contatto diretto con strumenti sulla tela. Abbracciando questo nuovo livello di fisicità e rifiutando completamente ogni senso di forma riconoscibile, Pollock entrò in un nuovo regno di pura astrazione basata interamente sull’intento inconscio, il colore, il movimento, la potenza e la forza.

Wassily Kandinsky - Primo acquerello astratto di Kandinsky, 1910, acquerello, inchiostro indiano e matita su carta, 19,5 × 25,5 pollici (49,6 × 64,8 cm), Parigi, Centre Georges Pompidou

La fine dell’inizio

L’opera di Pollock in molti modi realizzò la promessa dell’astrazione: la totale liberazione dell’artista dai vincoli delle aspettative estetiche. Forse anche i suoi sforzi portarono alla fine logica dell’astrazione. Pollock mise a fuoco l’importanza della trama, della materialità, del processo e dell’idea di vedere un’opera non come una superficie su cui trasmettere arte, ma come una forma unificata in sé. Sebbene riflessi in modo primordiale nell’opera di Pollock, questi concetti sono parte integrante del lavoro dei Minimalisti , che sostituirono gli espressionisti astratti come artisti più influenti degli anni 1960. Come Kandinsky, il membro principale del movimento minimalista, Donald Clarence Judd, era un appassionato teorico e scrittore d’arte. Pur rifiutando l’etichetta di minimalista, Judd divenne rappresentativo delle idee di riduzione del linguaggio visivo e di purificazione dei concetti di forma e spazio. Invece di rifiutare i riferimenti visivi riconoscibili e la realtà oggettiva, artisti minimalisti come Judd, Sol LeWitt, Anne Truitt e Frank Stella si concentrarono sulla forma, sull’uso di colori vivaci e puri, linee nette, texture minima e materialità moderna. Piuttosto che astrarre la realtà, i minimalisti manifestarono le forme, i colori, le forme e le linee spesso esplorate nell’arte astratta, abitandole nello spazio fisico in modo rappresentativo.

Jackson Pollock - Convergenza, 1952, Galleria d’arte Albright-Knox, Buffalo, NY, USA 

Il nuovo nuovo

La storia dell’arte astratta è la storia della ricerca di libertà degli artisti. Oggi questo significa che gli artisti sono liberi di esprimersi nel modo che preferiscono, esplorando qualunque metodo li spinga. La bellezza dello stile aperto di oggi è che un artista può usare qualunque stile, mezzo o metodo funzioni meglio per realizzare un’idea. Sebbene il minimalismo possa aver messo da parte l’arte astratta negli anni 1970, l’astrazione è tornata al centro delle pratiche di molti artisti. I pittori astratti contemporanei beneficiano della mentalità aperta dei loro predecessori. L’astrazione continua a collegarci a qualcosa che la realtà oggettiva non può spiegare; qualcosa di profondo dentro di noi che va oltre la realtà visibile.

Immagine in evidenza: Wassily Kandinsky - Primo acquerello astratto di Kandinsky, 1910, foto via Wikipedia

Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo

Di Phillip Barcio