Colore, Focalizzazione e Campo nei dipinti di Kenneth Noland

Un osservatore occasionale potrebbe confondere Kenneth Noland come un pittore di design. In effetti, i dipinti più memorabili di Kenneth Noland esprimono una gamma limitata di forme e motivi: cerchi, chevron, diamanti, strisce e tartan. Ma contrariamente a questa prospettiva, Noland non era affatto interessato a cose come forma e design. Il motivo per cui tornava ripetutamente alla stessa immagine era perché credeva che la ripetizione avrebbe invitato gli spettatori a ignorare le forme e i design, e a concentrarsi invece sul suo vero campo di interesse: l'infinito potenziale del colore e del campo.

Un viaggio nello stile

Oltre ad essere un eccellente artista, Kenneth Noland è anche un ottimo esempio del valore del G.I. Bill; un programma del governo degli Stati Uniti che consente ai soldati congedati di frequentare l'università senza pagare le tasse. Nel 1942, Noland si arruolò nell'Air Force degli Stati Uniti all'età di 18 anni. Dopo essere tornato a casa in North Carolina alla fine della Seconda Guerra Mondiale, utilizzò i suoi privilegi del G.I. Bill per iscriversi alla sua scuola d'arte locale. Quella scuola era la famosa Black Mountain College, dove molti insegnanti influenti del Bauhaus si erano trasferiti quando la loro accademia chiuse in risposta all'interferenza nazista.

Mentre era al Black Mountain College, Noland studiò sotto Ilya Bolotowsky, che era stato un protégé di Piet Mondrian, il fondatore del Neo-Plasticismo. Nella tradizione dei Neo-Plasticisti, Bolotowsky sostenne semplici schemi geometrici e colori puri. Noland studiò anche sotto Josef Albers, un importante teorico e pittore modernista, e un appassionato studente delle relazioni cromatiche. Noland assorbì il mentore dei suoi insegnanti e costruì sulle loro idee, sviluppando un interesse per tutta la vita nelle capacità espressive di semplici composizioni realizzate con colori vivaci.

Kenneth Noland - Globe, 1956. Acrilico su tela. 60 x 60 in. Collezione di Cornelia Noland Reis. © Kenneth Noland

Astrazione Post-Pittorica

Insieme a Morris Louis, Helen Frankenthaler, Clyfford Still, Mark Rothko e Jules Olitski, Kenneth Noland divenne presto associato al movimento Color Field, una delle tendenze artistiche associate a ciò che è chiamato Post-Painterly Abstraction. Coniato nel 1964 da Clement Greenberg per una mostra che curò al Los Angeles County Museum of Art, il termine Post-Painterly Abstraction si riferisce a una tendenza nella pittura lontana da opere pittoriche e impasto, e verso superfici piatte e una mancanza di pennellate visibili.

Sebbene il termine Color Field Painting soffra di una definizione piuttosto poco chiara, Kenneth Noland è stato il rappresentante per eccellenza dell'Astrazione Post-Pittorica. I suoi dipinti rifiutavano il dramma personale dell'Espressionismo Astratto. Semplificavano i mezzi della pittura, rifiutando collage, assemblaggi, oggetti trovati e altre complessità, affidandosi invece agli ingredienti più semplici: pittura e tela. I suoi colori erano vibranti e puri, le sue composizioni erano dirette e semplici, e le sue immagini diventavano una cosa sola con i loro supporti.

Kenneth Noland - Lapse, 1976. Acrilico su tela. 75 x 141 in. © Kenneth Noland

Fusione del Colore con il Campo

Noland creò i suoi primi cosiddetti Color Field Paintings intorno al 1956. Erano costituiti da anelli concentrici di cerchi colorati. È tentante speculare che queste opere avessero in qualche modo a che fare con la sua esperienza in guerra, poiché assomigliavano a bersagli. Ma in varie interviste, Noland ha detto di aver scelto il motivo circolare perché era un non-immagine che poteva permettere all'occhio di essere attratto in un'esperienza di colore. Ma il colore non era l'unica cosa di cui parlavano i suoi dipinti. Parlavano anche di affrontare la separazione tra un dipinto e la sua superficie.

Per la maggior parte della storia dell'arte, i dipinti sono stati visti come immagini dipinte su superfici preparate. Il campo su cui esiste il dipinto, cioè la tela, era pre-dimensionato, pre-teso e preparato. Aspettava il dipinto, lo sosteneva ed era separato dall'immagine. Nella mente di pittori come Noland, quella separazione era un danno. Piuttosto che godere di un'espressione libera e senza ostacoli, l'artista era limitato o diretto da un supporto predeterminato nonostante il fatto che l'immagine risultante potesse ancora essere inimmaginata. Noland voleva unire l'immagine con il supporto combinando il colore con il campo in un'affermazione estetica unificata.

Kenneth Noland - Morning Span, 1963. Acrilico su tela. 103,7 x 142,5 in. © Kenneth Noland

L'Oggetto Espressivo Unificato

Noland ricevette la sua rivelazione nel 1953, sotto forma di una visita in studio con la pittrice Helen Frankenthaler. Nel suo studio di New York, Frankenthaler aveva pionierato quella che chiamava la tecnica del soak-stain. Invece di preparare una tela pre-trattata in preparazione per un'immagine dipinta, stendeva strisce di tela grezza sul pavimento e poi versava direttamente la vernice sulla superficie non trattata. La vernice si fondeva con la superficie, diffondendosi in modi organici mentre si univa al tessuto. La vernice e il supporto diventavano un'unica entità.

Kenneth Noland - Mach II, 1964. Resina acrilica su tela. 98 x 208 in. © Kenneth Noland

Noland adottò immediatamente la tecnica del soak-stain di Frankenthaler. Gli offrì l'opportunità di creare un oggetto unificato, con il quale il colore era incorporato. Gli permise anche di eliminare l'aspetto delle pennellate, che erano viste come il segno della personalità dell'artista. Insieme, questi due progressi gli permisero di iniziare a realizzare dipinti che non si concentravano sulla rappresentazione di nulla di specifico, ma erano incentrati sugli elementi essenziali che lo preoccupavano, come il colore, la superficie, la texture, la simmetria e la scala.

Kenneth Noland - Interlock Color, 1973. Acrilico su tela. © Kenneth Noland

Ritaglio

È ben documentato che Noland, così come il suo contemporaneo Morris Louis, adottò la tecnica del soak-stain da Helen Frankenthaler. Ma c'è un'altra tecnica che Kenneth Noland adottò più tardi nella sua carriera che potrebbe essere stata ispirata da Frankenthaler. Questa è la pratica del ritaglio. In fotografia, ritagliare un'immagine significa selezionare solo la parte di un'esposizione che si desidera stampare, rivelando solo ciò che si ama. Molte foto di Frankenthaler nel suo studio la mostrano mentre lavora su enormi tele non teso. Lei ritagliava e inquadrava le sue tele dopo averle dipinte, il che le permetteva di sviluppare l'immagine con il minor numero possibile di vincoli e poi selezionare l'area che riteneva producesse l'oggetto più espressivo. Questa era una pratica che Kenneth Noland utilizzava ampiamente, specialmente quando iniziò a realizzare tele sagomate. Lavorava su una grande tela a terra e creava composizioni di colore senza limitazioni spaziali. Questo gli permetteva di esplorare liberamente le relazioni di colore senza preoccuparsi del risultato finale. Una volta completato il processo di creazione e scoperta, poteva quindi "stampare" l'immagine finale, selezionando l'area che voleva inquadrare tra infinite opzioni in quello che era fondamentalmente un processo di editing. Noland si riferì alla bellezza di questo processo in un'intervista del 1977 con Diane Waldman per Art in America, dicendo: “Un colore potrebbe trovarsi su un bordo di un'immagine o all'interno dello spazio di un'immagine: la questione di sopra, sotto, sinistra, destra divenne totalmente flessibile così come la questione di parallelo o verticale o orizzontale.”

Kenneth Noland - Summer Plain, 1967. Acrilico su tela. © Kenneth Noland

Le Profondità della Semplicità

Kenneth Noland guardava periodicamente agli scultori nel tentativo di esplorare la natura astratta del colore. In particolare, lo scultore David Smith lo ispirò, e Noland collaborò occasionalmente anche con lo scultore Tony Caro, dipingendo le sue sculture dopo che erano state costruite. Lo fece puramente per curiosità e nello spirito di sperimentazione. Non riusciva a esprimere esattamente cosa sperasse di trovare, o cosa significassero tali esperimenti. Disse: “Tendiamo a sminuire molto del significato che avviene nella vita che è non verbale. Il colore può trasmettere un'intera gamma di umore ed espressione, delle esperienze di vita di una persona, senza dover dare qualità descrittive o letterarie.”

Kenneth Noland - Radianza di Cadmio. © Kenneth Noland

Le persone con una predilezione per l'elaborato potrebbero trovare facile scartare una carriera basata interamente sulla semplicità e sulla curiosità. I dipinti di Kenneth Noland sembrano infatti non contenere alcun dramma. Eppure sono espressivi. Sono come il lamento di un bambino, il suono di una campana o il grido di una sirena. Li riconosciamo immediatamente per quello che sono. Sappiamo che ci stanno chiedendo di reagire, anche se potremmo non comprendere il loro scopo esatto o precisamente quale dovrebbe essere la nostra reazione. Ma forse, come con campane, grida e sirene, una reazione da parte di tutti non è necessaria.

Immagine in evidenza: Kenneth Noland - Aprile (dettaglio), 1960. Acrilico su tela. 16 x 16 in. © Kenneth Noland
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park