Colore, Focalizzazione e Campo nei dipinti di Kenneth Noland

Un osservatore occasionale potrebbe confondere Kenneth Noland per un pittore di disegni. In effetti, le opere più memorabili di Kenneth Noland esprimono una gamma limitata di forme e motivi: cerchi, chevron, rombi, strisce e quadretti. Ma contrariamente a questa prospettiva, Noland non era affatto interessato a cose come la forma e il disegno. Il motivo per cui tornava più e più volte alle stesse immagini era perché credeva che la ripetizione avrebbe invitato gli spettatori a ignorare le forme e i disegni, e a concentrarsi invece sul suo vero campo d’interesse: il potenziale infinito del colore e del campo.

Un Viaggio verso lo Stile

Oltre a essere un eccellente artista, Kenneth Noland è anche un ottimo esempio del valore del G.I. Bill; un programma del governo degli Stati Uniti che permette ai soldati congedati di frequentare l’università senza pagare la retta. Nel 1942, Noland si arruolò nell’Aeronautica degli Stati Uniti all’età di 18 anni. Dopo essere tornato a casa in Carolina del Nord alla fine della Seconda Guerra Mondiale, utilizzò i suoi privilegi del G.I. Bill per iscriversi alla scuola d’arte locale. Quella scuola era il famoso Black Mountain College, dove molti insegnanti influenti del Bauhaus si erano trasferiti quando la loro accademia chiuse a causa dell’interferenza nazista.

Durante il suo periodo al Black Mountain College, Noland studiò sotto la guida di Ilya Bolotowsky, che era stato un allievo di Piet Mondrian, il fondatore del Neoplasticismo. Nella tradizione dei Neoplasticisti, Bolotowsky sosteneva motivi geometrici semplici e colori puri. Noland studiò anche con Josef Albers, un importante teorico e pittore modernista, e un appassionato studioso delle relazioni cromatiche. Noland assorbì l’insegnamento dei suoi maestri e sviluppò le loro idee, coltivando un interesse duraturo per le capacità espressive di composizioni semplici fatte di colori vivaci.

Kenneth Noland - Globe, 1956. Acrilico su tela. 60 x 60 pollici. Collezione di Cornelia Noland Reis. © Kenneth Noland

Astrazione Post-Pittorica

Insieme a Morris Louis, Helen Frankenthaler, Clyfford Still, Mark Rothko e Jules Olitski, Kenneth Noland divenne presto associato al movimento del Campo di Colore, una delle tendenze artistiche legate a quella che viene chiamata Astrazione Post-Pittorica. Coniato nel 1964 da Clement Greenberg per una mostra da lui curata al Los Angeles County Museum of Art, il termine Astrazione Post-Pittorica si riferisce a una tendenza nella pittura che si allontana dalle opere pittoriche con impasto e si dirige verso superfici piatte e l’assenza di pennellate visibili.

Sebbene il termine Pittura del Campo di Colore soffra di una definizione un po’ vaga, Kenneth Noland fu il rappresentante per eccellenza dell’Astrazione Post-Pittorica. Le sue opere rifiutavano il dramma personale dell’Espressionismo Astratto. Semplificavano i mezzi della pittura, rifiutando collage, assemblaggi, oggetti trovati e altre complessità, affidandosi invece agli ingredienti più semplici: vernice e tela. I suoi colori erano vibranti e puri, le sue composizioni dirette e semplici, e le sue immagini si fondevano con i loro supporti.

Kenneth Noland - Lapse, 1976. Acrilico su tela. 75 x 141 pollici. © Kenneth Noland

Fusione di Colore e Campo

Noland creò le sue prime cosiddette Pitture del Campo di Colore intorno al 1956. Erano composte da anelli concentrici di cerchi colorati. È facile pensare che queste opere fossero in qualche modo legate alla sua esperienza in guerra, dato che somigliavano a bersagli. Ma in varie interviste, Noland ha detto di aver scelto il motivo del cerchio perché era un non-immagine che poteva permettere all’occhio di essere attratto da un’esperienza di colore. Ma il colore non era l’unica cosa di cui parlavano i suoi dipinti. Parlavano anche del confronto con la separazione tra un dipinto e la sua superficie.

Per la maggior parte della storia dell’arte, i dipinti sono stati visti come immagini dipinte sopra superfici preparate. Il campo su cui il dipinto esiste, cioè la tela, era pretrattato, teso e preparato. Aspettava il dipinto, lo sosteneva ed era separato dall’immagine. Nella mente di pittori come Noland, quella separazione era un danno. Piuttosto che godere di un’espressione libera e senza ostacoli, l’artista era limitato o guidato da un supporto predeterminato nonostante l’immagine risultante potesse ancora essere non immaginata. Noland voleva fondere l’immagine con il supporto combinando colore e campo in un’unica dichiarazione estetica.

Kenneth Noland - Morning Span, 1963. Acrilico su tela. 103,7 x 142,5 pollici. © Kenneth Noland

L’Oggetto Espressivo Unificato

Noland ebbe la sua rivelazione nel 1953, durante una visita in studio con la pittrice Helen Frankenthaler. Nel suo studio di New York, Frankenthaler aveva sperimentato quella che chiamava la tecnica del soak-stain (assorbimento e macchia). Invece di preparare una tela pretrattata in vista di un’immagine dipinta, stendeva pezzi grezzi di tela sul pavimento e poi versava la vernice direttamente sulla superficie non preparata. La vernice si fondeva con la superficie, diffondendosi in modo organico mentre si univa al tessuto. Vernice e supporto diventavano un’unica entità.

Kenneth Noland - Mach II, 1964. Resina acrilica su tela. 98 x 208 pollici. © Kenneth Noland

Noland adottò immediatamente la tecnica soak-stain di Frankenthaler. Questa gli offriva la possibilità di creare un oggetto unificato, in cui il colore era incorporato. Gli permetteva anche di eliminare l’apparenza delle pennellate, viste come il segno della personalità dell’artista. Questi due progressi insieme gli permisero di iniziare a realizzare dipinti che non si concentravano sulla rappresentazione di qualcosa di specifico, ma sugli elementi essenziali che lo interessavano, come colore, superficie, trama, simmetria e scala.

Kenneth Noland - Interlock Color, 1973. Acrilico su tela. © Kenneth Noland

Ritaglio

È ben documentato che Noland, così come il suo contemporaneo Morris Louis, adottarono la tecnica soak-stain da Helen Frankenthaler. Ma c’è un’altra tecnica che Kenneth Noland adottò più tardi nella sua carriera che potrebbe essere stata ispirata da Frankenthaler. Si tratta della pratica del ritaglio. In fotografia, ritagliare un’immagine significa selezionare solo la parte di una esposizione che si vuole stampare, mostrando solo ciò che si preferisce. Molte foto di Frankenthaler nel suo studio la mostrano mentre lavora su tele enormi non tese. Lei ritagliava e incorniciava le sue tele dopo averle dipinte, il che le permetteva di sviluppare l’immagine con il minor numero possibile di vincoli e poi scegliere l’area che riteneva producesse l’oggetto più espressivo. Questa era una pratica che Kenneth Noland usò ampiamente, specialmente quando iniziò a realizzare tele sagomate. Lavorava su una tela enorme sul pavimento e creava composizioni di colore senza limiti spaziali. Questo gli permetteva di esplorare liberamente le relazioni cromatiche senza preoccuparsi del risultato finale. Una volta completato il processo di creazione e scoperta, poteva quindi “ritagliare” l’immagine finale, selezionando l’area che voleva incorniciare tra infinite opzioni possibili in quello che era fondamentalmente un processo di montaggio. Noland parlò della bellezza di questo processo in un’intervista del 1977 con Diane Waldman per Art in America, dicendo: “Un colore poteva trovarsi sul bordo di un quadro o all’interno dello spazio di un quadro: la questione di sopra, sotto, sinistra, destra diventava totalmente flessibile così come la questione di parallelo o verticale o orizzontale.”

Kenneth Noland - Summer Plain, 1967. Acrilico su tela. © Kenneth Noland

Le Profondità della Semplicità

Kenneth Noland guardava periodicamente agli scultori nel tentativo di esplorare la natura astratta del colore. Lo scultore David Smith lo ispirò in particolare, e Noland collaborò occasionalmente con lo scultore Tony Caro, dipingendo le sue sculture dopo che erano state realizzate. Lo fece per pura curiosità e in spirito di sperimentazione. Non riusciva a esprimere esattamente cosa sperava di trovare o cosa tali esperimenti dovessero significare. Disse: “Tendiamo a sottovalutare molto del significato che avviene nella vita che è non verbale. Il colore può trasmettere un’intera gamma di umori ed espressioni, delle esperienze di una persona nella vita, senza dover attribuire qualità descrittive o letterarie.”

Kenneth Noland - Cadmium Radiance. © Kenneth Noland

Chi ha una predilezione per l’elaborato potrebbe trovare facile liquidare una carriera basata interamente sulla semplicità e la curiosità. I dipinti di Kenneth Noland sembrano infatti non contenere alcun dramma. Eppure sono espressivi. Sono come il pianto di un bambino, il suono di una campana o l’urlo di una sirena. Li riconosciamo immediatamente per quello che sono. Sappiamo che ci chiedono di reagire, anche se potremmo non comprendere il loro scopo esatto o precisamente quale debba essere la nostra reazione. Ma forse, come per campane, grida e sirene, non è necessaria una reazione da parte di tutti.

Immagine in evidenza: Kenneth Noland - April (dettaglio), 1960. Acrilico su tela. 16 x 16 pollici. © Kenneth Noland
Tutte le immagini sono usate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio