Arte Astratta Precoce come Embodiment Visivo di un'Idea

Una delle ironie della prima arte astratta è che molte persone la sospettavano di essere casuale, arbitraria o priva di senso. Gli spettatori abituati ad accettare solo rappresentazioni oggettive del mondo materiale erano sconcertati da una nuova generazione di artisti che, come disse Wassily Kandinsky, cercavano di esprimere “idee che danno libero sfogo alle aspirazioni non materiali dell’anima.” Ora sappiamo che fin dall’inizio dell’arte astratta, i suoi praticanti non si dedicavano affatto a gesti casuali. Facevano scelte estetiche ragionate e consapevoli nel tentativo di trasmettere i fondamenti filosofici su cui si basava la filosofia dell’astrazione.

Prima arte astratta contro il passato

Prima dell’ascesa dell’astrazione, ogni appassionato d’arte ragionevole si aspettava che un buon dipinto possedesse almeno qualche elemento riconoscibile del mondo reale. Gli spettatori potevano accettare che un artista compisse passi per astrarre elementi riconoscibili. Potevano persino accettare a volte un dipinto quasi del tutto irriconoscibile, purché il suo nome desse qualche indizio sull’oggetto da cui era stato astratto. Ma l’idea di un dipinto puramente astratto, senza alcuna correlazione riconoscibile con la realtà visiva, era considerata assurda, se non eretica.

Wassily Kandinsky fu il primo artista a abbracciare pienamente l’idea dell’astrazione pura. Credeva che le verità fondamentali dell’umanità e le idee universali non potessero essere scoperte attraverso la rappresentazione del mondo materiale. Riteneva che gli oggetti non fossero utili agli artisti che cercavano di esprimere le profondità interiori dell’umanità. Nel 1912, Kandinsky pubblicò il suo libro fondamentale, “Sullo spirituale nell’arte,” che esponeva la filosofia che guidava la sua ricerca di un’arte astratta pura. In esso scrisse:

“Emozioni informe come paura, gioia, dolore, ecc., non attireranno più molto l’artista. Egli si sforzerà di risvegliare emozioni più sottili, ancora senza nome… emozioni elevate al di là della portata delle parole.”

Kazimir Malevich - Quadrato nero, 1915, olio su lino, 79,5 x 79,5 cm, Galleria Tretyakov, Mosca

La ricerca della pura arte

Guardando alla storia dell’arte, Kandinsky credeva che le generazioni precedenti si fossero per lo più concentrate a comunicare con se stesse ed esprimere la personalità del loro tempo. Riteneva che gli artisti astratti dovessero cercare di esprimere le somiglianze essenziali che ogni essere umano ha con tutti gli altri, indipendentemente dall’epoca a cui appartengono. Chiamava queste somiglianze la “simpatia interiore di significato” dell’umanità.

Kandinsky credeva che la fonte di questo significato fosse l’anima umana, o ciò che chiamava il “Bisogno Interiore.” Riteneva che il bisogno interiore potesse essere espresso attraverso la pura arte, purché fosse libera dall’ego e da punti di vista materialisti. Come disse:

“È bello… ciò che nasce dall’anima.”

Wassily Kandinsky - Prima acquerello astratto di Kandinsky, 1910, acquerello, inchiostro indiano e matita su carta. 49,6 × 64,8 cm, Centre Georges Pompidou, Parigi

La musica come modello

Kandinsky credeva che la musica fosse la forma d’arte più abile a comunicare “emozioni al di là della portata delle parole.” Scrisse:

“Un pittore… nel suo desiderio di esprimere la propria vita interiore, non può che invidiare la facilità con cui la musica, l’arte più immateriale oggi, raggiunge questo scopo.”

Riconosceva che i compositori avevano smontato con successo la musica nelle sue parti più semplici, identificando come gli elementi individuali di una composizione potessero influenzare lo spirito umano. Iniziò a decifrare gli elementi della pittura allo stesso modo, ad esempio cercando di definire l’effetto individuale di ogni colore sugli spettatori. Kandinsky prese in prestito persino parole dal lessico musicale per aiutare a spiegare la sua visione dell’arte astratta. Chiamava i dipinti composizioni e raccomandava agli artisti di costruire attentamente le loro composizioni attraverso scelte ragionate. Allo stesso tempo invitava gli artisti a lasciare spazio nelle loro composizioni per l’improvvisazione, che chiamava “espressione spontanea del carattere interiore.” Credeva che attraverso opere astratte costruite consapevolmente, i pittori potessero diventare “grandi guide spirituali” e potessero finalmente riuscire a esprimere il pieno potenziale dello spirito umano attraverso l’arte.

Wassily Kandinsky - Schizzo per Composizione II, 1910, 97,5 × 130,5 cm, Museo Solomon R. Guggenheim, New York

Arte astratta contro il futuro

Nella sua prefazione a “Sullo spirituale nell’arte” di Kandinsky, lo storico britannico Michael Sadler scrisse:“Se (Kandinsky) riuscirà mai a trovare un linguaggio comune di colore e linea che stia da solo come il linguaggio del suono e del ritmo sta da solo… sarà acclamato da tutti come un grande innovatore, come un campione della libertà dell’arte.” Guardando indietro a più di un secolo di arte astratta, vediamo che Kandinsky raggiunse il suo obiettivo. Con gratitudine, vediamo anche che pose le basi su cui noi e innumerevoli generazioni future potremo costruire la sua filosofia, cercando nuovi modi per esprimere “emozioni elevate al di là della portata delle parole.”

Kazimir Malevich - Suprematismo: Realismo pittorico di un calciatore (Masse di colore nella quarta dimensione), 1915, olio su tela, 68,5 x 44,5 cm, Art Institute di Chicago, Chicago

Immagine in evidenza: Hilma af Klint - Il cigno, n. 17, Gruppo IX, Serie SUW 1914-1915, © Stiftelsen Hilma af Klints Verk

Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo