Arte Astratta Precoce come Embodiment Visivo di un'Idea

Una delle ironie dell'arte astratta precoce è che così tante persone la sospettavano di essere casuale, random o priva di significato. Gli spettatori abituati ad accettare solo rappresentazioni oggettive del mondo materiale erano sconcertati da una nuova generazione di artisti che, come disse Wassily Kandinsky, cercavano di esprimere “idee che danno libero sfogo agli sforzi non materiali dell'anima.” Ora sappiamo che fin dall'inizio dell'arte astratta, i suoi praticanti erano impegnati in gesti tutt'altro che casuali. Stavano facendo scelte estetiche ragionate e consapevoli nel tentativo di trasmettere le basi filosofiche su cui si fondava la filosofia dell'astrazione. 

Arte Astratta Iniziale vs. Il Passato

Prima dell'ascesa dell'astrazione, qualsiasi amante dell'arte ragionevole si aspettava che una buona pittura  possedesse almeno qualche elemento riconoscibile del mondo reale. Gli spettatori potevano accettare che un artista prendesse misure per astrarre elementi riconoscibili. A volte potevano persino accettare una pittura quasi completamente irriconoscibile, purché il suo nome desse qualche indizio sull'oggetto da cui era stata astratta. Ma la nozione di una pittura puramente astratta, una senza alcuna correlazione riconoscibile con la realtà visiva, era considerata assurda, se non eretica.

Wassily Kandinsky è stato il primo artista a abbracciare completamente l'idea della pura astrazione. Credeva che le verità fondamentali dell'umanità e le idee universali non potessero essere scoperte attraverso la rappresentazione del mondo materiale. Credeva che gli oggetti non fossero utili agli artisti che cercavano di esprimere le profondità interiori dell'umanità. Nel 1912, Kandinsky pubblicò il suo libro seminale, “Riguardo allo spirituale nell'arte,” che delineava la filosofia che guidava la sua ricerca di una arte astratta puramente. In esso scrisse:

"Emozioni senza forma come la paura, la gioia, il dolore, ecc., non attireranno più molto l'artista. Egli si sforzerà di risvegliare emozioni più sottili, ancora senza nome... emozioni elevate al di là della portata delle parole."

Kazimir Malevich - Quadrato Nero, 1915, olio su tela, 79,5 x 79,5 cm, Galleria Tretyakov, Mosca

La ricerca della pura arte

Ripensando alla storia dell'arte, Kandinsky credeva che le generazioni precedenti si fossero principalmente concentrate sulla comunicazione con se stesse e sull'espressione della personalità del loro tempo. Credeva che gli artisti astratti dovessero cercare di esprimere le somiglianze essenziali che ogni essere umano ha con tutti gli altri esseri umani, indipendentemente dall'epoca a cui appartengono. Chiamò queste somiglianze "la simpatia interiore del significato" dell'umanità.

Kandinsky credeva che la fonte di questo significato fosse l'anima umana, o ciò che lui chiamava il “Bisogno Interiore.” Sentiva che il bisogno interiore potesse essere espresso attraverso la pura arte, purché fosse libero dall'ego e dai punti di vista materialisti. Come diceva:

“Quello è bello…che sgorga dall'anima.”

Wassily Kandinsky - Prima acquerello astratto di Kandinsky, 1910, Acquerello e inchiostro indiano e matita su carta. 19,5 × 25,5 in (49,6 × 64,8 cm) Centre Georges Pompidou, Parigi

La musica come modello

Kandinsky credeva che la musica fosse la forma d'arte più adatta a comunicare “emozioni al di là della portata delle parole.” Scrisse:

"Un pittore…nel suo desiderio di esprimere la sua vita interiore, non può che invidiare la facilità con cui la musica, la più immateriale delle arti oggi, raggiunge questo scopo."

Riconobbe che i compositori avevano decomposto con successo la musica nei suoi elementi più semplici, identificando come i singoli elementi di una composizione potessero influenzare lo spirito umano. Iniziò a decifrare gli elementi della pittura nello stesso modo, ad esempio cercando di definire l'effetto individuale di ciascun colore sugli spettatori. Kandinsky prese persino in prestito parole dal lessico della musica per aiutare a spiegare la sua visione dell'arte astratta. Chiamò le pitture composizioni e raccomandò agli artisti di costruire attentamente le loro composizioni attraverso scelte ragionate. Chiamò contemporaneamente gli artisti a lasciare spazio nelle loro composizioni per l'improvvisazione, che definì "l'espressione spontanea del carattere interiore." Credeva che attraverso un lavoro astratto costruito consapevolmente, i pittori potessero diventare "grandi leader spirituali" e potessero finalmente riuscire a esprimere il potenziale più pieno dello spirito umano attraverso l'arte.

Wassily Kandinsky - bozzetto per Composizione II, 1910, 38.4 × 51.4 in (97.5 × 130.5 cm), Il Museo Solomon R. Guggenheim, New York

Arte Astratta vs. il Futuro

Nella sua prefazione a "Riguardo allo spirituale nell'arte" di Kandinsky, lo storico britannico Michael Sadler scrisse:“Se (Kandinsky) riuscirà mai a trovare un linguaggio comune di colore e linea che possa stare da solo come il linguaggio del suono e del ritmo sta da solo… sarà ovunque acclamato come un grande innovatore, come un campione della libertà dell'arte.” Guardando indietro a più di un secolo di arte astratta, vediamo che Kandinsky ha raggiunto il suo obiettivo. Con gratitudine, vediamo anche che ha posto le basi per noi e per innumerevoli generazioni future per costruire sulla sua filosofia, cercando nuovi modi per esprimere “emozioni elevate al di là della portata delle parole.”

Kazimir Malevich - Suprematismo: Realismo pittorico di un calciatore (Masse di colore nella quarta dimensione), 1915, Olio su tela, 27 x 17 1/2 in, Art Institute of Chicago, Chicago

Immagine in evidenza: Hilma af Klint - Il Cigno, No 17, Gruppo IX, Serie SUW 1914-1915, © Stiftelsen Hilma af Klints Verk

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