La Madre Den dell'Espressionismo Astratto - Betty Parsons

Betty Parsons è morta 35 anni fa, quando avevo 13 anni. Non l'ho mai conosciuta. Teoricamente, suppongo che avrei potuto incontrarla, se solo avessi saputo di doverci provare. Ma non avevo idea che esistesse fino a quando non era troppo tardi. Immagino che molte persone si rammarichino di non aver conosciuto Parsons. Era una rivoluzionaria dell'Arte Moderna. Anche se sospetto che non avesse idea che lo avrebbe fatto, il suo esempio ha ispirato me, e credo molti membri della mia generazione, a cercare nuovi modelli di autenticità ed eccezionalismo nell'arte. Dai collettivi artistici no-profit, agli spazi progettuali gestiti da artisti, ai musei sperimentali, il mondo dell'arte di oggi è pieno di persone e luoghi che valorizzano la grande arte rispetto al grande profitto. A Parsons devo quel lascito. Ma è stata ampiamente scritta, nelle riviste d'arte più prestigiose, da scrittori di gran lunga più affermati di me. Non c'è nulla di nuovo che possa riportare su di lei. Ma poiché era unica in un modo che la mia anima apprezza, sono comunque incline a provare. Il suo soprannome, “la madre den di Abstract Expressionism,” è apparso in un articolo in ARTnews del 1979, scritto da Grace Lichtenstein. Il soprannome si riferiva a come Parsons credesse, nutrisse e mostrasse il lavoro di Mark Rothko, Hans Hofmann, Jackson Pollock, Clyfford Still e Barnett Newman quando nessun altro in America lo avrebbe fatto. Quell'articolo rivela anche la complessità e la profondità che Parsons possedeva come artista, appassionata e imprenditrice. Nel frattempo, un'intervista registrata con Parsons nel 1977 dall'artista Helène Aylon e pubblicata integralmente da Judith Stein in Art in America Magazine nel 2013 va molto lontano nel rivelare ciò che era straordinario in Parsons come essere umano. Il modo migliore in cui sento di poter rendere omaggio a Parsons è concentrarmi su questi due profili, creati da coloro che l'hanno realmente conosciuta in vita. Qui, estratti da essi, ci sono dieci citazioni che hanno reso Parsons un mio eroe personale per come mi ricordano ciò che è importante quando si tratta di creazione e apprezzamento dell'arte.

"Grazie a Dio oggi non sembrano esserci 'ismi'. Odio le mode."

Spesso cerchiamo di dare un nome ai movimenti di oggi. Perché lo facciamo? Perché le etichette rendono i prodotti più facili da vendere, specialmente a persone senza molta istruzione o reale apprezzamento. Piuttosto che credere nelle tendenze, Parsons ha dato priorità a ciò che era buono e ha trovato gioia in ciò che era diverso.

"Sono sempre stato affascinato da quello che chiamo 'la presenza invisibile'. La cosa più permanente in questo mondo è l'invisibile; non puoi mai liberartene."

Alcuni artisti pensano di poter avere successo solo se possiedono un'identità commerciabile, o se creano arte specificamente su un certo argomento popolare tra il pubblico contemporaneo. Parsons si è concentrata sull'ignoto. Piuttosto che promuovere l'arte dell'ovvio, era attratta dall'arte che rivelava ciò che è nascosto.

"Credo nella tensione. Se stai dipingendo un quadro e non ha tensione, non ha eccitazione."

La tensione in un'opera d'arte potrebbe originare da qualcosa al suo interno che è irriconoscibile per un osservatore. Oppure potrebbe originare da qualcosa che è considerato volgare o rozzo. Altre volte, la tensione deriva da qualcosa che semplicemente non troviamo bello. Invece di distogliere lo sguardo da queste cose, Parsons le ha abbracciate, vedendo in esse opportunità per sfidare se stessa a crescere.

Betty Parsons - Green #1, 1971, acrylic on canvas, © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York

"Sono interessato a dipinti importanti, non alla casa."

Parsons ha mostrato opere in stanze con pareti bianche nude e pavimenti nudi. Non ha fatto alcuno sforzo extra per convincere i collezionisti ad acquistare. Vedeva il suo lavoro come composto da due parti: promuovere l'integrità dell'artista e convincere il pubblico che l'opera era valida per motivi non correlati a quanto potesse apparire bella sopra i loro divani.

"Non voglio essere carico di tutte queste ricchezze—mi annoierebbero a morte."

Parsons nacque in alta società, ma rifiutò i fronzoli della ricchezza. Dopo aver perso tutto durante la Grande Depressione, ricominciò da zero. Per i successivi cinquant'anni, ebbe spesso difficoltà a pagare le bollette. Vendette abbastanza opere (sia le sue che quelle degli artisti che rappresentava) per mantenere accese le luci, e considerava questo la definizione di successo finanziario.

"Il mondo astratto era considerato freddo perché non aveva figure. Ma aveva fuoco, energia, natura, luce, spazio—si concentrava su tutti quei valori."

Parsons aveva la fiducia di credere nel proprio gusto. Comprendeva l'astrazione molto prima della maggior parte degli americani. Si fidava della propria visione, indipendentemente da ciò che il resto del mondo dell'arte diceva o faceva.

"Ero sempre dieci anni avanti rispetto al mio tempo. Questa è la storia della mia vita."

Quando non si ha successo finanziariamente, è tentante pensare che sia perché ciò che fai non ha valore. Parsons si rese conto che a volte il motivo per cui nessuno compra il tuo lavoro è perché non lo riconoscono, perché è del futuro.

Betty Parsons - Challenge, 1976, acrylic on canvas (Left) / Sputnik, 1961, acrylic on canvas (Right), © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York

"Identificati sempre con l'arte; mai identificarti con l'artista."

Parsons disprezzava alcuni artisti ma adorava il loro lavoro. Comprendeva che gli artisti non devono essere simpatici, socievoli o affascinanti. Gli artisti non sono venditori o politici. Il loro lavoro parla da solo.

"[Gli artisti che rappresento] diventano sempre più liberi e creativi man mano che procedono. Ho sempre incoraggiato questo."

Alcuni galleristi incoraggiano gli artisti a trovare uno stile che venda e poi a mantenerlo. Parsons ha sfidato gli artisti che ha mostrato. Credeva che il dinamismo e la crescita siano fondamentali per migliorare e che le vendite siano l'aspetto meno importante di una carriera artistica.

"Siamo tutti parte di tutto."

Parsons veniva spesso interrogata sulle sue convinzioni riguardo a questioni sociali. Questa citazione è stata la sua risposta a una di queste domande. Sapeva che l'arte ha la capacità di rivelare la realtà che le nostre universalità superano di gran lunga quelle cose che ci dividono. Questa citazione mi ha influenzato di più. Vale la pena ripeterla costantemente, perché è così facile dimenticarla.

Betty Parsons - Requiem, 1963, acrylic on canvas, © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York

Immagine in evidenza: Betty Parsons - Arancione, 1956, acrilico su tela, © 2018 L'eredità di Betty Parsons, Cortesia di Alexander Gray Associates, New York
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park