La Madre Den dell'Espressionismo Astratto - Betty Parsons

Betty Parsons è morta 35 anni fa, quando avevo 13 anni. Non l’ho mai conosciuta. Teoricamente, suppongo che avrei potuto incontrarla, se avessi saputo di doverci provare. Ma non avevo idea che esistesse fino a quando non fu troppo tardi. Immagino che molte persone rimpiangano di non aver conosciuto Parsons. Fu una rivoluzionaria dell’Arte Moderna. Anche se sospetto che non avesse idea che sarebbe stato così, il suo esempio ha ispirato me, e credo molti della mia generazione, a cercare nuovi modelli di autenticità e eccezionalità nell’arte. Dai collettivi artistici senza scopo di lucro, agli spazi gestiti dagli artisti, ai musei sperimentali, il mondo dell’arte oggi è pieno di persone e luoghi che valorizzano la grande arte più del grande profitto. A Parsons devo questo lascito. Ma di lei si è scritto molto, sulle riviste d’arte più prestigiose, da scrittori ben più affermati di me. Non c’è nulla di nuovo che possa raccontare su di lei. Ma dato che era unica in un modo che la mia anima apprezza, sono comunque incline a provarci. Il suo soprannome, “la madre protettrice dell’Espressionismo Astratto,” apparve in un articolo su ARTnews del 1979, scritto da Grace Lichtenstein. Il soprannome si riferiva a come Parsons credesse, coltivasse e mostrasse le opere di Mark Rothko, Hans Hofmann, Jackson Pollock, Clyfford Still e Barnett Newman quando nessun altro in America lo faceva. Quel pezzo rivela anche la complessità e la profondità che Parsons possedeva come artista, appassionata e come persona d’affari. Nel frattempo, un’intervista registrata con Parsons nel 1977 dall’artista Helène Aylon e pubblicata integralmente da Judith Stein su Art in America Magazine nel 2013 mostra molto di ciò che rendeva straordinaria Parsons come essere umano. Il modo migliore in cui sento di poterle rendere omaggio è concentrarmi su questi due profili, creati da chi l’ha conosciuta davvero in vita. Qui, estratti da essi, ci sono dieci citazioni che hanno fatto di Parsons un’eroina personale per come mi ricordano cosa è importante nella creazione e nell’apprezzamento dell’arte.

"Grazie a Dio oggi non sembrano esserci ‘ismi’. Odio le mode."

Spesso cerchiamo di dare un nome ai movimenti di oggi. Perché lo facciamo? Perché le etichette rendono i prodotti più facili da vendere, specialmente a persone con poca istruzione o vero apprezzamento. Piuttosto che credere alle mode, Parsons dava priorità a ciò che era buono, e trovava gioia in ciò che era diverso.

"Sono sempre stata affascinata da ciò che chiamo ‘la presenza invisibile’. La cosa più permanente in questo mondo è l’invisibile; non te ne liberi mai"

Alcuni artisti pensano di poter avere successo solo se possiedono un’identità commerciabile, o se fanno arte specificamente su un tema popolare tra il pubblico contemporaneo. Parsons si concentrava sull’ignoto. Piuttosto che promuovere l’arte dell’ovvio, era attratta dall’arte che rivelava ciò che è nascosto.

"Credo nella tensione. Se stai dipingendo un quadro, e non ha tensione, non ha eccitazione."

La tensione in un’opera può nascere da qualcosa al suo interno che è irriconoscibile per chi guarda. Oppure può nascere da qualcosa considerato volgare o rozzo. Altre volte, la tensione deriva da qualcosa che semplicemente non troviamo bello. Piuttosto che distogliere lo sguardo da queste cose, Parsons le abbracciava, vedendo in esse opportunità per sfidare se stessa a crescere.

Betty Parsons - Green #1, 1971, acrilico su tela, © 2018 The Estate of Betty Parsons, Cortesia Alexander Gray Associates, New York

"Mi interessano i dipinti importanti, non quelli per la casa."

Parsons mostrava opere in stanze con pareti bianche spoglie e pavimenti nudi. Non faceva alcuno sforzo extra per convincere i collezionisti a comprare. Vedeva il suo lavoro come diviso in due parti: promuovere l’integrità dell’artista e convincere il pubblico che l’opera era valida per ragioni non legate a quanto potesse star bene sopra i loro divani.

"Non voglio essere carica di tutte queste ricchezze—mi annoierebbero a morte."

Parsons nacque nell’alta società, ma rifiutò le trappole della ricchezza. Dopo aver perso tutto durante la Grande Depressione, ricominciò da capo. Per i successivi cinquant’anni, spesso faticò a pagare le bollette. Vendette abbastanza opere (sue e degli artisti che rappresentava) per tenere accese le luci, e considerava quella la definizione di successo economico.

"Il mondo astratto era considerato freddo perché non aveva figure. Ma aveva fuoco, energia, natura, luce, spazio—si concentrava su tutti quei valori."

Parsons aveva la fiducia di credere nel proprio gusto. Capiva l’astrazione molto prima della maggior parte degli americani. Si fidava della propria visione, indipendentemente da ciò che il resto del mondo dell’arte diceva o faceva.

"Sono sempre stata dieci anni avanti rispetto al mio tempo. Questa è la storia della mia vita."

Quando non si ha successo economico, è facile pensare che sia perché ciò che fai non ha valore. Parsons capì che a volte il motivo per cui nessuno compra la tua opera è perché non la riconoscono, perché è del futuro.

Betty Parsons - Challenge, 1976, acrilico su tela (Sinistra) / Sputnik, 1961, acrilico su tela (Destra), © 2018 The Estate of Betty Parsons, Cortesia Alexander Gray Associates, New York

"Identificati sempre con l’arte; mai con l’artista."

Parsons disprezzava alcuni artisti ma adorava le loro opere. Capiva che gli artisti non devono essere simpatici, socievoli o affascinanti. Gli artisti non sono venditori o politici. Le loro opere parlano da sole.

"[Gli artisti che rappresento] diventano più liberi e creativi col tempo. L’ho sempre incoraggiato."

Alcuni galleristi spingono gli artisti a trovare uno stile che venda e a mantenerlo. Parsons sfidava gli artisti che esponeva. Credeva che il dinamismo e la crescita fossero la chiave per migliorare, e che le vendite fossero l’aspetto meno importante di una carriera artistica.

"Siamo tutti parte di tutto."

A Parsons veniva spesso chiesto cosa pensasse delle questioni sociali. Questa citazione è stata la sua risposta a una di queste domande. Sapeva che l’arte ha la capacità di rivelare la realtà che le nostre universalità superano di gran lunga quelle cose che ci dividono. Questa citazione ha influenzato maggiormente me. Va ripetuta continuamente, perché è facile dimenticarla.

Betty Parsons - Requiem, 1963, acrilico su tela, © 2018 The Estate of Betty Parsons, Cortesia Alexander Gray Associates, New York

Immagine in evidenza: Betty Parsons - Orange, 1956, acrilico su tela, © 2018 The Estate of Betty Parsons, Cortesia Alexander Gray Associates, New York
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio