Come i dipinti di Paul Klee hanno ispirato gli artisti americani

Si dice spesso che l'Espressionismo Astratto sia stato il primo movimento artistico puramente americano. Si sostiene che rappresentasse la prima volta in cui artisti americani, esemplificati dai membri della New York School, si liberarono dall'influenza europea per stabilire la propria voce estetica unica. Ma un'attenta analisi dei dipinti di Paul Klee realizzati nel corso dei tre decenni che precedettero l'alba della New York School rivela che forse gli Espressionisti Astratti non erano così liberi dall'influenza del Vecchio Mondo come suggeriscono i libri di storia dell'arte. Ora, per la prima volta, il Centro Paul Klee di Berna, in Svizzera, sta tentando di avviare un serio esame accademico dei molteplici modi in cui gli artisti americani del dopoguerra sono stati influenzati dal lavoro di Paul Klee. Per dare il via a questa indagine, il centro ha recentemente aperto la mostra 10 Americani Dopo Paul Klee. In esposizione insieme ai dipinti di Klee ci sono eccellenti esempi del lavoro di Jackson Pollock, Mark Tobey, Kenneth Noland, William Baziotes, Adolph Gottlieb, Norman Lewis, Robert Motherwell, Gene Davis, Theodoros Stamos e Bradley Walker Tomlin. Non solo questa è un'opportunità senza precedenti per vedere opere di alcuni dei pittori americani più influenti del XX secolo, ma, nelle parole dei curatori del Centro Paul Klee, questa mostra innovativa porta anche.

"testimonianza eloquente e impressionante dell'entità con cui questi artisti sono stati ispirati dai concetti e dalle pratiche artistiche di Klee."

Pioniere dell'Avanguardia Astratta

Nato a Berna, in Svizzera, nel 1879, Paul Klee non era affatto un artista naturale. Gli scritti del suo diario, che ha mantenuto rigorosamente dal 1897 al 1918, rivelano che si considerava un terribile fallimento nella comprensione del colore e era certo fin dall'inizio di essere destinato al fallimento come artista. Ma nel 1911, dopo anni di studi e molteplici tentativi falliti, il suo atteggiamento e le sue fortune erano completamente cambiati. Quell'anno incontrò Wassily Kandinsky e fu accettato come membro del gruppo d'avanguardia Blue Rider. Klee fu ispirato dall'agilità mentale e dalle idee estetiche di Kandinsky. E sebbene mantenesse un approccio estetico piuttosto unico, Klee divenne rapidamente un contributore influente allo sviluppo filosofico del gruppo.

Ma poi arrivò la Prima Guerra Mondiale. Come molti dei suoi colleghi artisti, Klee fu costretto a essere arruolato nell'esercito prussiano. Anche se Klee non dovette mai combattere in prima linea, la guerra portò via la vita a molti dei suoi amici e alterò drammaticamente il modo in cui vedeva l'arte. Klee è citato dicendo: “Più orribile diventa questo mondo, più l'arte diventa astratta.” Dopo la guerra, divenne più dedicato che mai all'astrazione come modo per rivelare ciò che è universale e puro. “L'arte non riproduce il visibile,” disse. “Rende visibile.” Con questo atteggiamento pionieristico al centro dei suoi esperimenti, guadagnò rapidamente una vasta reputazione come leader dell'avanguardia europea del dopoguerra.

Paul Klee - Fuoco alla Luna Piena, 1933, © Paul Klee / Artists Rights Society (ARS), New York / VG Bild-Kunst, Bonn

Ritorno a Berna

La passione e il genio evidenti che Klee mostrava lo resero venerato tra i suoi pari, e negli anni '30 si era affermato anche come un insegnante influente per la giovane generazione. Fu un stimato professore all'Accademia di Düsseldorf dal 1931 al 1933, ed era ovviamente uno dei principali istruttori al famoso Bauhaus. Ma quando la Repubblica di Weimar giunse alla fine nel 1933, e l'Europa sembrava di nuovo sull'orlo della guerra, Klee fu incluso nella lista degli artisti presi di mira dal nascente partito nazista. Fuggì dalla Germania e tornò in Svizzera. Nel frattempo, molti dei suoi galleristi fuggirono negli Stati Uniti. Anche se Klee non vendette quasi nessuna opera in Europa dal 1933 fino alla sua morte nel 1940, i suoi galleristi continuarono a vendere molte delle sue opere negli Stati Uniti. E durante gli anni '30 e '40, ci furono numerose mostre di Klee in tutto il Paese.

Molti membri della New York School parlarono apertamente dell'ispirazione ricevuta dai dipinti di Paul Klee. Come Klee, anche questi artisti erano recentemente emersi da un orribile conflitto mondiale e cercavano nuovi modi per esprimere l'inesprimibile. Anche se potrebbero non aver copiato direttamente il suo stile visivo, i metodi che Klee utilizzava per realizzare i suoi dipinti li incoraggiarono nella loro ricerca di un modo di fare arte più senza tempo, antico e puro. Tra le molte innovazioni per cui Paul Klee è accreditato e che influenzarono direttamente l'avanguardia americana del dopoguerra, ci sono l'automatismo (disegnare inconsciamente, una tecnica successivamente adottata dai Surrealisti), il primitivismo (regredire ai metodi più antichi e primordiali di fare arte, successivamente adottati dai sostenitori dell'Art Brut), e il riduzionismo (ridurre i simboli universali alla loro natura più semplice, qualcosa che Klee aveva appreso dai primi artisti astratti come Kandinsky e Malevich).

Paul Klee - Immagine Tiree du Boudoir, 1922, Copia in olio e acquerello su carta su cartone, 13 1/10 × 19 3/10 in, 33.2 × 49 cm, © Paul Klee / Artists Rights Society (ARS), New York / VG Bild-Kunst, Bonn

Disegno automatico

La mostra 10 Americani dopo Paul Klee fa un ottimo lavoro nella selezione di opere di artisti americani che esemplificano i tre concetti più spesso associati a Klee. Nel campo del disegno automatico, sono esposte opere di Jackson Pollock, Bradley Walker Tomlin e Mark Tobey. La Composizione n. 16 (1948) di Pollock colpisce per la sua palette vibrante. Scosse di linee bianche gestuali si intrecciano con macchie esplosive di giallo e vortici drammatici di nero, il tutto su un mare profondo di blu. Il dipinto rappresenta perfettamente il metodo di disegno automatico con cui Klee lavorava, e che Pollock usava famosamente nell'innovare i suoi iconici dipinti "a spruzzo". Il Numero 12 (1949) di Tomlin dimostra l'uso del disegno automatico attraverso segni gestuali, forme calligrafiche e lineari, e ampie, intuitive, pennellate nere. Dopo l'Impronta (1961) di Mark Tobey è una composizione esplosiva, riempita da angolo a angolo con segni intuitivi, rivelatori di ansia subconscia, energia nervosa ed espressione lirica.

Mark Tobey - Dopo l'impronta, 1961, Gouache su cartone da disegno, 99.7 x 69.5 cm, The Phillips Collection, Washington, DC, Acquistato nel 1962, © 2017, ProLitteris

Primitivismo

Dimostrando il primitivismo, o un ritorno all'antica arte primordiale, in 10 Americani dopo Paul Klee, ci sono opere di Robert Motherwell, Theodoros Stamos e William Baziotes. Abstraction on Turquoise (1945) di Motherwell sarà una rivelazione assoluta per i fan di questo pittore che non conoscono le sue opere precedenti. Motherwell si è fatto un nome per le sue audaci astrazioni biomorfiche, nere, malinconiche e gestuali. Questo dipinto è vivacemente colorato e quasi fantastico, ma le sue forme primitive e le sue texture sono chiari indicatori della direzione che ha preso nelle sue opere successive. Ohne Titel (1945) di Theodoros Stamos è forse l'opera più figurativa della mostra. Un'astrazione primitiva che ricorda un paesaggio insulare, l'opera evoca l'immaginario delle pitture rupestri. Pierrot (1947) di William Baziotes, come suggerisce il titolo, allude al classico personaggio della pantomima francese con lo stesso nome. Le forme semplificate e primitive nei dipinti riducono il personaggio ai suoi elementi essenziali e lo ritraggono in modo altamente semplificato, eppure anche altamente espressivo.

Robert Motherwell - Astrazione su Turchese, 1945, Olio, vernice smaltata, sabbia e carbone su cartone telato, 61 x 50 cm, Dedalus Foundation, Inc., © Dedalus Foundation, Inc. / 2017, ProLitteris

Riduzionismo

Dimostrando il riduzionismo, o la semplificazione di simboli essenziali e universali nelle loro forme più semplici, in 10 Americans After Paul Klee, ci sono opere di Adolph Gottlieb, Kenneth Noland, Gene Davis e Norman Lewis. I due dipinti Labyrinth #1 (1950) e The Seer (1950) di Adolph Gottlieb sono piuttosto vicini in molti aspetti al primo lavoro astratto riduttivo di Paul Klee stesso. Lavorando con lo sfondo della griglia, presentano un assortimento di forme simboliche astratte e semplificate mescolate con elementi geometrici e riferimenti figurativi. Le loro superfici invecchiate e gli strati sottostanti gestuali creano una complessità e una profondità che smentiscono la semplicità di molti degli elementi più prominenti delle composizioni. In the Garden (1952) di Kenneth Noland parla in una conversazione affascinante con le opere di Gottlieb. Include una drammatica X quasi esattamente al centro della tela, circondata da linee diagonali, che parlano forse di una griglia rotta, o forse di segni istruttivi primitivi. Sebbene semplificato, il gioco di colori in questo dipinto gli conferisce una sorprendente profondità e luminosità.

Rain Dance I (1960) di Gene Davis è un esempio supremo di composizione riduttiva. È difficile dire che questo particolare dipinto sia stato direttamente ispirato da Paul Klee. I suoi colori puri e l'immagine geometrica lineare altamente distillata lo pongono lontano da tutte le altre opere in questa esposizione. Ma parla sicuramente agli artisti astratti precoci come Malevich che hanno ispirato Klee, e artisti come Mondrian, che ha anche indagato gli aspetti riduttivi delle linee, dei rettangoli e dei campi di colore puri. Infine, promenade (1950) di Norman Lewis colma un'importante lacuna nell'esposizione. Incorporando elementi di riduttivismo, primitivismo e disegno automatico, risolve la questione dell'evoluzione dell'influenza di Paul Klee. Nella sua complessità, energia ed eccitazione, questa composizione si distingue tra le altre come qualcosa di puramente americano e puramente proiettato verso il futuro. È senza dubbio influenzata dalle idee che Klee ha contribuito a sviluppare, eppure rappresenta il passo successivo oltre a quello che tutti questi pittori americani si sono sforzati di compiere.

"10 Americani dopo Paul Klee" è in mostra fino al 7 gennaio 2018 al Centro Paul Klee di Berna, Svizzera.

Immagine in evidenza: Kenneth Noland - Nel Giardino, 1952, Olio su fibra di legno, 49.5 x 76.2 cm, The Phillips Collection, Washington, DC, Acquistato nel 1952, © 2017, Prolitteris