Come i dipinti di Paul Klee hanno ispirato gli artisti americani

Si dice spesso che l'Espressionismo Astratto sia stato il primo movimento artistico puramente americano. Si sostiene che abbia rappresentato la prima volta in cui gli artisti americani, esemplificati dai membri della Scuola di New York, si liberarono dall'influenza europea per stabilire una propria voce estetica unica. Ma un'attenta analisi dei dipinti di Paul Klee realizzati nel corso dei tre decenni precedenti l'alba della Scuola di New York rivela che forse gli Espressionisti Astratti non erano così liberi dall'influenza del Vecchio Mondo come suggeriscono i libri di storia dell'arte. Ora, per la prima volta, il Centro Paul Klee di Berna, in Svizzera, sta tentando di avviare un serio esame accademico dei molteplici modi in cui gli artisti americani del dopoguerra furono influenzati dall'opera di Paul Klee. Per dare inizio a questa indagine, il centro ha recentemente inaugurato la mostra 10 Americani dopo Paul Klee. In esposizione, accanto ai dipinti di Klee, ci sono eccellenti esempi delle opere di Jackson Pollock, Mark Tobey, Kenneth Noland, William Baziotes, Adolph Gottlieb, Norman Lewis, Robert Motherwell, Gene Davis, Theodoros Stamos e Bradley Walker Tomlin. Non solo questa è un'opportunità senza pari per vedere opere di alcuni dei pittori americani più influenti del XX secolo, ma, nelle parole dei curatori del Centro Paul Klee, questa mostra innovativa rappresenta anche

“una testimonianza eloquente e impressionante della misura in cui questi artisti furono ispirati dai concetti e dalle pratiche artistiche di Klee.”

Pioniere dell'Avanguardia Astratta

Nato a Berna, in Svizzera, nel 1879, Paul Klee non fu affatto un artista naturale. Gli scritti del suo diario, che mantenne scrupolosamente dal 1897 al 1918, rivelano che si considerava un pessimo interprete del colore e che era certo fin da subito di essere destinato al fallimento come artista. Ma nel 1911, dopo anni di studi e molte false partenze, il suo atteggiamento e la sua fortuna cambiarono completamente. Fu quell'anno che incontrò Wassily Kandinsky e fu accettato come membro del gruppo d'avanguardia Der Blaue Reiter. Klee fu ispirato dall'agilità mentale e dalle idee estetiche di Kandinsky. E sebbene mantenesse un approccio estetico piuttosto unico, Klee divenne rapidamente un contributore influente allo sviluppo filosofico del gruppo.

Poi arrivò la Prima Guerra Mondiale. Come molti suoi colleghi artisti, Klee fu costretto a prestare servizio nell'esercito prussiano. Sebbene Klee non dovette mai combattere in prima linea, la guerra portò via la vita a molti suoi amici e cambiò radicalmente il modo in cui vedeva l'arte. Klee è citato mentre diceva: “Più questo mondo diventa orribile, più l'arte diventa astratta.” Dopo la guerra, si dedicò con più impegno che mai all'astrazione come modo per rivelare ciò che è universale e puro. “L'arte non riproduce il visibile,” disse. “Lo rende visibile.” Con questo atteggiamento pionieristico al centro dei suoi esperimenti, guadagnò rapidamente una vasta reputazione come leader dell'avanguardia europea del dopoguerra.

Paul Klee - Fuoco alla Luna Piena, 1933, © Paul Klee / Artists Rights Society (ARS), New York / VG Bild-Kunst, Bonn

Un Ritorno a Berna

La passione e il genio evidenti di Klee lo resero venerato tra i suoi pari, e negli anni Trenta si affermò anche come insegnante influente per la generazione più giovane. Fu stimato professore all'Accademia di Düsseldorf dal 1931 al 1933, e naturalmente uno dei principali istruttori del famoso Bauhaus. Ma quando la Repubblica di Weimar terminò nel 1933 e l'Europa sembrò nuovamente sull'orlo della guerra, Klee fu inserito nella lista degli artisti presi di mira dal nascente partito nazista. Fuggì dalla Germania e tornò in Svizzera. Nel frattempo, molti dei suoi mercanti d'arte si rifugiarono negli Stati Uniti. Sebbene Klee vendette quasi nessuna opera in Europa dal 1933 fino alla sua morte nel 1940, i suoi mercanti continuarono a vendere molte sue opere negli Stati Uniti. E durante gli anni Trenta e Quaranta ci furono numerose mostre di Klee negli Stati Uniti.

Molti membri della Scuola di New York parlarono apertamente dell'ispirazione ricevuta dai dipinti di Paul Klee. Come Klee, anche questi artisti erano emersi da poco da una guerra mondiale orribile e cercavano nuovi modi per esprimere l'inesprimibile. Sebbene non abbiano copiato direttamente il suo stile visivo, i metodi usati da Klee per realizzare i suoi dipinti li incoraggiarono nella ricerca di un modo di fare arte più senza tempo, antico e puro. Tra le molte innovazioni attribuite a Paul Klee, e che influenzarono direttamente l'avanguardia americana del dopoguerra, vi sono l'automatismo (disegnare inconsciamente, tecnica poi adottata dai Surrealisti), il primitivismo (ritorno ai metodi più antichi e primitivi di fare arte, poi adottato dai sostenitori dell'Art Brut), e il riduzionismo (ridurre i simboli universali alla loro forma più semplice, qualcosa che Klee aveva appreso dai primi artisti astratti come Kandinsky e Malevich).

Paul Klee - Immagine Tratta dal Boudoir, 1922, Copia a olio e acquerello su carta montata su cartoncino, 33,2 × 49 cm, © Paul Klee / Artists Rights Society (ARS), New York / VG Bild-Kunst, Bonn

Disegno Automatico

La mostra 10 Americani dopo Paul Klee fa un eccellente lavoro nel selezionare opere di artisti americani che esemplificano i tre concetti più spesso associati a Klee. Nel campo del disegno automatico, sono esposte opere di Jackson Pollock, Bradley Walker Tomlin e Mark Tobey. Composizione n. 16 (1948) di Pollock colpisce per la sua tavolozza vibrante. Scintille di linee bianche gestuali si mescolano a macchie esplosive di giallo e vortici drammatici di nero, il tutto su un mare uniforme di blu profondo. Il dipinto rappresenta perfettamente il metodo del disegno automatico con cui Klee lavorava e che Pollock usò famosamente per innovare i suoi iconici dipinti a “schizzo”. Numero 12 (1949) di Tomlin dimostra l'uso del disegno automatico attraverso segni gestuali, forme calligrafiche e lineari, e ampie pennellate nere intuitive. After the Imprint (1961) di Mark Tobey è una composizione esplosiva e totale, riempita da angolo a angolo con segni intuitivi, rivelatori di ansia subconscia, energia nervosa ed espressione lirica.

Mark Tobey - After the Imprint, 1961, Gouache su cartoncino da disegno, 99,7 x 69,5 cm, The Phillips Collection, Washington, DC, Acquisito 1962, © 2017, ProLitteris

Primitivismo

A dimostrare il primitivismo, o il ritorno a un fare arte antico e primordiale, nella mostra 10 Americani dopo Paul Klee, ci sono opere di Robert Motherwell, Theodoros Stamos e William Baziotes. Astrazione su Turchese (1945) di Motherwell sarà una vera rivelazione per gli ammiratori di questo pittore non familiari con le sue opere precedenti. Motherwell si era fatto un nome per le sue audaci astrazioni gestuali biomorfiche nere e malinconiche. Questo dipinto è vivacemente colorato e quasi giocoso, ma le sue forme e texture primitive sono chiari indicatori della direzione che prese nelle sue opere successive. Ohne Titel (1945) di Theodoros Stamos è forse l'opera più figurativa della mostra. Un'astrazione primitiva che ricorda un paesaggio insulare, l'opera evoca le immagini delle pitture rupestri. Pierrot (1947) di William Baziotes, come suggerisce il titolo, allude al classico personaggio della pantomima francese omonima. Le forme semplificate e primitive nel dipinto riducono il personaggio ai suoi elementi essenziali e lo ritraggono in modo altamente semplificato, ma anche molto espressivo.

Robert Motherwell - Astrazione su Turchese, 1945, Olio, smalto, sabbia e carbone su cartoncino telato, 61 x 50 cm, Dedalus Foundation, Inc., © Dedalus Foundation, Inc. / 2017, ProLitteris

Riduzionismo

A dimostrare il riduzionismo, o la riduzione dei simboli essenziali e universali alle loro forme più semplici, in 10 Americani dopo Paul Klee, ci sono opere di Adolph Gottlieb, Kenneth Noland, Gene Davis e Norman Lewis. I due dipinti Labirinto #1 (1950) e Il Veggente (1950) di Adolph Gottlieb sono molto vicini sotto molti aspetti alle prime opere astratte riduttive di Paul Klee stesso. Lavorando sullo sfondo della griglia, presentano una serie di forme simboliche astratte e semplificate mescolate a elementi geometrici e riferimenti figurativi. Le loro superfici consumate e gli strati gestuali sottostanti creano una complessità e una profondità che contraddicono la semplicità di molti degli elementi più evidenti delle composizioni. In the Garden (1952) di Kenneth Noland dialoga in modo affascinante con le opere di Gottlieb. Include una drammatica X quasi al centro esatto della tela, circondata da linee diagonali, che forse rappresentano una griglia rotta o forse segni primitivi istruttivi. Sebbene semplificato, il gioco di spinta e trazione dei colori in questo dipinto gli conferisce una sorprendente profondità e luminosità.

Rain Dance I (1960) di Gene Davis è un esempio supremo di composizione riduttiva. È difficile affermare che questo particolare dipinto sia stato direttamente ispirato da Paul Klee. I suoi colori puri e le immagini lineari e geometriche altamente distillate lo pongono lontano da tutte le altre opere in questa mostra. Ma sicuramente risponde agli artisti astratti precoci come Malevich che ispirarono Klee, e ad artisti come Mondrian, che indagarono anche gli aspetti riduttivi di linee, rettangoli e campi puri di colore. Infine, Promenade (1950) di Norman Lewis colma un vuoto vitale nella mostra. Incorporando elementi di riduzionismo, primitivismo e disegno automatico, risolve la questione dell'evoluzione dell'influenza di Paul Klee. Nella sua complessità, energia ed entusiasmo, questa composizione si distingue dalle altre come qualcosa di puramente americano e proiettato verso il futuro. È senza dubbio influenzata dalle idee che Klee contribuì a sviluppare, eppure rappresenta il passo successivo che tutti questi pittori americani cercarono di compiere.

10 Americani dopo Paul Klee è in mostra fino al 7 gennaio 2018 al Centro Paul Klee di Berna, Svizzera.

Immagine in evidenza: Kenneth Noland - In the Garden, 1952, Olio su tavola di fibra dura, 49,5 x 76,2 cm, The Phillips Collection, Washington, DC, Acquisito 1952, © 2017, Prolitteris.