Georg Herold e Il Luminous West al Kunstmuseum Bonn

La maggior parte delle persone probabilmente categorizzerebbe Georg Herold come un membro della cosiddetta "generazione più anziana". Ha 70 anni, dopotutto. E infatti, sette anni fa, il Kunstmuseum Bonn ha ufficialmente affibbiato a Herold quell'etichetta sfortunata e in qualche modo priva di significato quando lo ha incluso in una ambiziosa mostra collettiva chiamata The Luminous West. Quella mostra presentava il lavoro di 33 artisti, tutti provenienti dalla regione della Renania / Renania Settentrionale-Vestfalia in Germania. L'obiettivo della mostra era stabilire una visione coesa del patrimonio estetico di questa parte della Germania e collegarla a un esame predittivo di ciò che il futuro della regione potrebbe riservare. Per portare a termine questo compito monumentale, il museo ha adottato un approccio curatoriale unico. Innanzitutto, hanno incaricato il loro team accademico di cinque persone di selezionare 19 artisti che rappresentassero, con le loro parole, "la generazione più anziana". Il team ha iniziato con quello che hanno chiamato il "nucleo storico" della regione, composto da cinque artisti: Joseph Beuys, Sigmar Polke, Imi Knoebel, Gerhard Richter e Blinky Palermo. Hanno poi selezionato altri 14 artisti "anziani", tra cui Georg Herold. Successivamente, il museo ha invitato questi cosiddetti artisti "anziani", o almeno quelli ancora in vita, a raccomandare artisti della "generazione più giovane" il cui lavoro ritenevano meritasse di essere incluso nella mostra. Poiché all'epoca aveva 63 anni, forse non sembra un insulto che Georg Herold sia stato selezionato come rappresentante della generazione più anziana. Ma tuttavia, qualcosa riguardo a quella designazione sembra sbagliato. Non è passato molto tempo da quando Herold era nuovo sulla scena. E fino ad oggi il suo lavoro rimane affascinante, fresco, spiritoso, irriverente e provocatorio— in molti casi, molto più di quello degli artisti cronologicamente più giovani che suppostamente rappresentavano il futuro in The Luminous West. Questo fatto è messo in evidenza dalla nuova mostra monografica di Georg Herold attualmente in esposizione in quello stesso spazio, il Kunstmuseum Bonn. Il lavoro rimane dinamico e continua a rappresentare l'avanguardia. Mi fa chiedere se forse l'età biologica non dovrebbe essere l'unica misura di "anzianità" nelle arti. Come dimostra Herold, a volte è con il passare del tempo che le migliori idee e le opere più potenti emergono da un artista, e il pieno significato e potenziale del lavoro precedente viene finalmente rivelato.

Un ingresso tardivo

Georg Herold è nato nel 1947 a Jena, in Germania, una città universitaria di circa 100.000 abitanti. La sua formazione iniziale è stata come apprendista fabbro, dopo di che ha frequentato l'università e ha iniziato a studiare seriamente per diventare un artista. Ha studiato per la prima volta all'Università di Arte e Design di Halle, nella città di Halle, vicino a dove è cresciuto. Poi si è trasferito nella parte meridionale del paese, a Monaco, dove ha frequentato l'Accademia di Belle Arti dal 1974 al 1976. Successivamente, si è diretto a nord, ad Amburgo, dove ha studiato all'Università delle Belle Arti sotto Sigmar Polke dal 1977 al 1981. Mentre si trovava ad Amburgo, Herold ha fatto la conoscenza di diversi altri artisti studenti, tra cui spiccavano Martin Kippenberger e Albert Oehlen, che avevano già iniziato a farsi un nome con il loro approccio punk alla creazione artistica.

Insieme a questi nuovi selvaggi, Herold è stato soprannominato uno dei "cattivi ragazzi" emergenti della scena artistica tedesca degli anni '80. Quando si è laureato, Herold aveva 34 anni. Tuttavia, era considerato parte della nuova generazione giovane e sfacciata. Uno dei "cattivi ragazzi" non è sopravvissuto a lungo. Kippenberger è morto nel 1997 all'età di 44 anni, ma nella sua breve carriera è riuscito a esercitare un'enorme influenza sul mondo dell'arte e ha quasi reinventato da solo cosa significasse essere un artista contemporaneo. Oehlen è ancora attivo oggi come artista e insegnante. I suoi dipinti astratti sono amati e le sue indagini sul processo si sono dimostrate enormemente influenti sulle generazioni emergenti di artisti. E poi c'è Herold, il più anziano dei "cattivi ragazzi". Ci ha messo più tempo a raggiungere la maturità e, in un certo senso, ha resistito più a lungo alla categorizzazione. Come ha detto una volta, "Io intendo raggiungere uno stato che è ambiguo e consente ogni tipo di interpretazione." Fedele a questo obiettivo, la sua opera sfida ogni e qualsiasi categorizzazione, e nessuna singola opera al suo interno è ancora stata diagnosticata con successo.

Georg Herold - Untitled (Caviar), 1990, Caviar, lacquer, ink on canvas, 31 1/2 × 43 1/4 in, 80 × 109.9 cm, photo credits Magenta Plains, New York

Perseverare

Il primo lavoro per cui Georg Herold è ricordato era una sottile tavoletta di legno, il tipo usato in costruzione, avvitata al muro. Chiamò l'opera Präsentation der ersten Latte, o Presentazione della prima tavola. L'opera fu realizzata nel 1977, mentre era ancora a scuola, per un compito in una classe tenuta da Sigmar Polke. L'opera era, in termini formali rigorosi, innegabile. Rappresentava linea e forma. Come oggetto tridimensionale appeso al muro, sfidava i ruoli della pittura e della scultura. Era sia minimale che concettuale. Il suo titolo implicava qualcosa di cerimoniale. La sua storia come materiale implicava che fosse un componente di qualcosa di più grande a venire. Il suo status di oggetto trovato evocava Marcel Duchamp e Robert Rauschenberg. Ma c'era anche qualcosa di bizzarro in esso, e forse qualcosa di assurdo.

Ma col tempo, il titolo di quel primo pezzo si sarebbe rivelato profetico. Herold è tornato ancora e ancora al materiale delle tavole di costruzione. Le ha utilizzate in sculture più grandi, le ha appese al muro in diverse configurazioni, le ha usate come supporti per dipinti e altre opere, e le ha utilizzate come materie prime nella costruzione di una serie di sculture figurative inquietanti. Per costruire queste forme, Herold lega insieme le tavole di costruzione con filo e viti. Poi stende una tela sopra i bastoni legati per creare una sorta di bozzolo sopra la forma di un corpo umano. Permette alla tela di asciugarsi e restringersi nel tempo, poi dipinge e lacca la forma. In alcuni casi, poi realizza fusioni in bronzo in edizione limitata delle forme. Viste nel contesto del suo lavoro iniziale in quella classe con Sigmar Polke, queste forme figurative sono poetiche nella loro profondità di significati potenziali. Ma anche senza conoscenza della loro essenza materiale, la loro presenza evoca una gamma di emozioni, dalla sofferenza alla sensualità. Sono sia umanizzanti che disumanizzanti, e richiamano innumerevoli interpretazioni, da immagini di danza a immagini di morte.

Georg Herold - Untitled, 2011, Batten, canvas, lacquer, thread and screws, 115 x 510 x 65 cm, image © Saatchi Gallery, all rights reserved

Caviale e mattoni

Un altro corpo di lavoro per cui Herold è diventato noto è una serie di dipinti in cui il caviale viene utilizzato come medium principale. Questi dipinti astratti di caviale possiedono una qualità tranquilla e naturale nella vena dei dipinti coreani dansaekhwa. Sono quasi monocromatici, leggermente testurizzati e belli. Ma è il loro medium che solleva interrogativi. I milioni, forse miliardi di uova di pesce che sono stati utilizzati per la loro realizzazione significano che sono letterali campi di sterminio. Potrebbero rappresentare un potenziale sprecato letterale. D'altra parte, il caviale è solo cibo, e non esattamente cibo necessario. È un lusso costoso. Ci sarebbe potenzialmente molto da discutere su qualsiasi messaggio questi dipinti inviano riguardo al commercio, all'arte e allo sfruttamento. D'altra parte, forse non c'è nulla da dire. Forse sono semplicemente bei dipinti.

Georg Herold - Untitled, 2011, caviar (numbered), acrylic, lacquer on canvas, 2 parts, each 350 x 203 cm, image courtesy Galerie Bärbel Grässlin

Un altro materiale a cui Herold torna frequentemente sono i mattoni. Attacca i mattoni direttamente alle superfici di tela tesa delle sue opere. Il peso dei mattoni spesso tira verso il basso la superficie, allungandola e creando pieghe e ondulazioni nel tessuto. L'aspetto è spesso quello di un'opera d'arte parzialmente rovinata. C'è una tensione intrinseca nell'opera mentre gli spettatori osservano e si chiedono se i mattoni alla fine cadranno. Questi pezzi sembrano disastri in attesa di accadere. Sono anche affascinanti esami della materialità, della texture, della dimensionalità e dello spazio. Sono divertenti e, in un certo senso, hanno persino un modo di deridere. Sono anche sublimemente ambigui. C'è un grande abisso tra ciò che ci mostrano e ciò che ci dicono. D'altra parte, sono solo una costruzione, un ulteriore passo avanti rispetto alla presentazione della prima tavola. Soprattutto, sono freschi. Sono una continua prova che Georg Herold non è un artista che merita di essere etichettato come parte di alcuna generazione precedente. Rispetto, in effetti, nessun artista vivente lo è.

Georg Herold al Kunstmuseum Bonn è in mostra fino al 7 gennaio 2018.

Immagine in evidenza: Georg Herold - Herrenperspektive (Prospettiva Maschile), 2002, Scultura di travi di legno, vetro e spago, 235 x 60 x 365 cm, foto © VG Bild-Kunst, Bonn 2016, Arp Museum Bahnhof Rolandseck, foto: Galerie Grässlin

Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo

Di Phillip Park