Georg Herold e Il Luminous West al Kunstmuseum Bonn

La maggior parte delle persone probabilmente classificherebbe Georg Herold come membro della cosiddetta “vecchia generazione”. Dopotutto, ha 70 anni. E, in effetti, sette anni fa il Kunstmuseum Bonn appose ufficialmente a Herold quell’infelice e alquanto insignificante etichetta, includendolo in un’ambiziosa mostra collettiva intitolata The Luminous West. La mostra presentava opere di 33 artisti, tutti originari della Renania / Renania Settentrionale-Vestfalia, in Germania. L’obiettivo era delineare una visione coerente dell’eredità estetica di questa parte della Germania e collegarla a un’analisi previsionale di ciò che avrebbe potuto riservare il futuro della regione. Per realizzare questo compito monumentale, il museo adottò un approccio curatoriale unico. Innanzitutto, affidò al proprio team accademico di cinque persone il compito di selezionare 19 artisti che rappresentassero, nelle loro parole, “la vecchia generazione”. Il team partì da quello che definì il “nucleo storico” della regione, composto da cinque artisti: Joseph Beuys, Sigmar Polke, Imi Knoebel, Gerhard Richter e Blinky Palermo. Selezionò poi altri 14 artisti “anziani”, tra cui Georg Herold. In seguito, il museo invitò questi artisti cosiddetti “anziani”, o almeno quelli ancora in vita, a indicare artisti della “giovane generazione” il cui lavoro meritasse, a loro giudizio, di essere incluso nella mostra. Poiché all’epoca aveva 63 anni, forse non sembra offensivo che Georg Herold sia stato scelto come rappresentante della vecchia generazione. Eppure, qualcosa in quella definizione sembra sbagliato. Non è passato molto tempo da quando Herold era appena comparso sulla scena. E ancora oggi il suo lavoro rimane affascinante, fresco, arguto, irriverente e provocatorio—in molti casi molto più di quello degli artisti cronologicamente più giovani che avrebbero dovuto rappresentare il futuro in The Luminous West. Questo fatto emerge con forza dalla nuova mostra monografica di Georg Herold, attualmente allestita proprio nello stesso spazio, il Kunstmuseum Bonn. Le opere rimangono dinamiche e continuano a rappresentare l’avanguardia più radicale. Mi chiedo se l’età biologica debba davvero essere l’unico criterio per misurare la “vecchiaia” nell’arte. Come dimostra Herold, a volte è proprio con il trascorrere del tempo che da un artista emergono le idee migliori e le opere più potenti, e che il pieno significato e il potenziale dei lavori precedenti vengono finalmente rivelati.

Un ingresso tardivo

Georg Herold è nato nel 1947 a Jena, in Germania, una città universitaria di circa 100.000 abitanti. La sua prima formazione fu quella di apprendista fabbro, dopodiché frequentò l’università e iniziò a studiare seriamente per diventare artista. Studiò dapprima alla University of Art and Design Halle, nella città di Halle, vicino al luogo in cui era cresciuto. Poi si trasferì nella parte meridionale del Paese, a Monaco, dove frequentò l’Academy of Fine Arts dal 1974 al 1976. Successivamente si spostò a nord, ad Amburgo, dove studiò alla University of Fine Arts sotto la guida di Sigmar Polke dal 1977 al 1981. Mentre era ad Amburgo, Herold conobbe diversi altri artisti studenti, soprattutto Martin Kippenberger e Albert Oehlen, che avevano già iniziato a farsi un nome con il loro approccio punk alla produzione artistica.

Insieme a questi nuovi ribelli, Herold venne definito uno dei “cattivi ragazzi” emergenti della scena artistica tedesca degli anni Ottanta. Quando si laureò, Herold aveva 34 anni. Ciononostante, era considerato parte della nuova, giovane e impetuosa generazione. Uno dei “cattivi ragazzi” non sopravvisse a lungo. Kippenberger morì nel 1997, a 44 anni, ma nel corso della sua breve carriera arrivò a esercitare un’enorme influenza sul mondo dell’arte e quasi da solo reinventò il significato di essere un artista contemporaneo. Oehlen è tuttora attivo come artista e insegnante. I suoi dipinti astratti sono amati e le sue ricerche sul processo si sono rivelate enormemente influenti per le generazioni emergenti di artisti. E poi c’è Herold, il più anziano dei “cattivi ragazzi”. Fu quello che impiegò più tempo a raggiungere la piena maturità e, per certi versi, ha resistito più a lungo a ogni categorizzazione. Come disse una volta: “Intendo raggiungere uno stato ambiguo che permetta ogni sorta di interpretazione”. Fedele a questo obiettivo, la sua opera sfugge a qualsiasi categorizzazione e nessuna singola opera al suo interno è ancora stata interpretata in modo definitivo.

Georg Herold - Senza titolo (Caviale), 1990, caviale, lacca, inchiostro su tela, 31 1/2 × 43 1/4 in, 80 × 109,9 cm, foto per gentile concessione di Magenta Plains, New York

Insistere

La prima opera per cui Georg Herold è ricordato era una sottile tavola di legno, del tipo usato nell’edilizia, avvitata alla parete. Intitolò l’opera Präsentation der ersten Latte, ovvero Presentazione della prima tavola.L’opera fu realizzata nel 1977, quando era ancora studente, per un compito assegnato in un corso tenuto da Sigmar Polke. In termini strettamente formali, l’opera era innegabile. Rappresentava la linea e la forma. In quanto oggetto tridimensionale appeso alla parete, metteva in discussione i ruoli della pittura e della scultura. Era al tempo stesso minimalista e concettuale. Il titolo suggeriva qualcosa di cerimoniale. La sua storia come materiale implicava che fosse un componente di qualcosa di più grande ancora da realizzare. Il suo status di oggetto trovato richiamava Marcel Duchamp e Robert Rauschenberg. Ma c’era anche qualcosa di giocoso, e forse persino qualcosa di assurdo.

Con il tempo, però, il titolo di quella prima opera si sarebbe rivelato profetico. Herold è tornato più volte al materiale delle tavole da costruzione. Le ha usate in sculture più grandi, le ha appese alla parete in configurazioni diverse, le ha utilizzate come supporti per dipinti e altre opere e come materie prime per la realizzazione di una serie di inquietanti sculture figurative. Per costruire queste forme, Herold lega le tavole da costruzione con filo e viti. Poi tende la tela sui bastoni legati, creando una sorta di bozzolo attorno alla forma di un corpo umano. Lascia che la tela si asciughi e si restringa nel tempo, quindi dipinge e vernicia la forma. In alcuni casi realizza poi fusioni in bronzo a tiratura limitata delle forme. Considerate nel contesto dei suoi primi lavori realizzati in quel corso con Sigmar Polke, queste forme figurative sono poetiche per la profondità dei loro possibili significati. Ma anche senza conoscerne l’essenza materiale, la loro presenza evoca una gamma di emozioni, dalla sofferenza alla sensualità. Sono al tempo stesso umanizzanti e disumanizzanti e suscitano una miriade di interpretazioni, da immagini di danza a immagini di morte.

Georg Herold - Senza titolo, 2011, listello, tela, lacca, filo e viti, 115 x 510 x 65 cm, immagine © Saatchi Gallery, tutti i diritti riservati

Caviale e mattoni

Un altro corpus di opere per cui Herold è diventato noto è una serie di dipinti in cui la principale materia utilizzata è la bottarga di pesce. Questi dipinti astratti al caviale possiedono una qualità tranquilla e naturale, affine a quella dei dipinti coreani dansaekhwa. Sono quasi monocromi, leggermente materici e bellissimi. Ma è il loro medium a sollevare interrogativi. I milioni, forse miliardi, di uova di pesce impiegati per realizzarli fanno di questi dipinti, letteralmente, campi di sterminio. Potenzialmente rappresentano un potenziale letteralmente sprecato. D’altra parte, il caviale è semplicemente cibo, e nemmeno un cibo propriamente necessario. È un lusso costoso. Si potrebbe discutere a lungo del messaggio che questi dipinti trasmettono sul commercio, sull’arte e sullo sfruttamento. D’altra parte, forse non c’è nulla da dire. Forse sono semplicemente bei dipinti.

Georg Herold - Senza titolo, 2011, caviale (numerato), acrilico, lacca su tela, 2 parti, ciascuna 350 x 203 cm, immagine per gentile concessione di Galerie Bärbel Grässlin

Un altro materiale a cui Herold torna frequentemente sono i mattoni. Li applica direttamente sulle superfici di tela tesa dei suoi dipinti. Il peso dei mattoni spesso tira verso il basso la superficie, tendendola e creando pieghe e increspature nel tessuto. L’aspetto è spesso quello di un’opera d’arte parzialmente rovinata. Nell’opera è insita una tensione, mentre gli spettatori osservano e si chiedono se i mattoni finiranno per cadere. Questi lavori sembrano disastri in attesa di accadere. Sono anche affascinanti indagini sulla materialità, la texture, la dimensionalità e lo spazio. Sono divertenti e, in un certo senso, hanno persino un tono derisorio. Sono inoltre sublimemente ambigui. Esiste un grande abisso tra ciò che ci mostrano e ciò che ci dicono. D’altra parte, sono semplicemente una costruzione, un ulteriore passo avanti rispetto alla presentazione della prima tavola. Soprattutto, sono freschi. Continuano a dimostrare che Georg Herold non è un artista che meriti di essere etichettato come parte di una qualsiasi vecchia generazione. A dire il vero, nessun artista vivente lo è.

Georg Herold al Kunstmuseum Bonn è visitabile fino al 7 gennaio 2018.

Immagine in evidenza: Georg Herold - Herrenperspektive (Prospettiva degli uomini), 2002, scultura realizzata con listelli da tetto, vetro e spago, 235 x 60 x 365 cm, foto © VG Bild-Kunst, Bonn 2016, Arp Museum Bahnhof Rolandseck, foto: Galerie Grässlin

Tutte le immagini sono utilizzate esclusivamente a scopo illustrativo

Di Phillip Barcio