Come le opere di Pat Steir sono salite in cima al mercato dell'arte

La rappresentanza in galleria è fondamentale per ogni artista che desideri avere una presenza nel mercato dell'arte. Ma cosa fa esattamente una galleria per un artista? E come fanno gli artisti a garantirsi l’ingresso nella galleria che offrirà loro la migliore rappresentanza possibile? La storia di Pat Steir potrebbe fare luce sulle risposte a queste antiche domande. Steir è stata una figura di spicco nella scena pittorica americana per decenni. La sua opera è idiosincratica, concettualmente brillante e esteticamente stupefacente. Tuttavia, per molto tempo ha registrato numeri di vendita bassi rispetto ad altri artisti della sua statura. Ma non è stata una novellina nel mercato dell’arte. Le autorità del settore hanno riconosciuto immediatamente le sue capacità. Lo stesso anno in cui si è laureata con il BFA al Pratt Institute, ha partecipato alla sua prima mostra collettiva—non in una galleria, ma al High Museum of Art di Atlanta, probabilmente il museo d’arte più importante del Sud-Est degli Stati Uniti. L’anno successivo ha partecipato a mostre collettive al Philadelphia Museum of Art e al MoMA di New York. Da allora, non c’è stato anno in cui Steir abbia vacillato. La sua opera ha costantemente stupito gli spettatori con la sua presenza, la sua forza e la sua complessità. E ha persino trovato il tempo per insegnare in alcune delle istituzioni educative più influenti d’America, come Princeton, Parsons e Cal Arts. Quindi la domanda è: perché Pat Reid non è stata ricompensata finanziariamente per il suo successo in modo coerente con la sua importanza come artista? La risposta, a quanto pare, riguarda la rappresentanza.

La Prima Galleria

Pat Steir è nata nel 1940. Nel 1964 la sua opera era stata inclusa in tre mostre museali, e le fu offerta la sua prima mostra personale a New York, presso la Terry Dintenfass Gallery. Terry Dintenfass era originaria di Atlantic City, New Jersey. Qui aveva aperto la sua prima galleria d’arte, D Contemporary, nella hall di quello che allora era un rinomato resort sul mare, il Traymore Hotel. Ma con il declino della popolarità di Atlantic City, Dintenfass decise di chiudere D Contemporary e trasferirsi a Manhattan per aprire una nuova galleria. Così facendo divenne parte di un’ondata crescente di galleriste a New York. Era tra le più progressiste, rappresentando artisti altrimenti poco rappresentati a causa dei diffusi pregiudizi sociali o politici dell’epoca.

Le opere che Pat Steir mostrò alla Terry Dintenfass non erano molto in linea con le tendenze estetiche prevalenti del tempo. Tendenti alla figurazione, mentre il minimalismo era più in voga. Non sorprende che la mostra non generò abbastanza vendite per liberarla dal suo lavoro diurno come direttrice artistica presso la casa editrice Harper & Row. Per il resto del decennio Steir continuò a esporre a New York, ma le ricompense finanziarie continuarono a sfuggirle. Naturalmente, per lei non era quello l’obiettivo. Steir inseguiva qualcosa di più importante del denaro. Stava affermando la propria voce come pittrice, cercando di raggiungere qualcosa di autentico come artista.

Pat Steir - Blue, 2007, Olio su tela, 36 × 36 in, 91,4 × 91,4 cm, foto per gentile concessione Bentley Gallery, Phoenix

Il Cambiamento Profondo

All’inizio degli anni ’70, Steir fece un viaggio nel New Mexico dove trascorse del tempo con Agnes Martin. Le conversazioni con Martin rafforzarono in Steir l’importanza di connettersi con gli aspetti spirituali di ciò che stava cercando di fare. Iniziò a studiare le filosofie e le tradizioni artistiche dell’Asia orientale. Collegò i loro insegnamenti alle proprie tendenze estetiche, che erano in linea con l’automatismo e la perdita dell’ego insiti nelle tecniche dell’Espressionismo Astratto. Queste influenze culminarono in una sorta di nuova chiarezza per Steir, e nei primi anni ’70 creò quella che divenne la sua prima serie iconica di opere: le cosiddette rose, dipinti astratti contenenti forme che suggerivano rose poi cancellate. Descrivendo ciò che sperava di ottenere con questo corpo di lavoro, Steir spiegò “Volevo distruggere le immagini come simboli...niente immagini, ma allo stesso tempo immagini infinite.”

Nel corso del decennio successivo, questo processo filosofico iniziato da Steir la portò al suo corpo di lavoro più noto: i dipinti delle cascate. Queste opere sono la perfetta dimostrazione concettuale del rinunciare al controllo, e al contempo espressioni perfette di pianificazione e sfumature. Visivamente, sembrano vernice versata sulla parte anteriore di una tela, proprio come una cascata. Per realizzarle, Steir appende una tela non tesa al muro e poi sale su una scala per versare con cura la vernice sulla superficie. Gravità e tempo prendono il sopravvento una volta che lascia andare la vernice. Lei comanda il processo. Sceglie quando, dove e quanta vernice versare. Sceglie i colori. Sceglie la viscosità e se aggiungere ulteriori pennellate o schizzi. È un’espressione semplice e profonda della collaborazione tra umanità e natura. Il processo è armonioso, e così sono i dipinti.

Pat Steir - Mountain in Rain, 2012, Color direct gravure stampato su carta gampi chine collé, 31 × 39 in, 78,7 × 99,1 cm, foto per gentile concessione Crown Point Press, San Francisco

Cheim & Read

Alla fine degli anni ’90, Steir raggiunse la maestria come pittrice e le fu offerta la rappresentanza da una galleria importante: Cheim & Read, uno dei più influenti mercanti d’arte contemporanea di New York. Situata nel quartiere Chelsea, Cheim & Read è un punto di riferimento sulla scena globale dell’arte contemporanea sin dalla sua fondazione nel 1997. Qualsiasi artista vedrebbe l’opportunità di essere rappresentato da una tale galleria come un’occasione incredibile. Ma per Pat Steir, l’opportunità non ha dato i frutti sperati. Non che le sue opere non si vendessero. Si vendevano, per decine di migliaia di dollari. Ma molti suoi contemporanei raggiungevano cifre dieci volte superiori. Di nuovo, non che il profitto fosse la sua motivazione. Ma in America, i numeri di vendita influenzano profondamente se un artista viene accettato nel canone degli artisti importanti che regolarmente compaiono in musei e biennali, e vengono inseriti nei programmi dei corsi di storia dell’arte.

Entra in scena la mercante d’arte svizzera Dominique Lévy. Lévy è nata tre anni dopo la prima mostra personale di Pat Steir. Ha conseguito il Master all’Università di Ginevra nella affascinante materia della Sociologia dell’Arte. Alla fine degli anni ’80 e per tutto il decennio successivo ha lavorato per le case d’asta Christie’s, Sotheby’s e poi di nuovo Christie’s. Nel 2003 ha aperto il proprio servizio di consulenza artistica, chiamato Dominique Lévy Fine Art. Due anni dopo ha fondato L&M Arts con Robert Mnuchin, padre dell’attuale Segretario del Tesoro degli Stati Uniti. Nel 2013 ha aperto la Dominique Lévy Gallery a Manhattan e Londra. Qui ha rappresentato l’eredità di , e artisti di Yves Klein come Frank Stella e Pierre Soulages. E nel 2016 ha firmato Pat Steir.

Pat Steir - Moment, 1974, Olio su tela, 84 × 84 in, 213,4 × 213,4 cm, foto per gentile concessione Cheim & Read, New York

Il Valore di un Nome

Subito dopo aver firmato Pat Steir, Dominique Lévy si è associata con il mercante d’arte britannico Brett Gorvy per fondare una nuova galleria: Lévy Gorvy, con sedi a Londra, New York e Ginevra. Lévy Gorvy è ora chi rappresenta Pat Steir. E da quella fusione, in meno di due anni, i prezzi delle opere di Steir sono schizzati alle stelle. Solo negli ultimi sei mesi, tre sue opere all’asta hanno superato di gran lunga le stime. Sotheby’s ha venduto Four Yellow Red Negative Waterfall (1993) per £680.750 dopo una stima di £200.000, e sia Misty Mountain Waterfall (1991) che Silver Moon Beam (2006) per £299.400 ciascuna dopo stime di £113.250 ciascuna. Inoltre, Lévy Gorvy sta vendendo nuove opere di Steir per oltre mezzo milione ciascuna, un prezzo raggiunto all’EXPO di Chicago dove un dipinto senza titolo di Steir del 2004 è stato venduto per $550.000.

Allora, cosa è successo? Se Steir era in grado di raggiungere questi prezzi, perché Cheim & Read non ci è riuscita? La risposta potrebbe risiedere nelle conoscenze. Ogni gallerista ha una rete di contatti. Forse Lévy e Gorvy conoscono semplicemente persone diverse. Oppure potrebbe essere una questione di tempismo. Forse era destinato a succedere indipendentemente da chi rappresentasse Steir. O potrebbe dipendere dalla fiducia. Forse Lévy e Gorvy hanno un curriculum su cui i grandi acquirenti scommettono. Ma dopo aver esaminato le pagine delle gallerie dedicate a Pat Steir sia sul sito di Cheim & Read che su quello di Lévy Gorvy, penso che la differenza possa essere una questione di comprensione. I materiali di marketing messi insieme da Lévy Gorvy non sono solo più moderni e completi. La storia che raccontano è anche più empatica. A mio parere, il fattore determinante numero uno per capire se un artista ha trovato la galleria giusta è se le persone che lavorano in quella galleria comprendono l’opera. È impossibile ingannare qualcuno nel comprare arte. Ma se un gallerista crede veramente nell’opera che vende, non si tratta più di vendite, ma di mettere in contatto le persone con l’arte che per loro conta, un risultato possibile perché l’acquirente, il gallerista, l’artista e l’opera, per qualche ragione, parlano la stessa lingua del cuore.

Pat Steir - Set of Four Lines, 2015, Un set di quattro serigrafie con pittura a mano, 72 × 96 in, 182,9 × 243,8 cm, Unico

Immagine in evidenza: Pat Steir - Triptych D, 2015, Un set di tre serigrafie con pittura a mano, 72 × 108 in, 182,9 × 274,3 cm, Unico, foto per gentile concessione Pace Prints

Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo

Di Phillip Barcio