Combinare l'Astratto e il Figurativo - Arte di Albert Oehlen

A prima vista molte delle opere di Albert Oehlen appaiono complesse, come l'equivalente visivo del rumore. Combinano elementi figurativi con elementi puramente astratti. Incorporano una vasta e sempre mutevole gamma di processi, materiali e tecniche. Quando ci si concentra su questi elementi disparati, le composizioni possono sembrare a volte disgiunte e inarmoniche. Ma se considerate da un punto di vista più ampio, non come dichiarazioni visive definitive ma come stimoli per una risposta estetica più profonda, emerge un senso di armonia nei suoi dipinti. Oehlen è stato allievo di Sigmar Polke, pittore, fotografo e professore tedesco che ha sfidato i confini tra figurazione e astrazione. È stato anche coinquilino di Martin Kippenberger, artista multimediale nato in Germania noto per esplorare come il mondo oggettivo si interseca con l’astratto. Inoltre è amico di lunga data di Christopher Wool, pittore che combina messaggi audaci basati sul testo con l’astrazione in modi che creano linee nette tra i due, suggerendo allo stesso tempo che siano la stessa cosa. Nel modo in cui combina figurazione e astrazione, il corpus di opere creato da Oehlen condivide un chiaro lascito con quello di questi tre artisti. Ma condivide anche un’altra importante e meno ovvia somiglianza: è più semplice di quanto sembri.

L’evoluzione di Albert Oehlen

Albert Oehlen è nato nel 1954 a Krefeld, in Germania, a nord-ovest di Düsseldorf. È cresciuto in una famiglia d’arte. Il padre di Oehlen era un artista, e suo fratello Markus, di due anni più giovane, è diventato un affermato artista pop astratto che lavora nei campi della pittura e della scultura. Albert ha detto di aver sempre saputo che sarebbe diventato un artista, come se fosse qualcosa di scontato. Ma la scelta di concentrarsi sulla pittura, e in particolare sulla pittura astratta, è arrivata gradualmente nel tempo.

Oehlen ha completato gli studi all’Università delle Belle Arti di Amburgo nel 1978. Dopo la scuola ha sperimentato varie forme di espressione, inclusa la musica. Ma è stato dopo essersi trasferito dalla Germania in Spagna, dove ha condiviso casa con Martin Kippenberger, che ha trovato la sua voce come pittore astratto. In un’intervista a Interview Magazine nel 2009, Oehlen racconta di aver colto quell’opportunità per trasformare il suo approccio all’arte. “Volevo iniziare qualcosa di nuovo che sognavo da tempo, che era la pittura astratta,” ha detto Oehlen, “e ho colto l’occasione per iniziarla lì [in Spagna], il che è stato molto positivo perché eravamo molto isolati. Eravamo solo io e Martin in quella casa, quindi potevi sbagliare e vedere come reagiva l’altro.”

Albert Oehlen - Senza titolo, 1989. Olio e resina su tela. 60,4 × 73,5 cm. © Albert Oehlen

L’imprevedibilità della pittura

La libertà di sperimentare e fallire ha insegnato a Oehlen l’importanza dell’incertezza nella sua arte. C’è un’eccitazione insita nel non sapere come andrà a finire qualcosa. C’è una forza viva che spinge l’artista a manifestare l’ignoto, o l’inaspettato. Ma un possibile svantaggio della completa libertà di sperimentare è che può paralizzare. Da dove si comincia se non si ha idea di dove si sta andando? Per darsi abbastanza struttura da rimanere concentrato godendo al contempo della libertà di sperimentare, Oehlen ha iniziato a inventare semplici regole per sé nello studio.

Queste regole arbitrarie non hanno altro scopo che sfidarlo nel suo processo, per creare imprevedibilità e conflitto. A volte limita i suoi lavori a una sola tonalità. Altre volte si impone di andare semplicemente più lentamente. Una delle regole arbitrarie preferite di Oehlen, che condivideva con i suoi studenti quando insegnava alla Kunstakademie Düsseldorf, era: “Cambia il materiale. Perché molte decisioni non le noti. Inizia quando vai a comprare materiali per l’arte. Prendi decisioni, e sono sempre le stesse, come il tipo di pennelli che compri. E se sei costretto a cambiare qualcosa, dà un’incertezza all’opera che è molto utile. Ti fa scoprire ciò di cui hai veramente bisogno.”

Albert Oehlen - Titanium Cat with Laboratory tested Animal, 1999. Olio su tela. © Albert Oehlen

Niente è brutto

Dopo decenni di sperimentazioni e di autoimposizioni di limiti arbitrari, Oehlen è giunto a una divertente conclusione. A causa delle qualità fisiche uniche che le opere possiedono, c’è poco che si possa fare per rendere un dipinto brutto. C’è stato un periodo in cui l’idea di cattiva pittura era presente nella mente di molti curatori e artisti, incluso Oehlen. Sono state considerate varie definizioni di cattiva pittura. Alcuni credevano dipendesse dal processo. Altri pensavano fosse fondamentale la composizione o le qualità estetiche di un’opera.

Oehlen ha lavorato duramente sull’idea di fare cattivi dipinti come un musicista potrebbe fare una canzone impossibile da ascoltare. Ma ha scoperto che qualcuno potrebbe considerare ogni dipinto bello, perché gli esseri umani hanno semplicemente un’attrazione viscerale per la bellezza intrinseca della pittura su una superficie. Qualunque sia il soggetto, qualunque sia il livello di abilità dell’artista, qualunque sia la composizione e qualunque sia il processo, si può sostenere che nessun dipinto è brutto, perché qualcosa di buono si può trovare in esso se siamo disposti a guardare.

Albert Oehlen - Senza titolo, 2005. Acrilico e olio su tela. © Albert Oehlen

Stimoli visivi

L’opera matura che Albert Oehlen crea oggi riflette la mentalità di un pittore che ama semplicemente dedicarsi al suo lavoro. È vario nella scelta di materiali e tecniche, dandosi opportunità di crescita e evoluzione. A volte realizza collage e poi dipinge sopra di essi, usando per il collage materiali come cartelloni pubblicitari scadenti e stampe a getto d’inchiostro. A volte usa vernice spray, altre volte oli, a volte sfuma la pittura sulla superficie in una sfocatura. La gioia per lui come artista deriva chiaramente dal giusto equilibrio tra sperimentazione e regole, o in altre parole, dal processo.

Per gli spettatori può essere facile confondersi per la moltitudine di strati, stili e riferimenti nelle opere di Oehlen. Ma come abbiamo detto prima, semplificando il modo in cui le guardiamo possiamo avvicinarci a comprenderne il valore. Il modo per semplificarle è vederle non come opere che contengono un significato da svelare, ma come stimoli visivi. Fare un passo indietro e guardarle come la rivelazione di un processo, e lasciarle suscitare un’emozione o un pensiero. L’immagine figurativa, il testo, i colori, i segni o i residui fisici della nostra cultura insieme creano una sensazione, che dipende per lo più da noi. Il quadro non è la fine della storia. Se lo fosse, sarebbe davvero confuso. Ma è solo l’inizio.

Albert Oehlen - I 28, 2011. Collage di carta su tela. © Albert Oehlen

Ammorbidire il rumore

Visivamente, le opere di Albert Oehlen sono state accostate a vari movimenti artistici, come il Neo-Espressionismo e i Neue Wilde. I Neo-Espressionisti sono stati fondamentali per la reintroduzione della figurazione dopo movimenti come l’Espressionismo Astratto, il Minimalismo e l’Arte Concettuale. I Neue Wilde, o giovani selvaggi, combinavano immagini astratte e figurative con colori vivaci e pennellate emotive. A prima vista le opere di Oehlen spesso sembrano contenere entrambi gli elementi. Ma Oehlen ha anche guadagnato un altro soprannome: il radicale libero. Questo nome deriva dall’insistenza di Oehlen di non far parte di alcun movimento, e che ciascuna delle sue opere debba essere considerata separatamente e secondo la propria proposta estetica.

Cosa esattamente comportino le proposte di Oehlen è una conversazione aperta, che nemmeno Oehlen è in grado di spiegare completamente. Tutto ciò che è chiaro è che ha elaborato gradualmente una visione estetica unica, che continua a evolversi. Usa qualunque strumento visivo abbia a disposizione per creare qualcosa che susciti una sensazione negli spettatori. È tutto bello e tutto buono, almeno in alcune nostre menti. La gente può dire che gli piace o che non gli piace. E allora? Non può essere compreso con un’analisi fattuale. Tutto ciò che possiamo dire con certezza è che il rumore di etichette, giudizi e critiche estetiche ostacola davvero la sua opera. Come i molteplici elementi che Oehlen combina nelle sue opere, è tutto rumore. Attraverso il suo processo imprevedibile e aperto, Oehlen sta semplicemente cercando di creare buoni dipinti. Sta prendendo gli elementi complicati dell’atmosfera visiva e li sta ammorbidendo. Più riusciamo a semplificare il modo in cui guardiamo la sua opera, più essa diventa semplice, e più è facile vederla come bella.

Albert Oehlen - Aus Dem Nachlass, 2007. Stampa litografica su Somerset Epson. © Albert Oehlen

Immagine in evidenza: Albert Oehlen - Senza titolo (dettaglio), 1993. Olio su tela. © Albert Oehlen
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio