Trovare l'astrazione all'interno del Neo-Esprimentalismo

Lo studio del Neo-Espressionismo può condurre in un labirinto. Esistono innumerevoli spiegazioni di questo movimento artistico della fine del XX secolo. Ognuna sembra differire nella sua prospettiva, spesso in modi contraddittori, come se non esistesse un consenso su cosa il Neo-Espressionismo sia realmente stato. Alcuni dicono che sia nato in Germania; altri in Italia; altri negli Stati Uniti. Alcuni affermano che sia iniziato negli anni Sessanta; altri negli anni Settanta. Alcuni lo definiscono come l’estensione naturale dell’Espressionismo tedesco e dell’Espressionismo astratto. Altri lo considerano una reazione contro il Minimalismo. Altri ancora sostengono che non sia stato affatto un movimento artistico autentico, ma un’invenzione del mercato dell’arte. Un punto su cui quasi tutti concordano è che il Neo-Espressionismo è stato uno degli ultimi movimenti artistici globali quantificabili prima dell’avvento di ciò che comunemente chiamiamo Post-Modernismo, quando il pluralismo artistico prese piede e tutta la conoscenza e il significato vennero considerati soggettivi. A parte tutto ciò, la nostra fascinazione per il Neo-Espressionismo risiede puramente nell’arte: nelle sue qualità astratte associative e nel modo in cui ha superato le domande sul suo valore.

La verità sui movimenti artistici

Per quanto riguarda l’idea che il Neo-Espressionismo sia stato un’invenzione del mercato dell’arte, vogliamo chiarire che è stato esattamente reale come qualsiasi altro movimento artistico. Una delle controversie divertenti nella storia dell’arte è se i cosiddetti movimenti siano mai realmente esistiti. Il mito del movimento propone che durante certi periodi importanti artisti realizzassero tutti un solo tipo di arte, e qualsiasi artista che non producesse quel tipo di arte in quel momento fosse considerato irrilevante. E sebbene possa essere vero che in certi periodi solo alcuni stili artistici fossero popolari presso l’accademia e il mercato, chiunque guardi oltre quelle nicchie nel mondo reale si rende conto rapidamente che molti tipi diversi di arte sono stati continuamente creati in ogni tempo da artisti ovunque.

Tuttavia, dividiamo la storia dell’arte in movimenti, anche se possiamo dimostrare che Wassily Kandinsky e Kazimir Malevich non hanno inventato l’astrazione, Jackson Pollock non ha inventato la pittura a schizzi, Paul Bilhaud non ha dipinto la prima superficie monocromatica bidimensionale e Julian Schnabel non è stato il primo artista a realizzare un mosaico con piatti rotti. Gli artisti si sono dedicati a tutte queste pratiche per migliaia di anni. Ma a un certo punto sono diventate nuovamente rilevanti. Qualche critico, curatore, insegnante, venditore d’arte o collezionista ha riconosciuto ciò che uno di quegli artisti stava facendo come particolarmente importante per il loro tempo e ha descritto e nominato la loro posizione; non perché fosse completamente nuova, ma perché in quel momento qualcosa sembrava poter aiutare le persone nella loro ricerca di identità e significato.

Julian Schnabel - Nudo blu con spada, 1979, Olio, piatti, bondo su legno, 244 x 274 cm, © 2018 Julian Schnabel

Definizione del Neo-Espressionismo

Le qualità esatte che hanno reso le opere neo-espressioniste rilevanti per il loro tempo sono difficili da descrivere. Le tendenze associate al movimento sono emerse simultaneamente in molti paesi diversi, e ogni artista coinvolto aveva uno stile distintamente personale. Alcuni erano più astratti, altri iperrealisti. Negli Stati Uniti, artisti tanto diversi quanto Jean-Michel Basquiat, Philip Guston e Julian Schnabel rappresentavano il movimento. In Italia, dove era noto con il termine Transavanguardia, includeva artisti come Enzo Cucchi, Mimmo Paladino e Francesco Clemente. In Francia, dove il movimento era chiamato Figuration Libre, includeva Remi Blanchard, Hervé Di Rosa e François Boisrond.

Ma il neo-espressionista più influente proveniva dalla Germania. Il pittore Georg Baselitz è considerato il padre del movimento, e dal suo lavoro possiamo avere un’idea di ciò che sono diventati i segni distintivi dello stile neo-espressionista. Questi segni includono un ritorno all’espressione diretta del mondo realistico, un rifiuto delle teorie compositive tradizionali, una combinazione di figurazione espressionista e tecniche gestuali astratte, un’estetica primitiva, un’attenzione all’espressione del desiderio e dell’ansia, e una rinnovata accettazione dell’idea di narrazione nell’arte.

Jean-Michel Basquiat - Angelo caduto, 1981, Acrilico e tecniche miste su tela, © 2018 The Estate of Jean-Michel Basquiat

Radici del Neo-Espressionismo

Il nome Neo-Espressionismo si riferisce alla figurazione e all’uso della pittura abbracciati dagli artisti espressionisti tedeschi di inizio secolo come Edvard Munch e Vincent van Gogh. Quegli artisti svilupparono uno stile di pittura caratterizzato da immagini distorte, tecniche pittoriche primitive e colori irreali. Piuttosto che cercare di realizzare dipinti che imitassero la realtà, gli espressionisti tedeschi tentarono di esprimere qualcosa di più profondo sull’esistenza umana: qualcosa di interno, emotivo, psicologico, universale e astratto.

Piuttosto che mostrare come apparisse una persona su un ponte all’inizio del XX secolo, L’Urlo di Edvard Munch esprime il terrore, l’ansia e il tumulto dell’alba dell’era industriale. Artisti neo-espressionisti come Baselitz, Schnabel e Guston tentarono un approccio simile ma lo resero rilevante per un’epoca molto diversa. Espressero le ansie e il terrore di un’epoca di globalismo, tecnologia, viaggi spaziali, guerre continue, urbanizzazione, conflitti sociali senza fine, esplosione demografica e un senso generale di insignificanza individuale in una cultura cacofonica e sovrastimolata.

Philip Guston - Pittore a letto, 1973, Olio su tela, 151,4 x 264,8 cm, Collezione MoMA, Dono di Edward R. Broida, © 2018 The Estate of Philip Guston

L’astrazione nel Neo-Espressionismo

Poiché le immagini neo-espressioniste sono spesso figurative, possono essere facilmente ignorate come fonte di astrazione. Ma uno degli eredità durature del Neo-Espressionismo è che ha ampliato la nostra comprensione di cosa possa essere l’arte astratta. L’artista espressionista tedesco Ernst Ludwig Kirchner una volta descrisse cosa significasse essere un espressionista. Disse: “Chiunque rappresenti direttamente e onestamente ciò che lo spinge a creare è uno di noi.” Mentre alcuni movimenti di arte astratta, come l’Arte Concreta, cercavano di essere diretti, la maggior parte dell’arte astratta iniziale tendeva verso una posizione aperta o ambigua. Il Neo-Espressionismo riuscì a essere sia aperto che diretto. Incorporò una vasta gamma di soggetti e tecniche e dimostrò che la figurazione può essere letta anche come astratta.

Una delle idee astratte più comuni comunicate dalle opere neo-espressioniste è la nozione del crollo della modernità nell’antichità. Elementi di primitivismo si combinano con simbolismi moderni che indicano un’attrazione simultanea verso il passato e il futuro. Nel dipinto Cordoba dell’artista italiano della Transavanguardia Mimmo Paladino, vediamo due figure che lottano in uno spazio claustrofobico e inquietante pieno di riferimenti all’arte antica, all’arte espressionista e all’astrazione. Il dipinto include forme geometriche astratte, campi di colore, riferimenti monocromatici, trasmettendo la sensazione di essere intrappolati nel tempo circondati da miti passati, senza altra scelta che la lotta.

Mimmo Paladino - Cordoba, 1984, olio su tela, 300 x 400 cm, Collezione Art Gallery NSW, © Mimmo Paladino

L’astrazione per associazione

Uno dei modi più efficaci in cui i pittori neo-espressionisti hanno utilizzato l’astrazione è stato attraverso l’uso dell’associazione. Essenzialmente, l’associazione è quando permettiamo alla nostra mente di seguire un pensiero verso un altro in modo non lineare, facendo emergere idee personali e imprevedibili. Nella vita, associazioni casuali possono verificarsi in qualsiasi momento, scatenate da un’infinita varietà di esperienze sensoriali.

I pittori neo-espressionisti usarono l’Astrazione Associativa per offrire indizi verso interazioni più profonde con la loro arte. Guardando le loro immagini, le associazioni sono stimolate da colori, trame, forme, immagini e simboli, creando riferimenti narrativi o mitologici nell’opera. L’astrazione associativa elimina l’idea che per essere considerata astratta un’opera d’arte debba essere non-oggettiva. Amplia la nozione di astrazione e dimostra che anche un’immagine largamente realistica può suscitare associazioni percepibili come astratte.

La fine delle storie

Guardando indietro alla nascita del Modernismo, alcuni direbbero che la mentalità di quei primi modernisti appare ingenua. L’idea che il mondo potesse essere rinnovato dagli artisti suona un po’ utopica e ingenua. Ma i modernisti credevano nella narrazione della storia e che fosse possibile cambiare il mondo in modi mai tentati prima. Credevano anche che la novità e il cambiamento portassero necessariamente a un mondo migliore. Fu quella narrazione generale, che la storia fosse lineare e logica e che potesse essere costruita in modi progressivi, a portare al Modernismo e a ogni movimento artistico che ne fece parte.

Molti considerano il Neo-Espressionismo la fine di quella storia. Combinò aspetti di molteplici movimenti precedenti. Unì astrazione e figurazione. Rivisitò il passato invece di cercare strettamente la novità. E presentò un argomento convincente che ci sono davvero poche, se non nessuna, differenze tra presente e passato. Dimostrò che ogni divisione e progresso associato al Modernismo potrebbe essere stato falso. Ci insegnò che tutta l’arte è diretta, tutta l’arte è espressiva e che tutta l’arte è essenzialmente astratta. Come tale, concluse il lavoro del Modernismo. Aprì la strada al pluralismo che vediamo oggi nel mondo dell’arte e all’idea che ogni movimento artistico e ogni posizione estetica possano potenzialmente esistere simultaneamente ed essere ugualmente rilevanti in ogni epoca.

Immagine in evidenza: Georg Baselitz - Il coro di Brucke (dettaglio), 1983, Olio su tela, © Georg Baselitz
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio