Possiamo trovare un elemento astratto nell'arte espressionista tedesca?

Oscuro. Ansioso. Spaventoso. Primitivo. Grezzo. Queste sono alcune delle parole che la gente usa per descrivere l'arte espressionista tedesca. Per avere un riferimento visivo di ciò che queste persone intendono, immaginate L'Urlo, il celebre dipinto riprodotto più volte dall'artista norvegese Edvard Munch a partire dal 1893. Quell'immagine distorta, emotiva e orribilmente bella incarna le molte ragioni per cui Munch fu una fonte primaria d'ispirazione per i pittori espressionisti tedeschi. Ma chi erano questi artisti e cosa li spinse a sviluppare un'estetica così minacciosa? Forse una domanda più interessante sarebbe se la loro estetica sia davvero così minacciosa come sembra. Molte persone trovano i dipinti degli espressionisti tedeschi inquietanti ed evocativi. Alcuni li considerano persino rivelatori dello spirito umano. Forse ci sono elementi astratti nell'arte espressionista tedesca che, se potessimo interagire con essi, potrebbero condurci a una comprensione più profonda del significato di queste opere. Pochi movimenti artistici sono stati tanto influenti quanto l'Espressionismo, le cui tendenze sono riemerse ripetutamente in altri movimenti nel corso della storia moderna dell'arte. Se riuscissimo ad ampliare la nostra comprensione delle sfumature e delle origini di questo affascinante movimento, potremmo anche comprendere meglio l'Espressionismo Astratto, il Neo-Espressionismo e alcuni sviluppi attuali nell'arte contemporanea. Potremmo persino imparare qualcosa di essenziale su noi stessi.

Così tanto romantico

L'Espressionismo tedesco fu un movimento artistico del XX secolo, databile approssimativamente dal 1905 al 1920. Ma per comprenderne le radici dobbiamo guardare un po' più indietro. Molti dei cambiamenti più profondi nella storia dell'arte occidentale iniziarono a metà del XIX secolo. La ragione può essere riassunta in due parole: Rivoluzione Industriale. Prima del 1760 circa, la maggior parte delle persone nel mondo occidentale viveva una vita rurale o artigianale. Lavoravano la terra o un mestiere non meccanizzato. Ma in un arco di circa 90 anni, tra il 1760 e il 1850, quella realtà di vita consolidata cambiò drasticamente grazie al rapido progresso della tecnologia e delle macchine.

A metà del 1800, i cambiamenti nei processi chimici e produttivi avevano reso obsoleta la maggior parte della forza lavoro agricola e artigianale. Ma l'attività industriale urbana cresceva in modo esponenziale. In misura mai vista prima, la popolazione si spostò dalla campagna alla città e, con essa, lo stile di vita dell'uomo comune cambiò radicalmente. Ci furono vantaggi, come acqua pulita e cibo e vestiti a prezzi accessibili, ma anche sfide, come l'inquinamento e il sovraffollamento. La cosa più sconvolgente fu l'egocentrismo della vita urbana, che cambiò il modo in cui gli esseri umani medi si relazionavano tra loro.

Egon Schiele - Autoritratto con vaso nero e dita aperte, 1911, 34 x 27,5 cm, Kunsthistorisches Museum, Vienna, Austria

Impressioni artistiche

Il primo movimento artistico nato dalla Rivoluzione Industriale fu il Romanticismo. Emersero quando decine di milioni di nuovi abitanti urbani si resero conto di desiderare i modi bucolici e agrari dei loro antenati. Gli artisti romantici ritraevano la bellezza del mondo naturale e l'eleganza dei tempi passati. Dopo i romantici vennero gli Impressionisti. Questi artisti si concentrarono anch'essi su soggetti in qualche modo idilliaci, ma stilisticamente fecero passi audaci verso ciò che sarebbe diventata l'astrazione. Piuttosto che dipingere immagini precisamente realistiche, usarono nuove tecniche ed esagerarono le loro tavolozze di colori per trasmettere in modo bello e magistrale l'impressione dei loro soggetti, con particolare attenzione a catturare le qualità della luce.

Ma all'inizio del secolo emerse un'altra generazione di artisti, senza alcun legame con il passato agrario e senza desiderio di proseguire le tradizioni estetiche esistenti. Erano i figli dei figli della Rivoluzione Industriale. Erano completamente alienati da qualunque mondo idealistico che gli Impressionisti, per non parlare dei Romantici, cercavano di rappresentare. Questi artisti erano pieni di angoscia. I loro dipinti non ritraevano il mondo esterno oggettivo. Piuttosto, esprimevano il mondo interiore soggettivo di emozioni ed esperienze di vita.

Oskar Kokoschka - La sposa del vento, 1913 - 1914, Olio su tela, 181 cm × 220 cm, Kunstmuseum Basel

Gli espressionisti tedeschi

Quelle esperienze di vita soggettive erano dominate da ansia, paura, distacco dalla natura e alienazione dagli altri esseri umani. Poiché questa esperienza era ubiquitaria nel mondo industrializzato, varie versioni della tendenza espressionista si manifestarono in diversi paesi, tutti più o meno nello stesso periodo. Tuttavia, quando la maggior parte degli storici parla di Espressionismo si riferisce prima di tutto all'Espressionismo tedesco, poiché gli artisti che stabilirono la maggior parte delle tendenze estetiche importanti del movimento vivevano o lavoravano in Germania nel periodo di massimo splendore.

Per cercare tendenze astratte nelle opere di quegli espressionisti tedeschi, è utile analizzare i due pittori che li influenzarono maggiormente. Il primo, come abbiamo già detto, fu Edvard Munch. Il suo stile di pittura lussureggiante, oscuro, drammatico e altamente evocativo catturò la sensibilità alienata della vita urbana all'inizio del secolo. I suoi gesti esagerati e la tavolozza di colori estrema suscitavano emozioni negli spettatori e li collegavano ai sentimenti del pittore. Gustav Klimt fu l'altro pittore che ispirò gli espressionisti, ma in modo diverso. Klimt fu influenzato dai Simbolisti. Usò figure mitiche e da incubo nelle sue opere e incorporò immagini simboliche oscure. Le sue tele contenevano ampi campi di immagini astratte e gli elementi figurativi erano fortemente distorti per massimizzare il dramma e l'emozione.

Gustav Klimt - Le tre età della donna, 1905, Olio su tela, 1,8 m x 1,8 m, Galleria Nazionale d’Arte Moderna, Roma, Italia

Il Ponte

Alla fine emersero due scuole principali dell'Espressionismo tedesco, che riflettevano le diverse influenze di Munch e Klimt. La prima fu un gruppo di quattro pittori emergenti, Ernst Kirchner, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff e Fritz Bleyl, che si chiamarono Il Ponte. Il loro nome fu ispirato da una citazione del libro Così parlò Zarathustra: Un libro per tutti e per nessuno, di Friedrich Nietzsche, che recita: “Ciò che è grande nell’uomo è che egli è un ponte e non un fine.”

La figurazione distorta e le tavolozze di colori estreme unirono gli artisti de Il Ponte; influenze dirette di Edvard Munch. Le figure nelle xilografie di Erich Heckel sono isolate, stoiche e disconnesse. I loro volti rozzi sembrano animaleschi. Sembrano scheletri ambulanti. Nei paesaggi urbani scioccanti e al neon di Ernest Kirchner tutte le figure sono isolate, anonime, sole nella loro lotta, tranne le prostitute che sembrano felici, ma che rappresentano la massima mercificazione e distruzione dello spirito umano.

Ernst Ludwig Kirchner - Strada, Berlino, 1913, Olio su tela, 120,6 x 91,1 cm, Collezione MoMA

I Cavalieri Blu

L'altro gruppo principale dell'Espressionismo tedesco si chiamava I Cavalieri Blu. Includeva Wassily Kandinsky, Franz Marc e Paul Klee, tra diversi altri. Il nome derivava da una figura in un dipinto di Kandinsky chiamato Il Giudizio Universale. Il dipinto era stato rifiutato da una mostra a causa del suo contenuto astratto, così Kandinsky evocò il dipinto come riferimento simbolico.

Nel dipinto, il Cavaliere Blu simboleggiava il passaggio dall'oggettivo al mondo mistico, che Kandinsky vedeva come analogo al passaggio che lui e gli altri cercavano di realizzare con la loro arte. I pittori dei Cavalieri Blu si affidavano meno alla forma e alla figurazione e più alle qualità formali come il colore per trasmettere stati emotivi. Le loro composizioni erano drammatiche, vibranti e caotiche. Comunicano un senso di violenza e angoscia, ma suggeriscono anche uno splendore cosmico e le armonie sottostanti del regno spirituale.

Wassily Kandinsky - Il Giudizio Universale, 1912, Olio su tela, Collezione privata

L’astrazione nell’Espressionismo

È chiaro che molti espressionisti tedeschi abbracciarono pienamente l’astrazione nelle loro opere. Separarono colore, forma e linea dalla rappresentazione oggettiva, usandoli per trasmettere stati emotivi e suscitare risposte emotive negli spettatori. Ma cosa possiamo dire di astratto nelle opere espressioniste più figurative? Un elemento astratto è certamente la qualità riduttiva dei loro dipinti. Tutto ciò che non è necessario alla composizione viene eliminato. Questo esprime direttamente l’ansia dell’inizio del XX secolo. Industria e guerra fecero sentire molte persone come una massa di persone anonime, grottesche, ombrose. Chiunque fosse superfluo sembrava scomparire. Forse è questo che la gente intende quando dice che l’arte espressionista tedesca è oscura, ansiosa, spaventosa, primitiva o grezza.

Ma un altro elemento astratto dell’Espressionismo tedesco manda un messaggio opposto. Questo elemento emana dalle pennellate vorticosi e dalle immagini codificate e simboliche. Molte figure in questi dipinti sembrano inghiottite in un mondo senza senso. Sono in movimento, ma circondate dall’incertezza. Eppure sono emotive. Questo comunica qualcosa, anche se solo in modo astratto. Dice che le emozioni di una singola persona contano. Che si tratti dell’emozione del pittore, come nei dipinti di Wassily Kandinsky e Franz Marc, o delle emozioni della figura nell’opera, come nei dipinti di Edvard Munch, Erich Heckel e Ernest Kirchner, gli espressionisti comunicarono che, nonostante la tendenza della modernità a farci sentire disumanizzati, lo spirito umano individuale conta. Questa è l’indomabilità. È la convinzione che esprimersi sia sempre rilevante. È ciò che ispirò gli Espressionisti Astratti e i Neo-Espressionisti, e ciò che continua a ispirare gli artisti oggi. Ed è ciò che Ernst Kirchner intendeva quando disse degli espressionisti: “Chiunque renda direttamente e onestamente ciò che lo spinge a creare è uno di noi.”

Immagine in evidenza: Edvard Munch - L'Urlo, 1893, Olio, tempera e pastello su cartone, 91 cm × 73,5 cm, Galleria Nazionale, Oslo, Norvegia
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio