Il Tardo Espressionismo Astratto nelle Opere di Sam Francis

Alcune persone dicono che per i veri artisti, creare arte non è una scelta; è una necessità. Realizzano opere d’arte sia che vengano pagati o meno, anche se vengono ignorati. In altre parole, gli artisti fanno arte perché non possono non farla. Per quanto serio possa sembrare, Sam Francis considerava il rapporto tra artisti e creazione artistica ancora più intenso. Vedeva la creazione artistica non come qualcosa che un artista fa, ma come qualcosa che semplicemente è perché l’artista esiste. Diceva: “l’artista è la sua opera e non è più umano.” Per Francis, separare l’arte dall’artista era impossibile quanto separare la pioggia da una nuvola. La pioggia è la nuvola. L’arte è l’artista. Non c’è separazione. Sono uno.

L’Oscurità è Solo un Colore

Guardando indietro alla storia dell’Espressionismo Astratto, si nota piuttosto rapidamente che gli artisti associati ai primi giorni del movimento erano profondamente influenzati dalle ansie del loro tempo. Erano di una generazione definita dalla sofferenza e dal sacrificio, perseguitata dagli orrori della guerra e dalla paura della bomba atomica. Attraverso le loro opere cercavano sinceramente di connettersi con il loro subconscio e di esprimere i loro stati interiori. L’oscurità del loro tempo appare spesso evidente nelle loro opere, sia nella tavolozza dei colori sia nell’angoscia dei gesti, delle forme, delle trame o delle composizioni. Ma quelle stesse opere sono anche rivelatrici, conducendo gli spettatori a vivere stati di coscienza trascendenti e contemplativi. Quindi è davvero l’oscurità ciò che esprimono?

Sam Francis è associato alla seconda generazione dell’espressionismo astratto. Raggiunse la notorietà dopo essere stato incluso nella mostra 12 Artisti Americani al MoMA nel 1956, lo stesso anno in cui morì Jackson Pollock, figura di spicco del movimento iniziale. Francis iniziò a dipingere in ospedale mentre si riprendeva da una lesione spinale subita durante il servizio come pilota da caccia nella Seconda Guerra Mondiale. Dopo la guerra tornò a studiare nella sua California natale, conseguendo un Master all’UC Berkeley nel 1950. Lì incontrò alcuni pittori della prima generazione dell’Espressionismo Astratto, tra cui Mark Rothko, che insegnava alla California School of Fine Arts di San Francisco in quel periodo. Francis trovò ispirazione nell’attenzione che questi creativi dedicavano all’essere e al divenire, e nel loro impegno nella ricerca del sé autentico.

Sam Francis - Senza titolo, 1959, gouache su carta, 11,5 x 36 cm. © The Sam Francis Foundation

Il Matrimonio di Oscurità e Luce

Per Sam Francis, oscurità e luce non erano forze opposte. Erano forze complementari, o forse manifestazioni alternate della stessa qualità. Una volta disse: “un aumento della luce porta a un aumento dell’oscurità.” Stava forse dicendo che luce e oscurità sono una cosa sola? Oppure parlava del modo in cui la luce proietta un’ombra, cioè che più una luce diventa intensa, più scura è l’ombra che proietta? O si riferiva all’illuminazione, e all’impatto metafisico di rendersi conto che più impariamo, più ci rendiamo conto di quanto poco sappiamo?

Potrebbe non aver voluto dire nessuna di queste cose. Disse anche: “Il colore nasce dall’interpenetrazione di luce e oscurità.” Quindi è possibile che stesse semplicemente parlando di contrasti, e di come lo spazio bianco su una tela esprima l’oscurità della pittura. In ogni caso, i suoi commenti offrono almeno una prospettiva sfumata da cui interpretare l’apparente oscurità del movimento espressionista astratto in generale. E ci danno un punto di partenza per comprendere come affrontò oscurità, luce e colore nelle sue stesse opere.

Sam Francis - SF 70 42, 1970. © The Sam Francis Foundation

12 Pittori Americani

Francis espose sette dipinti nella sua mostra di gruppo di debutto al MoMA. Erano di dimensioni enormi. Il più piccolo superava i due metri di altezza e il più grande misurava più di tre metri per tre. Tutti i dipinti avevano nomi di colori: Blu Nero, Giallo, Grande Rosso, Nero nel Rosso, Rosso nel Rosso, Grigio e Arancione Profondo su Nero. Ognuno di questi dipinti condivideva un’estetica comune, che stabilì Francis come un pittore con uno stile visivo definito. Erano composti da forme biomorfiche stratificate arricchite da gocce libere.

Queste tele avvolgono gli spettatori nelle composizioni. La voce delle opere ridefinisce la parola composizione, spostando l’attenzione dall’ordinamento degli elementi estetici a ciò che significa sentirsi composti. Emanano un senso di controllo, di fiducia e di armonia. Trasmettono la sensazione che tutto ciò che è necessario per comprendere il dipinto sia contenuto nello spazio della tela. Eppure la loro natura sensuale e personale ci invita a un’esplorazione più profonda di ciò che rimane nascosto all’interno.

Sam Francis - Arancione Profondo su Nero, 1955, olio su tela. © The Sam Francis Foundation

Contenimento

Non appena Sam Francis divenne noto per la sua estetica unica, la superò. Ampliò la sua tavolozza includendo una gamma vivida di colori puri e brillanti. E esplorò molteplici approcci alla composizione, inclusa la rappresentazione biomorfica in una serie di opere chiamata Palle Blu, che presenta sfere blu prominenti ispirate alla sua lotta contro una malattia renale. A metà degli anni Sessanta, arrivò a un altro idioma estetico distinto caratterizzato da pennellate colorate ai bordi dei suoi dipinti che circondano uno spazio bianco quasi vuoto all’interno.

Queste opere parlano direttamente ed elegantemente alle nozioni che Francis esprimeva riguardo alla leggerezza e all’oscurità. Lo spazio bianco aumentato, o leggerezza, intensifica l’espressione dell’oscurità trasmessa dal colore. Il colore è ridotto al minimo eppure definisce l’immagine. Questi quadri sfidano la natura uniforme di molte opere espressioniste astratte. Parlano del nulla e del potere della sfumatura, e attirano l’attenzione su ciò che non viene espresso.

Sam Francis - Senza titolo, 1965, gouache su carta (sinistra) e Sam Francis - Senza titolo (SF-106A), 1969, litografia (destra). © The Sam Francis Foundation

Senza Freni

Per la maggior parte della sua carriera, Francis evitò la scena artistica di New York, preferendo vivere e lavorare a Parigi, Tokyo e California. Non si lasciava frenare dalle mode. Usava le tecniche associate alla pittura d’azione, come gocciolature, versamenti e schizzi, e usava anche la macchiatura e lavorava con pennelli tradizionali. Realizzò stampe, litografie e monotipi, lavorando con una varietà di mezzi e superfici. E fece evolvere instancabilmente il suo stile compositivo. Negli anni Settanta e Ottanta spesso includeva forme geometriche nei suoi dipinti, e a volte dipingeva anche opere geometriche a bordi netti.

È ricordato soprattutto per i dipinti a schizzi dai colori vivaci che creò negli anni Ottanta. La loro adesione a tecniche abbandonate da molti altri pittori della sua generazione li distingueva con sicurezza. Le loro qualità primitive dialogavano con le opere neo-espressioniste di pittori come Basquiat. La loro tavolozza richiamava quella della Pop Art e degli Imagisti di Chicago. E le loro immagini evocavano la storia dell’arte astratta, richiamando pittori come Miró, Calder e Gorky.

Sam Francis - Senza titolo, 1983, monotipo (sinistra) e Sam Francis - Senza titolo (SF-330), 1988, litografia su carta vergata (destra). © The Sam Francis Foundation

Oltre la Seconda Generazione

Sam Francis non cessò mai la sua evoluzione artistica personale. Anche dopo aver perso l’uso della mano destra poco prima della sua morte, imparò a dipingere con la mano sinistra e si dedicò alla creazione di un vasto nuovo corpus di opere che continuò fino alla sua scomparsa. Pur cambiando il suo stile estetico, non abbandonò mai i principi essenziali dell’espressionismo astratto. Nel suo impegno verso di esso, tuttavia, trasformò fondamentalmente ciò che l’espressionismo astratto poteva essere. Non che lo alterò. Mantenne i suoi elementi integrali. Non smise mai di dipingere intuitivamente, di connettersi con il proprio stato interiore e di interagire con la tela come un’arena in cui si svolge un evento. Ma aggiunse anche alla definizione. Ciò che aggiunse è riassunto bene nella sua stessa descrizione di cosa sia la pittura: “La pittura riguarda la bellezza dello spazio e il potere del contenimento.”

Tutto è racchiuso in queste quattro parole: bellezza, spazio, potere e contenimento. Sam Francis inseguì la bellezza senza vergogna. Abbracciò sia i limiti sia le possibilità di uno spazio definito. Riconobbe e si assunse la responsabilità personale della realtà primordiale della ricerca umana del potere. E, infine, espresse la fiducia e la sicurezza insite nella sensazione che qualcosa sia stato contenuto. Confronta questo con ciò che Jackson Pollock disse una volta della pittura: “Il dipinto ha una vita propria. Cerco di lasciarlo emergere.” Oltre a tutto il resto di cui parlava il loro lavoro, Pollock e la prima generazione di espressionisti astratti erano senza freni nella loro sperimentazione. Stavano tenendo una tigre selvaggia per la coda, entusiasti di scoprire cosa avrebbe fatto dopo, completamente aperti alle possibilità, e soprattutto impegnati a mantenerla il più selvaggia possibile per il maggior tempo possibile. Sam Francis aiutò a domare la tigre. Facendo ciò, diede anche alle generazioni successive di artisti il permesso di definire cosa significhi per loro l’espressionismo astratto.

Immagine in evidenza:Sam Francis - Senza titolo, 1962, acrilico e gouache su carta. © The Sam Francis Foundation
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio