Il Tardo Espressionismo Astratto nelle Opere di Sam Francis

Alcune persone dicono che per i veri artisti, fare arte non è una scelta; è una compulsione. Creano opere d'arte che siano pagati o meno, anche se vengono ignorati. In altre parole, gli artisti fanno arte perché non possono non fare arte. Per quanto serio possa sembrare, Sam Francis considerava la relazione tra artisti e creazione artistica ancora più intensa. Vedeva la creazione artistica non come qualcosa che un artista fa, ma come qualcosa che semplicemente è perché l'artista è. Disse: “l'artista è la sua opera e non è più umano.” Per Francis, separare l'arte da un artista era impossibile quanto separare la pioggia da una nuvola. La pioggia è la nuvola. L'arte è l'artista. Non c'è separazione. Sono uno.

L'oscurità è solo un colore

Quando si guarda indietro alla storia dell'Espressionismo Astratto, diventa evidente piuttosto rapidamente che gli artisti associati ai primi giorni del movimento furono profondamente influenzati dalle ansie del loro tempo. Erano di una generazione definita dalla sofferenza e dal sacrificio, perseguitata dagli orrori della guerra e dalla paura della bomba atomica. Attraverso le loro opere d'arte hanno tentato sinceramente di connettersi con il loro subconscio e di esprimere i loro stati interiori. L'oscurità del loro tempo sembra spesso evidente nella loro arte, sia nella palette di colori che nell'angoscia dei gesti, delle forme, delle texture o delle composizioni. Ma quelle stesse opere sono anche rivelatorie, portando gli spettatori a vivere stati di coscienza trascendenti e contemplativi. Quindi, esprimono davvero oscurità?

Sam Francis è associato alla seconda generazione dell'espressionismo astratto. È salito alla ribalta dopo essere stato incluso nella mostra 12 American Artists al MoMA nel 1956, lo stesso anno in cui Jackson Pollock, la figura di spicco del movimento iniziale, morì. Francis iniziò a dipingere in ospedale mentre si riprendeva da un infortunio alla spina dorsale subito mentre prestava servizio come pilota da caccia nella Seconda Guerra Mondiale. Dopo la guerra tornò a scuola nella sua California natale, conseguendo un Master presso l'UC Berkeley nel 1950. Mentre era lì incontrò alcuni pittori della prima generazione di espressionisti astratti, tra cui Mark Rothko, che insegnava alla California School of Fine Arts di San Francisco in quel periodo. Francis trovò ispirazione nel focus che questi creativi avevano sull'essere e diventare, e nel loro impegno nella ricerca del sé autentico. 

Sam Francis - Untitled, 1959, gouache on paper, 11.5 x 36 cm. © The Sam Francis Foundation

Il Matrimonio di Ombra e Luce

Per Sam Francis, oscurità e luce non erano forze opposte. Erano forze complementari, o forse anche manifestazioni fluttuanti della stessa qualità. Una volta disse: “Un aumento di luce comporta un aumento di oscurità.” Stava forse dicendo che luce e oscurità sono una cosa sola? O stava parlando del modo in cui la luce proietta un'ombra, significando che più una luce diventa brillante, più scura è l'ombra che proietta? O si riferiva all'illuminazione e all'impatto metafisico di rendersi conto che più apprendiamo, più ci rendiamo conto di quanto poco sappiamo?

Non avrebbe potuto intendere nessuna di quelle cose. Ha anche detto una volta: “Il colore nasce dall'interpenetrazione della luce e dell'oscurità.” Quindi è possibile che stesse semplicemente parlando di contrasti e di come lo spazio bianco su una tela esprima l'oscurità della vernice. In ogni caso, i suoi commenti offrono almeno una prospettiva sfumata da cui interpretare l'apparente oscurità del movimento espressionista astratto in generale. E ci danno un punto di partenza per comprendere il modo in cui ha affrontato l'oscurità, la luce e il colore nelle sue stesse opere.

Sam Francis - SF 70 42, 1970. © The Sam Francis Foundation

12 Pittori Americani

Francis ha mostrato sette dipinti nella sua mostra di gruppo al MoMA. Erano di dimensioni enormi. Il più piccolo era alto più di sei piedi e il più grande misurava più di dodici piedi per dieci piedi. I dipinti erano tutti nominati per colori: Blue Black, Yellow, Big Red, Black in Red, Red in Red, Gray, e Deep Orange on Black. Ognuno di questi dipinti condivideva un'estetica comune, che ha stabilito Francis come un pittore con uno stile visivo definito. Erano composti da forme biomorfiche stratificate arricchite da gocce sfrenate.

Questi telai avvolgono gli spettatori nelle composizioni. La voce delle opere ridefinisce la parola composizione, per concentrarsi meno sull'arrangiamento degli elementi estetici e più su cosa significa sentirsi composti. Emana un senso di controllo, di fiducia e di armonia. Trasmettono la sensazione che tutto ciò che è necessario comprendere del dipinto è contenuto nello spazio della tela. Eppure, la loro natura sensuale e personale ci invita a un'esplorazione più profonda di ciò che rimane nascosto all'interno.

Sam Francis - Deep Orange on Black, 1955, oil on canvas. © The Sam Francis Foundation

Contenimento

Non appena Sam Francis divenne noto per la sua estetica unica, andò oltre. Espanse la sua tavolozza di colori per includere una gamma vivace di colori brillanti e puri. E esplorò una moltitudine di approcci alla composizione, inclusa la rappresentazione biomorfica in una serie di opere chiamate Blue Balls, che presentano orbite blu prominenti ispirate alla sua lotta contro la malattia renale. A metà degli anni '60, arrivò a un altro distinto idioma estetico caratterizzato da pennellate colorate attorno ai bordi dei suoi dipinti che circondano uno spazio bianco quasi vuoto all'interno.

"Queste opere parlano direttamente ed elegantemente alle nozioni espresse da Francis riguardo alla leggerezza e all'oscurità. L'aumento dello spazio bianco, o leggerezza, intensifica l'espressione dell'oscurità che viene trasmessa attraverso il colore. Il colore è minimizzato eppure definisce l'immagine. Queste immagini sfidano la natura totale di così tante opere dell'espressionismo astratto. Parlano del nulla e del potere delle sfumature, e portano attenzione a ciò che non viene espresso."

Sam Francis - Untitled, 1965, gouache on paper (Left) and Sam Francis - Untitled (SF-106A), 1969, lithograph (Right). © The Sam Francis Foundation

Senza ritegno

Per gran parte della sua carriera, Francis evitò la scena artistica di New York, preferendo vivere e lavorare a Parigi, Tokyo e in California. Non era vincolato dalle tendenze. Utilizzava le tecniche associate alla pittura d'azione, come il dripping, il pouring e lo splattering, e usava anche la macchia e lavorava con pennelli tradizionali. Realizzava stampe, litografie e monotipi, lavorando con una gamma di diversi medium e superfici. E evolveva instancabilmente il suo stile compositivo. Negli anni '70 e '80 includeva spesso forme geometriche nei suoi dipinti, e talvolta dipingeva anche opere geometriche hardedge.

È ricordato più spesso per i dipinti a spruzzo dai colori vivaci che ha creato negli anni '80. La loro aderenza a tecniche da tempo abbandonate da molti altri pittori della sua generazione li distingue con sicurezza. Le loro qualità primitive conversavano con le opere neo-espressioniste di pittori come Basquiat. La loro palette di colori richiamava quella della Pop Art e degli Immagisti di Chicago. E la loro iconografia evocava la storia dell'arte astratta, richiamando pittori come Miro, Calder e Gorky.

Sam Francis - Untitled, 1983, monotype (Left) and Sam Francis - Untitled (SF-330), 1988, lithograph on wove paper (Right). © The Sam Francis Foundation

Oltre la Seconda Generazione

Sam Francis non ha mai smesso la sua evoluzione artistica personale. Anche dopo aver perso l'uso della mano destra poco prima della sua morte, ha imparato a dipingere con la sinistra e si è dedicato alla creazione di un ampio nuovo corpo di opere che ha continuato fino alla sua morte. Nonostante abbia cambiato il suo stile estetico, non ha mai abbandonato i principi essenziali dell'espressionismo astratto. Nella sua dedizione a esso, però, ha anche trasformato fondamentalmente ciò che l'espressionismo astratto poteva essere. Non si può dire che lo abbia alterato. Ha mantenuto i suoi elementi integrali. Non ha mai smesso di dipingere in modo intuitivo, di connettersi con il proprio stato interiore e di interagire con la tela come un'arena in cui si verifica un evento. Ma ha anche aggiunto alla definizione. Ciò che ha aggiunto è riassunto bene nella sua stessa descrizione di cosa sia la pittura: “La pittura riguarda la bellezza dello spazio e il potere del contenimento.”

Tutto si riassume nelle quattro parole: bellezza, spazio, potere e contenimento. Sam Francis ha perseguito senza vergogna la bellezza. Ha abbracciato sia le limitazioni che le possibilità di uno spazio definito. Ha riconosciuto e si è assunto la responsabilità personale per la realtà primordiale della ricerca umana di potere. E, infine, ha espresso la fiducia e la sicurezza insite nel senso che qualcosa è stato contenuto. Confronta questo con ciò che Jackson Pollock disse una volta riguardo alla pittura: “La pittura ha una vita propria. Cerco di lasciarla emergere.” Oltre a tutto il resto, il loro lavoro riguardava, Pollock e la prima generazione di espressionisti astratti erano sfrenati nella loro sperimentazione. Stavano tenendo una tigre selvaggia per la coda, entusiasti di scoprire cosa potesse fare dopo, completamente aperti alle possibilità e, soprattutto, impegnati a mantenerla il più selvaggia possibile per il maggior tempo possibile. Sam Francis ha aiutato a domare la tigre. Facendo ciò, ha anche dato alle generazioni successive di artisti il permesso di definire cosa significhi per loro l'espressionismo astratto.

Immagine in evidenza:Sam Francis - Senza titolo, 1962, Acrilico e gouache su carta. © The Sam Francis Foundation
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park