Come Arshile Gorky scoprì l'astrazione

Dove saremmo senza il camuffamento? Ha aiutato gli Alleati a vincere la Seconda Guerra Mondiale ed è diventato da allora onnipresente nella strategia militare. E ci sono altri tipi di camuffamento oltre a quelli usati in guerra. Gli animali usano il camuffamento. Anche le piante. E che dire del camuffamento emotivo? L'artista astratto Arshile Gorky era un maestro del camuffamento. Negli anni precedenti alla Seconda Guerra Mondiale, Gorky era uno dei tanti artisti invitati dal governo americano a partecipare allo sviluppo di tecniche di camuffamento efficaci per soldati, veicoli e navi. Gorky organizzò persino un gruppo di artisti di New York per preparare le loro abilità di camuffamento per contribuire pacificamente allo sforzo bellico. E nel 1941 insegnò un corso sul camuffamento alla Grand Central School of Art. Nella descrizione del corso scrisse: “Ciò che il nemico distruggerà… deve prima vedere. Confondere e paralizzare questa visione è il ruolo del camuffamento.” Betty Parsons, proprietaria della galleria omonima di Manhattan, frequentò il corso di camuffamento di Gorky e osservò anni dopo che, “Gorky probabilmente sapeva più di estetica di chiunque altro avessi mai incontrato nella mia vita.” Ma la varietà visiva era solo un tipo di camuffamento di cui Gorky era maestro. Camuffò anche la sua vita, falsificando il suo nome, la sua biografia e il suo curriculum. E per decenni, fino a pochi anni prima della sua tragica morte, camuffò persino la sua autentica voce artistica.

Semi di sofferenza

La storia di Arshile Gorky inizia come la storia di Vosdanig Adoian, un ragazzo nato da genitori contadini nella Turchia ottomana in qualche momento dei primi quattro anni del 20° secolo. Vosdanig viveva in un paese bellissimo, pieno di giardini, corsi d'acqua e salici. Fin da giovane ha colto ogni occasione per studiare arte al fine di copiare le belle cose che vedeva. Secondo sua sorella, il giovane Vosdanig disegnava persino nel sonno, la sua mano si muoveva come se tenesse una matita mentre sognava.

Quando Vosdanig aveva circa sei anni, suo padre partì per l'America. La famiglia doveva seguirlo, ma prima che potessero, scoppiò la Prima Guerra Mondiale. Il governo turco iniziò un genocidio sistematico degli armeni turchi. Per i successivi cinque anni, Vosdanig e la sua famiglia fuggirono da un campo profughi all'altro, slogandosi nel fango e soffrendo di malattie. Dopo anni di orrore, la famiglia provata di Vosdanig trovò rifugio nella relativa sicurezza di una stanza abbandonata e senza tetto in Russia. In quella stanza, Vosdanig vide morire sua madre, che stava morendo di fame.

Arshile Gorky - Giardino a Sochi, c. 1943. Olio su tela. 31 x 39" (78,7 x 99 cm). Acquisito tramite il lascito di Lillie P. Bliss (per scambio). Il Museum of Modern Art, New York. © 2018 Estate of Arshile Gorky / Artists Rights Society (ARS), New York

Diventare Arshile Gorky

Dopo la morte della madre, Vosdanig e le sue sorelle fuggirono dalla Russia in barca. Dopo un anno trascorso da porto a porto, arrivarono in America dove la famiglia li aspettava nel Massachusetts. Come spesso accadeva, gli ufficiali dell'immigrazione a Ellis Island sbagliarono il nome del loro piccolo gruppo di sopravvissuti, chiamando Vosdanig “Vartanouche.” Questo non sarebbe stato il suo ultimo cambiamento di nome. Avrebbe trascorso il resto della sua vita a modificare la sua identità nel tentativo di superare la tragedia del suo passato. 

Una volta stabilitosi in America, Vosdanig tornò alla sua passione per l'arte. Frequentava musei e si iscrisse alla New School of Design and Illustration di Boston. Artista realistico esperto, si sosteneva disegnando immagini per soldi sul marciapiede. Le sue abilità erano così impressionanti che gli amministratori della New School lo invitarono a tornare dopo la laurea per insegnare disegno dal vivo. Fu lì, nel 1924, durante la ricreazione, che Vosdanig dipinse Park Street Church, Boston, e lo firmò “Gorky, Arshele,” il primo uso di uno pseudonimo che sarebbe poi diventato Arshile Gorky.

Arshile Gorky - Notte, Enigma e Nostalgia, 1931-1932. Penna e pennello e inchiostro su tavola. 26 1/16 × 34 1/8 in. Museo Whitney d'Arte Americana, New York City, NY, US. © 2018 Eredità di Arshile Gorky / Artists Rights Society (ARS), New York

La New York di Gorky

Non molto dopo aver scelto il suo nuovo nome, Gorky ricevette l'opportunità di rifare il resto della sua storia di vita. Si trasferì a New York per insegnare nel nuovo campus di Broadway della New School. Affascinato da New York, intraprese quelli che chiamava "apprendistati" con i maestri che ammirava, in particolare Cezanne e Picasso, sedendo davanti ai loro dipinti nei musei e copiando meticolosamente le loro opere. Due anni dopo ottenne il suo lavoro di insegnante nella Scuola di Pittura e Disegno della Grand Central School of Art. La sua biografia presso la scuola lo elenca come un nativo russo che ha studiato a Parigi e il cui lavoro era stato incluso in molteplici mostre: tutto ciò è una menzogna.

Le ragioni delle bugie di Gorky potrebbero essere state radicate nella paura. Sicuramente temeva le ripercussioni per essere un immigrato. E doveva temere di non essere preso sul serio senza un pedigree impressionante. Ha lottato incessantemente per guadagnarsi da vivere a New York. Il suo lavoro di insegnante pagava poco, e il mondo dell'arte di New York non mostrava quasi alcun interesse per il lavoro degli immigrati. La maggior parte delle gallerie e dei musei voleva il Modernismo europeo o l'arte popolare americana. Ciò che Gorky e i suoi contemporanei stavano creando era da qualche parte nel mezzo, una sorta di melting pot di influenze e stili.

Arshile Gorky - Argula, 1938. Olio su tela. 15 x 24" (38,1 x 61 cm). Credito Dono di Bernard Davis. Museo di Arte Moderna, New York. © 2018 Eredità di Arshile Gorky / Artists Rights Society (ARS), New York

Sfondare

Nonostante le sue difficoltà, Gorky era immensamente appassionato e parlava poeticamente della promessa del Modernismo. Attirò a sé molti dei più grandi artisti di New York con la forza della sua personalità. I suoi conoscenti includevano Lee Krasner, Isamu Noguchi, André Breton e Willem de Kooning, che una volta disse, “[Gorky] sapeva molto di più sulla pittura e sull'arte—lo sapeva semplicemente per natura—cose che avrei dovuto sapere, sentire e comprendere. . . . Aveva un dono straordinario per colpire nel segno.”

Fortunatamente per Gorky e il resto di questi artisti, due nuovi musei aprirono a New York all'inizio degli anni '30: il Whitney e il MoMA. Una delle prime esposizioni di Gorky fu una mostra collettiva di artisti contemporanei sotto i 35 anni al MoMA. Il catalogo di quella esposizione offre un'altra versione diversa della sua città natale, oltre alla falsa affermazione che studiò sotto il pittore Wassily Kandinski. Nonostante la bellezza e la maestria ovvie del lavoro di Gorky, i critici lo definirono derivativo. Gorky era così abile nel copiare che stava incorporando elementi di altri artisti astratti nei suoi dipinti. Forse le sue false affermazioni sui suoi apprendistati erano tentativi di giustificare questo ai suoi critici.

Arshile Gorky - La foglia del carciofo è un gufo, 1944. Olio su tela. 28 x 35 7/8" (71,1 x 91,2 cm). Credito Fondo della Collezione Sidney e Harriet Janis. Museo di Arte Moderna, New York. © 2018 Patrimonio di Arshile Gorky / Artists Rights Society (ARS), New York

Vivere il sogno

Il processo che alla fine portò alla svolta di Gorky iniziò nel 1936 quando lesse il libro di Julien Levy sul Surrealismo. Gorky iniziò a sperimentare con il disegno automatico, aprendo se stesso al suo autentico io subconscio. Nei successivi otto anni, attraverso una moltitudine di battute d'arresto dovute a relazioni fallite, problemi di denaro e all'inizio della Seconda Guerra Mondiale, Gorky sviluppò la sua ricerca del suo io interiore. Nel 1944 sviluppò quello che sarebbe stato riconosciuto come il suo stile maturo e unico. Era informato dalla tecnica surrealista ma si basava su un linguaggio visivo completamente astratto.

Con l'aiuto del suo amico André Breton, Gorky aggiunse titoli profondamente personali alle sue nuove opere, che conferivano loro una qualità espressiva che sfidava la loro natura astratta. I titoli trasmettevano ciò che era infine la narrativa veritiera della sua storia di vita. Tra gli anni 1944 e 1948 dipinse opere che sarebbero state considerate i suoi capolavori, come Il fegato è la cresta del gallo, Come il grembiule ricamato di mia madre si dispiega nella mia vita, e Acqua del mulino fiorito.

Arshile Gorky - Sommazione, 1947, Matita, pastello e carbone su carta color crema montata su tavola composita. 6' 7 5/8" x 8' 5 3/4" (202,1 x 258,2 cm). Credito Nina e Gordon Bunshaft Fund. Museo di Arte Moderna, New York. © 2018 Estate of Arshile Gorky / Artists Rights Society (ARS), New York

Successo agrodolce

Finalmente trovato la sua voce, Gorky divenne associato con i più influenti artisti del suo tempo. Fu incluso nell'articolo “Cinque Pittori Americani” in Harper’s Bazaar insieme a Jackson Pollock. E dopo un'esposizione che includeva il suo lavoro insieme a quello di Mark Rothko e Lee Krasner, il proprietario della galleria osservò: “Credo che vediamo la vera pittura americana iniziare ora.” La miscela di espressione personale e subconscia di Gorky e immagini astratte divenne il marchio che molti storici si riferiscono come l'inizio dell'Espressionismo Astratto.

Ma all'apice del suo successo, la vita di Gorky tornò di nuovo tragica. In un arco di soli due anni, un incendio distrusse il suo studio, cancellando dozzine di opere d'arte e tutti i suoi libri preferiti; gli fu diagnosticato un cancro e subì un intervento chirurgico; suo padre morì; poi, durante una tempesta, Gorky ebbe un incidente d'auto e si ruppe il collo. Dopo l'incidente, Gorky temeva di non poter mai più dipingere. La sua depressione portò sua moglie a crollare. Lo lasciò e portò via i bambini. Giorni dopo, Gorky rimosse il collare e si impiccò. Il suo biglietto di suicidio diceva: “Addio miei amati.”

Considerando la sua vita tragica, le libertà che Gorky si prese con la realtà possono essere perdonate. Non mentì, tanto quanto astrasse. Come disse, “La sostanza del pensiero è il seme dell'artista... L'astrazione permette all'uomo di vedere con la mente ciò che non può vedere fisicamente con gli occhi... È l'emancipazione della mente. È un'esplosione in aree sconosciute.” Il genio di Gorky nel nascondere i fatti grotteschi della realtà oggettiva ispirò la sua trasformazione in uno degli artisti astratti americani più influenti del XX secolo. Attraverso l'immaginazione e l'esagerazione, creò un camuffamento per la sua mente, da cui emerse per incarnare il massimo traguardo per un artista astratto: attraverso l'oscuramento espresse la verità.

Immagine in evidenza: Arshile Gorky - Il fegato è la cresta del gallo, 1944, Il fegato è la cresta del gallo (1944). Olio su tela. Supporto: 73 1/4 x 98 3/8 pollici (186.055 x 249.8725 cm); incorniciato: 75 3/16 x 100 3/8 x 2 3/4 pollici (190.98 x 254.95 x 6.99 cm). Collezione Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, New York. Dono di Seymour H. Knox, Jr., 1956. © 2018 Patrimonio di Arshile Gorky / Artists Rights Society (ARS), New York.
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park