Mel Bochner e Il Lato Diverso del Linguaggio

Le parole sono una risorsa preziosa. Sono un deposito di significato. Permettono alle società di sviluppare culture. Ci aiutano a esprimere sentimenti, spiegare il passato e fare progetti per il futuro. Eppure le parole possono anche essere facilmente usate in modo errato, causando confusione o addirittura disastri. L’artista concettuale Mel Bochner ha dedicato gran parte della sua carriera all’esplorazione del mezzo delle parole. Non che Bochner sia esattamente uno scrittore. Piuttosto, si dedica a qualcosa di simile a una versione estetica astratta della semiotica. La semiotica è lo studio dei simboli; come vengono usati, cosa comunicano e i vari modi in cui possono essere interpretati. Bochner crea fenomeni estetici che usano elementi simbolici come le parole in modi non legati al loro contesto abituale. Appropriandosi di simboli comuni e presentandoli come astrazioni, Bochner offre agli spettatori l’opportunità di interpretare questi simboli e il loro contesto in modi nuovi. Dopotutto, cosa sono le parole scritte e i simboli se non forme, trame e motivi disposti su una superficie o nello spazio? Bochner da tempo evita di spiegare la sua arte. Essa certamente si presta a un’interpretazione letterale, poiché usa il linguaggio, ma può anche essere interpretata concettualmente. Non rivelando le sue intenzioni complete, apre l’opera a una gamma molto più ampia di esperienze. Crea opportunità per studiarci a vicenda mentre studiamo la sua arte, trasformando ogni mostra in un esperimento di semiotica dal quale possono emergere livelli illimitati di significato.

Il Potere delle Idee

In un mondo pieno di informazioni contraddittorie, come facciamo a sapere cosa credere? L’epistemologia è lo studio della differenza tra credenze giustificate (note come “verità”) e credenze ingiustificate (note come “opinioni”). Gli epistemologi conoscono la verità più importante di tutte: che la mente umana è capace di convincersi a credere a qualsiasi cosa. Con il giusto tipo di persuasione le persone possono essere convinte a dubitare della propria esistenza. Questa caratteristica fondamentale della nostra natura è ciò che ci dà l’immaginazione. È ciò che ci permette di accumulare e condividere conoscenza, di imparare, creare e ampliare le capacità della nostra specie. Ma è anche ciò che ci permette di diventare illusi, ignorare minacce evidenti e essere messi l’uno contro l’altro con falsità.

L’essenza dell’epistemologia è la stessa dell’arte concettuale: le idee. Ogni credenza, ogni edificio, ogni libro, ogni bomba e ogni proiettile è stato una volta solo un’idea nella testa di qualcuno. Gli epistemologi analizzano i modi in cui gli esseri umani interagiscono con idee specifiche; non mettono in discussione la base metafisica di quelle idee né tentano di manifestare le nature eteree delle idee come fenomeni concreti. Ma quando l’arte concettuale emerse negli anni Sessanta, il suo scopo era proprio quello. Come spiegato da Joseph Beuys, uno dei pionieri del movimento, l’idea è la parte più importante di un’opera d’arte concettuale. Beuys disse: “il resto è il prodotto di scarto, una dimostrazione. Se vuoi esprimerti devi presentare qualcosa di tangibile. Ma dopo un po’ questo ha solo la funzione di documento storico. Gli oggetti non sono più molto importanti. Voglio arrivare all’origine della materia, al pensiero che sta dietro.”

Mel Bochner e la sua mostra Working Drawings And Other Visible Things On Paper Not Necessarily Meant To Be Viewed As Art, 1966. © Mel Bochner

Mel Bochner e la Prima Mostra di Arte Concettuale

Nato a Pittsburgh nel 1940, Mel Bochner studiò arte alla Carnegie Mellon University nei primi giorni dell’Arte Concettuale. Dopo la laurea, proseguì gli studi in filosofia alla Northwestern University in Illinois. Quando si trasferì a New York a 24 anni per diventare artista, il suo primo lavoro in città fu come guardiano al Museo Ebraico, un lavoro che per inciso fu svolto da diversi artisti famosi della sua generazione. All’epoca il Museo Ebraico aveva la reputazione di mostrare l’arte americana contemporanea più all’avanguardia. Mentre svolgeva i suoi compiti, Bochner poteva osservare le opere dei principali modernisti. Tra le opere che vide c’era White Flag di Jasper Johns, un dipinto famoso per aver trasformato un simbolo iconico in una forma astratta cambiandone il contesto.

Mel Bochner - Autoritratto, 1966. © Mel Bochner

Nel 1966, due anni dopo essersi trasferito a New York, Bochner ebbe la sua prima mostra personale nella galleria della School of Visual Arts, dove aveva preso un incarico di insegnamento. La mostra si basava molto sul concetto di Johns di ricontestualizzare simboli comuni come oggetti d’arte. Per la mostra, Bochner raccolse copie di disegni, ricevute, documenti tecnici e altri materiali stampati e li organizzò in quattro raccoglitori neri. Presentò i raccoglitori su piedistalli e intitolò la mostra Working Drawings And Other Visible Things On Paper Not Necessarily Meant To Be Viewed As Art. Fu una mostra rivoluzionaria. Sebbene Joseph Beuys avesse presentato il suo pezzo concettuale How to Explain Pictures to a Dead Hare un anno prima, lo storico dell’arte di Harvard Benjamin Heinz-Dieter Buchloh dichiarò comunque la mostra di Bochner la prima mostra di arte concettuale, forse perché l’opera di Beuys era tecnicamente una performance.

Mel Bochner - Ripetizione: Ritratto di Robert Smithson, 1966 

Cosa C’è in una Parola

Dopo la sua mostra di successo, Bochner iniziò a realizzare quelli che chiamava “ritratti”, fogli di carta millimetrata pieni di parole sinonime. I ritratti potevano essere interpretati letteralmente secondo qualunque reazione viscerale le parole suscitassero in uno spettatore. Oppure, come con i materiali nei suoi raccoglitori, potevano essere visti semplicemente come astrazioni. Il suo Autoritratto elencava 23 sinonimi di sé accanto a 23 sinonimi di ritratto. La forma dell’insieme delle parole sulla carta somiglia vagamente a quella di una testa umana.

Mel Bochner - Misura: 180 Gradi, spago, chiodi e carbone su muro, 1968. © Mel Bochner

Molti dei ritratti che Bochner realizzò erano di artisti che ammirava o con cui era amico. Il ritratto che fece dell’artista della terra Robert Smithson consiste in sinonimi di ripetizione disposti in un motivo estetico ripetitivo. È facile vedere quest’opera semplicemente in termini delle sue qualità estetiche, concentrandosi sullo spazio positivo e negativo sulla superficie, come uno spettatore potrebbe interpretare gli elementi di una delle opere di Smithson, come le rocce di basalto e il fondo del lago esposto che insieme formano lo Spiral Jetty di Smithson.

Mel Bochner - Misura: Stanza, nastro adesivo e letraset su muro, 1969. © Mel Bochner

Misure del Successo

Le nostre interpretazioni di molte delle prime opere di Bochner si basano molto sui messaggi specifici normalmente trasmessi dalle parole e dalle immagini che ha preso in prestito. Se riusciamo a liberarci da quell’influenza e considerare i suoi simboli puramente come oggetti estetici, possiamo sperimentare nuovi livelli di contemplazione. Per esempio, possiamo meravigliarci che parole e lettere esistano affatto e stupirci delle varie forme che hanno assunto, e riflettere sul significato dei simboli che altre culture hanno sviluppato per trasmettere significati simili.

In una serie di mostre iniziate nel 1968, Bochner affrontò il fenomeno delle misure. Invece di usare uno spazio espositivo per mostrare oggetti, usò nastro adesivo, spago e marcatori Letraset per documentare le misure di vari elementi architettonici all’interno dello spazio. Invece di svolgere la loro solita funzione utilitaria, le misure divennero segni astratti che potevano essere visti puramente come fenomeni estetici. Inoltre, attirando l’attenzione degli spettatori sulle dimensioni invisibili del loro ambiente piuttosto che su un oggetto all’interno di esso, le misure realizzarono ciò che artisti come Lucio Fontana cercarono di ottenere, cioè trasformare lo spazio in forma.

Mel Bochner - If / And / Either / Both (Or), olio e caseina su 28 tele pre-tese, 1998. © Mel Bochner

Funzione Congiunzione

Chi osserva l’opera di Bochner risponde in molti modi diversi. Bochner ricordò una volta di aver visto veterani di guerra commuoversi alla vista del suo dipinto composto da sinonimi della parola “morire”. Alcuni spettatori interpretano tutti i simboli conosciuti come concreti e rispondono emotivamente al loro contenuto, indipendentemente dal contesto. Ma altri sembrano capaci di rispondere ai simboli di Bochner solo come forme: segnaposto per mezzo e trama su una superficie. Ed è anche possibile considerare una terza interpretazione, che riguarda non il significato dei simboli usati da Bochner ma il valore metafisico del suo concetto complessivo.

Le connessioni avvengono ogni volta che gli esseri umani vedono immagini. Chiamiamo queste connessioni congiunzioni; esse collegano un fenomeno esperienziale con un altro. Diamo per scontato nella nostra vita quotidiana di aver addestrato il cervello a interpretare correttamente le congiunzioni per sopravvivere nell’ambiente estetico complesso che abitiamo. Abbiamo poco tempo durante la nostra ricerca di sostentamento per fermarci a considerare se siamo soddisfatti della nostra costruzione della realtà. Ricontestualizzando i simboli e i segni della nostra cultura, Bochner ci offre l’opportunità di fermarci, considerare la nostra costruzione sociale da nuove prospettive e riflettere su noi stessi. Ci offre un ambiente sicuro e intellettualizzato, lontano dal pericolo della vita quotidiana, in cui porci domande importanti come cosa stiamo facendo, cosa stiamo dicendo, cosa stiamo creando e cosa significa tutto questo?

Immagine in evidenza: Mel Bochner - Do I Have to Draw You a Picture, 2013. © Mel Bochner
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio