Perché l'arte di Georg Baselitz è essenzialmente astratta?

L'arte di Georg Baselitz è stata definita scioccante, controversa e grottesca. È stata anche definita epica e tra le arti tedesche più influenti a livello internazionale degli ultimi 50 anni. I suoi dipinti, sculture e stampe contengono quasi sempre immagini riconoscibili dal mondo oggettivo, per quanto ambigue possano essere. E più spesso che no fanno esplicito riferimento a qualche tema politico, storico o sociale. Tuttavia, nonostante la sua natura dichiarativa e spesso diretta, consideriamo l'arte di Georg Baselitz fondamentalmente astratta. Per noi c'è chiaramente molto di più nel suo lavoro rispetto al soggetto rappresentato. Perfino Baselitz sembra non sapere esattamente quanto in profondità si spingano gli strati. Le sue opere sembrano già porsi la domanda su cosa siano ancor prima che noi abbiamo la possibilità di chiederlo. Per noi sono più che immagini. Sono gli ultimi documenti viventi di una lotta in corso tra passato e presente, significato e nulla, artista e arte.

Il talento è irrilevante

Georg Baselitz ha descritto se stesso come fondamentalmente difficile da definire. “Non lo rendo facile per le persone,” ha detto. “Riconoscere la mia arte non è immediato.” Nel corso della sua carriera di cinque decenni, Baselitz si è evoluto attraverso numerosi stili diversi ed ha esplorato varie tecniche. Recentemente ha persino introdotto ciò che chiama remix: rapide rielaborazioni aggiornate delle sue opere classiche. Ma una parola descrive adeguatamente tutto il suo lavoro, indipendentemente dal mezzo o dal periodo: rozzo. Un contemporaneo di Baselitz, Jean-Michel Basquiat, una volta denunciò i critici del suo stile rozzo dicendo, “Che ci crediate o no, so disegnare davvero.” Nel caso di Baselitz, la natura rozza del suo lavoro ci fa chiedere: sa disegnare anche lui? E, a proposito, lo vuole davvero?

Baselitz è considerato sessista da molte persone perché spesso afferma che le donne sono le peggiori pittrici perché si preoccupano troppo della virtuosità e non abbastanza di cose come ambizione, ribellione e aggressività. È forse un virtuoso segreto che sceglie semplicemente di creare immagini ambiziose, ribelli e aggressivamente grezze perché questo lo rende un pittore migliore? Forse. Ma quando Baselitz era all'accademia d'arte fu espulso al primo anno per essere “socialmente e politicamente immaturo.” Forse il suo stile rozzo è una necessità. Forse non è il sessismo a spingerlo a fare quelle affermazioni sulle donne. Forse è solo l'errore che molte persone di successo fanno credendo che, poiché hanno successo, debbano anche essere sagge.

Georg Baselitz con le sue sculture Dresdener Frauen (Donne di Dresda), 1990. Legno intagliato con motosega. © Georg Baselitz

L'immagine non è nulla

Ma anche se il suo stile rozzo è per necessità e non per scelta, possiamo comunque vedere in esso la firma astratta di un artista che lotta per una vera espressione. Una delle opere che per prima portò Baselitz all'attenzione pubblica fu un dipinto chiamato Die grosse Nacht im Eimer o La grande notte andata in malora. Rappresenta la piccola, deformata, figura di un uomo nudo e infantile che sta muto con i pantaloni slacciati brandendo il suo enorme fallo. Le autorità sovietiche nella Germania Est sequestrarono il dipinto come osceno quando fu esposto per la prima volta, e molte persone hanno detto che evoca l'immagine di Adolf Hitler.

Ma La grande notte andata in malora è stata anche definita un autoritratto. Per alcuni somiglia persino a una bambola di Pinocchio con il naso strappato e infilato nei pantaloni, forse un riferimento giocoso alla classica bugia maschile. Qualunque sia il vero significato, le scelte cromatiche sono scure e selvagge, i suoi segni sono vivi, le scelte compositive giocose, e la figura è al tempo stesso minacciosa e grottesca. Tutti questi elementi parlano di ambizioni esistenziali, suggerendo che dovremmo lasciarci guidare più da questi sentimenti che dal soggetto mentre interagiamo con l'opera.

Georg Baselitz - Die grosse Nacht im Eimer, 1963. Olio su tela. Museum Ludwig, Colonia, Germania (a sinistra) e un remix di questo dipinto del 2005 (a destra) © 2019 Georg Baselitz

Gli eroi sono mostri

A metà degli anni Sessanta, Baselitz andò a Firenze e studiò i dipinti dei pittori manieristi italiani. Ispirato dalla loro fisicità drammatizzata, intraprese una grande serie di opere che presentavano figure contemporanee in pose mitiche simili. Queste figure spesso somigliavano a soldati tornati dalla guerra o a contadini che vagano in paesaggi apocalittici. Le chiamò Nuovi Tipi, e definì le figure in esse eroi, ribelli e pastori. L'esempio più famoso della serie si chiama I grandi amici. Rappresenta due di queste figure che si tengono per mano mentre camminano attraverso un vuoto da incubo davanti a una bandiera americana caduta.

I dipinti dei Nuovi Tipi sembrano indiscutibilmente narrativi nel loro scopo. Ma è difficile spiegare quale sia la narrazione. Le espressioni facciali ricordano infatti i dipinti eroici di santi del passato. I corpi massicci e sfigurati evocano una forza palpabile, ma hanno teste piccole. Commentano forse l'eroismo della stupidità, l'ignoranza della guerra, o la necessità di essere forti fisicamente ma piccoli mentalmente se si vuole sopravvivere? Di nuovo, a parte il soggetto, sentimenti astratti di angoscia, vuoto e oscurità sono evocati dalle scelte cromatiche, dalla piattezza del piano dell'immagine e dalla stranezza della composizione.

Georg Baselitz - I grandi amici, 1965. Olio su tela. 250 × 300 cm. Städel Museum, Francoforte © 2019 Georg Baselitz. Foto: Frank Oleski, Colonia

Il mondo è sottosopra

Nel mezzo della realizzazione dei suoi Nuovi Tipi, Baselitz iniziò a fratturare alcune delle sue immagini, spostando elementi della composizione in modi che rendevano il soggetto più ambiguo e davano maggiore importanza alla componente estetica. La frattura rivelò un'attrazione che Baselitz aveva verso l'astrazione, che trovò la sua piena maturità nel 1969, quando iniziò a dipingere i suoi quadri sottosopra. Per realizzare i suoi dipinti sottosopra, posava le tele sul pavimento e le dipingeva da una prospettiva capovolta, per poi appenderle al muro capovolte una volta finite.

Rimase fedele all'importanza del soggetto. Per esempio, uno dei suoi dipinti sottosopra più famosi mostra l'immagine di un'aquila, possibile riferimento alla storia tedesca. Voleva l'evocazione che poteva sorgere quando uno spettatore contemplava il soggetto delle sue opere, ma voleva anche che l'oggettività dei suoi dipinti fosse di primaria importanza. Voleva che la pittura catturasse l'attenzione dello spettatore, oggettivando così l'opera, pur mantenendo il loro potenziale simbolico. I suoi dipinti capovolti lo liberarono dalla trappola dell'interpretazione letterale e lo aiutarono a creare opere che potevano essere considerate puramente come oggetti estetici.

Georg Baselitz - Ritratto K. L. Rinn, 1969. Olio su tela. 161,9 × 129,9 cm (a sinistra) / Georg Baselitz - Finger Painting II Aquila, 1972. Olio su tela (a destra) © 2019 Georg Baselitz

La brutalità dell'arte

Spesso il lavoro di Georg Baselitz è stato contestualizzato da critici, storici e persino dallo stesso Baselitz facendo riferimento al concetto tedesco di Vergangenheitsbewältigung, che significa fondamentalmente fare i conti con il passato. Si riferisce ai modi in cui gli artisti tedeschi dopo la Seconda guerra mondiale sono stati costretti a spiegare le azioni indegne del loro passato collettivo. In un'intervista con Spiegel Online nel 2013, Baselitz descrisse i suoi sentimenti riguardo a questo concetto, dicendo: “Tutti i pittori tedeschi hanno una nevrosi con il passato della Germania: la guerra, soprattutto il dopoguerra, la Germania Est. Ho affrontato tutto questo in una profonda depressione e sotto grande pressione. I miei dipinti sono, se vogliamo.” Davvero i suoi dipinti sono battaglie. Sono battaglie fisiche, dato che non ha mai avuto un assistente nonostante la difficoltà estenuante del suo processo. E sono battaglie emotive, mentre lotta tra la sua visione preesistente e l'impulso verso qualcos'altro che prende il sopravvento una volta iniziato il dipinto.

Una delle opere più famose di Baselitz è, infatti, un riferimento a una battaglia reale. Intitolata ’45, le sue 20 pannelli alludono al bombardamento di Dresda nel 1945. In essa, Baselitz affronta la brutalità con brutalità in modo diretto e personale. Dimostra che ciò che è più importante per creare un futuro accettabile non è la perfezione, il talento o la grazia. Ciò che conta è il riconoscimento del desiderio umano grezzo. Ciò che conta è l'emozione, la passione e il cuore. E quest'opera in particolare dimostra efficacemente che per un artista la brutalità è fondamentale: brutalità verso il passato, verso altri artisti, verso il proprio lavoro, verso il soggetto, verso il mezzo. Indipendentemente dal soggetto, ogni opera di Georg Baselitz è astratta perché ci mostra il nostro mondo mentre contemporaneamente lo rifiuta, lo capovolge e lo rifà. Ci chiede di vederlo ma anche di cercare qualcos'altro, qualcosa di diverso, qualcosa ancora non immaginato. Esprime realtà doppie: che nella distruzione c'è creazione, nella storia c'è il nostro futuro, e in ogni battaglia c'è qualcosa per cui vale la pena combattere.

Immagine in evidenza: Georg Baselitz - Cena a Dresda (dettaglio), 1983. Olio su tela. © 2019 Georg Baselitz
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio