Perché l'arte di Georg Baselitz è essenzialmente astratta?

L’arte di Georg Baselitz è stata definita scioccante, controversa e grottesca. È stata anche definita epica e annoverata tra le opere d’arte tedesche più influenti a livello internazionale degli ultimi 50 anni. I suoi dipinti, le sue sculture e le sue stampe contengono quasi sempre immagini riconoscibili del mondo oggettivo, per quanto ambigue possano essere. E, più spesso che no, fanno esplicito riferimento a qualche tema politico, storico o sociale. Tuttavia, nonostante la sua natura dichiarativa e spesso diretta, consideriamo l’arte di Georg Baselitz fondamentalmente astratta. Per noi è evidente che nella sua opera ci sia molto più del suo soggetto. Persino Baselitz sembra non sapere esattamente quanto siano profondi i suoi strati. Le sue opere sembrano già impegnate a chiedersi che cosa siano ancora prima che noi abbiamo la possibilità di porci la stessa domanda. Per noi sono più che immagini. Sono le più recenti testimonianze viventi di una lotta continua tra passato e presente, significato e nulla, artista e arte.

Il talento è irrilevante

Georg Baselitz ha descritto se stesso come una persona fondamentalmente difficile da definire. “Non rendo le cose facili alle persone,” ha detto. “È difficile identificarmi. Non si riconosce subito la mia arte.” Nel corso della sua carriera di cinque decenni, Baselitz si è evoluto attraverso numerosi stili diversi e ha esplorato varie tecniche. Di recente ha persino introdotto quelli che chiama remix: aggiornamenti rapidamente rielaborati delle sue opere classiche. Ma una parola descrive adeguatamente tutta la sua opera, indipendentemente dal medium o dal momento in cui è stata realizzata: brutale. Jean-Michel Basquiat, contemporaneo di Baselitz per un certo periodo, una volta respinse le critiche al proprio stile brutale dicendo: “Che ci crediate o no, in realtà so disegnare.” Nel caso di Baselitz, la brutalità della sua opera ci fa chiedere: sa disegnare anche lui? E, del resto, vuole davvero farlo?

Baselitz è considerato sessista da molte persone perché afferma spesso che le donne sono le peggiori pittrici, dal momento che si preoccupano troppo del virtuosismo e non abbastanza di cose come ambizione, ribellione e aggressività. È forse un virtuoso segreto che sceglie semplicemente di realizzare immagini ambiziose, ribelli e aggressivamente rozze perché questo lo rende un pittore migliore? Forse. Ma quando Baselitz frequentava la scuola d’arte fu espulso al primo anno perché ritenuto “socialmente e politicamente immaturo”. Forse il suo stile brutale è una necessità. Forse non è il sessismo a portarlo ad accusare le donne in quel modo. Forse è semplicemente l’errore che commettono molte persone di successo, convinte che, poiché hanno successo, debbano essere anche sagge.

Georg Baselitz con le sue sculture Dresdener Frauen (Donne di Dresda), 1990. Legno intagliato con una motosega. © Georg Baselitz

L’immagine è nulla

Ma anche se il suo stile brutale è dettato dalla necessità anziché dalla scelta, possiamo comunque riconoscervi la firma astratta di un artista che si sforza di raggiungere una vera espressione. Una delle opere che per prime portarono Baselitz all’attenzione del pubblico fu un dipinto intitolato Die grosse Nacht im Eimer o The Big Night Down the Drain. Raffigura la piccola figura deformata, a torso nudo e infantile di un uomo che sta stupidamente in piedi con i pantaloni sbottonati, brandendo il suo enorme fallo. Le autorità sovietiche della Germania Est confiscarono il dipinto perché osceno quando fu esposto per la prima volta, e molti hanno detto che evoca l’immagine di Adolph Hitler.

Ma The Big Night Down the Drain è stato definito anche un autoritratto. Per alcuni assomiglia persino a un burattino di Pinocchio con il naso strappato e infilato nei pantaloni, forse un riferimento scherzoso alla classica bugia maschile. Qualunque sia il vero significato, le scelte cromatiche sono cupe e selvagge, i suoi segni sono vivi, le scelte compositive giocose e la figura è al tempo stesso minacciosa e grottesca. Tutti questi elementi parlano di ambizioni esistenziali, suggerendo che, mentre interagiamo con l’opera, dovremmo lasciarci guidare più da quei sentimenti che dal soggetto.

Georg Baselitz - Die grosse Nacht im Eimer, 1963. Olio su tela. Museum Ludwig, Colonia, Germania (a destra) e un remix di questo dipinto del 2005 (a destra) © 2019 Georg Baselitz

Gli eroi sono mostri

A metà degli anni Sessanta, Baselitz si recò a Firenze e studiò i dipinti dei pittori manieristi italiani. Ispirato dalla loro fisicità drammatizzata, intraprese una grande serie di opere che presentavano figure contemporanee in pose mitiche simili. Queste figure assomigliavano spesso a soldati di ritorno dalla guerra o a contadini che vagavano in paesaggi apocalittici. Chiamò i dipinti New Types e definì le figure al loro interno eroi, ribelli e pastori. L’esempio più famoso della serie si intitola The Great Friends. Raffigura due figure di questo tipo che si prendono per mano mentre attraversano un vuoto da incubo davanti a una bandiera americana caduta.

I dipinti dei New Types sembrano inequivocabilmente narrativi nelle loro intenzioni. Ma è difficile spiegare quale sia la narrazione. Le espressioni dei volti ricordano effettivamente i dipinti eroici dei santi del passato. I corpi massicci e mutilati evocano una forza palpabile, ma hanno teste minuscole. Stanno commentando l’eroismo della stupidità, l’ignoranza della guerra o la necessità di essere fisicamente forti ma mentalmente limitati se si vuole sopravvivere? Ancora una volta, al di là del soggetto, le scelte cromatiche, la piattezza del piano dell’immagine e la stranezza della composizione evocano sentimenti astratti di angoscia, insignificanza e oscurità.

Georg Baselitz - The Great Friends, 1965. Olio su tela. 98 2/5 × 118 1/10 pollici. 250 × 300 cm. Städel Museum, Francoforte © 2019 Georg Baselitz. Foto: Frank Oleski, Colonia

Il mondo è sottosopra

Mentre dipingeva i suoi New Types, Baselitz iniziò a frammentare alcune delle sue immagini, spostando gli elementi della composizione in modi che rendevano il soggetto più ambiguo e attribuivano maggiore importanza alla componente estetica. La frammentazione rivelò l’attrazione che Baselitz provava verso l’astrazione, giunta a piena maturazione nel 1969, quando iniziò a dipingere i suoi quadri capovolti. Per realizzare i suoi dipinti capovolti, disponeva le tele sul pavimento e le dipingeva da una prospettiva capovolta, per poi appenderle al muro sottosopra una volta terminate.

Rimase fedele all’importanza del soggetto. Per esempio, uno dei suoi dipinti capovolti più famosi mostra l’immagine di un’aquila, possibile riferimento alla storia tedesca. Voleva evocare ciò che poteva accadere quando uno spettatore contemplava il soggetto delle sue opere, ma voleva anche che l’oggettualità dei suoi dipinti fosse una preoccupazione primaria. Voleva che la pittura catturasse l’attenzione dello spettatore, oggettivando così l’opera, pur conservandone il potenziale simbolico. I suoi dipinti capovolti lo liberarono dalla trappola dell’interpretazione letterale e lo aiutarono a realizzare opere che potevano essere considerate oggetti puramente estetici.

Georg Baselitz - Portrat K. L. Rinn, 1969. Olio su tela. 63 3/4 × 51 1/8 pollici. 161.9 × 129.9 cm (a sinistra) / Georg Baselitz - Finger Painting II Eagle, 1972. Olio su tela (a destra) © 2019 Georg Baselitz

La brutalità dell’arte

Spesso l’opera di Georg Baselitz è stata contestualizzata da critici, storici e dallo stesso Baselitz facendo riferimento al concetto tedesco di Vergangenheitsbewältigung, che significa fondamentalmente confrontarsi con il passato. Si riferisce ai modi in cui gli artisti tedeschi, dopo la Seconda guerra mondiale, sono stati costretti ad aiutare a spiegare le azioni indifendibili del loro passato collettivo. In un’intervista a Spiegel Online nel 2013, Baselitz descrisse i suoi sentimenti riguardo a questo concetto dicendo: “Tutti i pittori tedeschi hanno una nevrosi nei confronti del passato della Germania: la guerra, soprattutto il dopoguerra, la Germania Est. Ho affrontato tutto questo in una profonda depressione e sotto una grande pressione. I miei dipinti sono, se vogliamo.” In verità, i suoi dipinti sono battaglie. Sono battaglie fisiche, poiché non ha mai avuto un assistente nonostante la difficoltà fisicamente estenuante del suo processo. E sono battaglie emotive, mentre lotta tra la visione preesistente e lo slancio verso qualcos’altro che prende il sopravvento una volta iniziato il dipinto.

Una delle opere più famose realizzate da Baselitz è infatti un riferimento a una battaglia reale. Intitolata ’45, con i suoi 20 pannelli allude al bombardamento di Dresda del 1945. In quest’opera Baselitz affronta la brutalità con la brutalità, in modo diretto e personale. Dimostra che ciò che conta di più per creare un futuro accettabile non sono la perfezione, il talento o la grazia. Ciò che conta di più è il riconoscimento del desiderio umano allo stato grezzo. Ciò che conta è l’emozione, la passione e il cuore. E quest’opera, in particolare, dimostra efficacemente anche che, per un artista, la brutalità è fondamentale: brutalità verso il passato, verso gli altri artisti, verso la propria opera, verso il proprio soggetto, verso il proprio medium. Indipendentemente dal soggetto, ogni opera d’arte realizzata da Georg Baselitz è astratta perché ci mostra il nostro mondo e al tempo stesso lo rifiuta, lo capovolge e lo ricrea. Esige che lo vediamo, ma anche che cerchiamo qualcos’altro, qualcosa di diverso, qualcosa che non è ancora stato immaginato. Esprime realtà duali: che nella distruzione c’è creazione, nella storia c’è il nostro futuro e in ogni battaglia c’è qualcosa per cui vale la pena combattere.

Immagine in evidenza: Georg Baselitz - Dinner in Dresden (dettaglio), 1983. Olio su tela. © 2019 Georg Baselitz
Tutte le immagini sono utilizzate esclusivamente a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio 2017
Modificato da IdeelArt (2026)