Perché l'arte di Georg Baselitz è essenzialmente astratta?

L'arte di Georg Baselitz è stata definita scioccante, controversa e grottesca. È stata anche definita epica e tra le opere d'arte tedesca più influenti a livello internazionale degli ultimi 50 anni. I suoi dipinti, sculture e stampe contengono quasi sempre immagini riconoscibili dal mondo oggettivo, per quanto ambigue possano essere. E più spesso che mai fanno riferimento in modo esplicito a qualche soggetto politico, storico o sociale. Tuttavia, nonostante la sua natura dichiarativa, spesso diretta, consideriamo l'arte di Georg Baselitz fondamentalmente astratta. Per noi c'è chiaramente molto di più nel suo lavoro rispetto al suo soggetto. Anche Baselitz sembra non sapere esattamente quanto siano profonde le sue stratificazioni. Le sue opere sembrano già essere nel processo di chiedere cosa siano, anche prima che noi abbiamo la possibilità di chiedere. Per noi sono più di semplici immagini. Sono le ultime registrazioni viventi di una lotta in corso tra il passato e il presente, il significato e il nulla, l'artista e l'arte.

Il talento è irrilevante

Georg Baselitz si è descritto come fondamentalmente difficile da inquadrare. “Non lo faccio facile per le persone,” ha detto. “L'identificazione è difficile. Non si riconosce subito la mia arte.” Nel corso della sua carriera di cinque decenni, Baselitz è evoluto attraverso numerosi stili diversi ed ha esplorato varie tecniche. Recentemente ha persino introdotto ciò che chiama remix: aggiornamenti rapidamente rielaborati delle sue opere classiche. Ma una parola descrive adeguatamente tutto il suo lavoro, indipendentemente dal suo medium o dalla sua collocazione nel tempo: brutale. Un tempo contemporaneo di Baselitz, Jean-Michel Basquiat, una volta denunciò i critici del suo stesso stile brutale dicendo: “Credeteci o no, posso davvero disegnare.” Nel caso di Baselitz, la natura brutale del suo lavoro ci fa chiedere: può disegnare, anche lui? A dire il vero, lo desidera anche?

Baselitz è considerato sessista da molte persone per aver spesso affermato che le donne sono le peggiori pittrici perché si preoccupano troppo della virtuosità e non abbastanza di cose come ambizione, ribellione e aggressività. È un virtuoso segreto che sceglie semplicemente di creare immagini ambiziose, ribelli e aggressivamente grezze perché questo lo rende un pittore migliore? Forse. Ma quando Baselitz era all'Accademia di Belle Arti, fu espulso nel suo primo anno per essere stato "socialmente e politicamente immaturo.” Forse il suo stile brutale è una necessità. Forse non è il sessismo a spingerlo a fare quelle affermazioni sulle donne. Forse è solo l'errore che molte persone di successo commettono credendo che, poiché hanno successo, debbano anche essere sagge.

Georg Baselitz with his Dresdener Frauen (Dresden Women) sculptures, 1990. Wood carved with chainsaw. © Georg Baselitz

L'immagine non è niente

Ma anche se il suo stile brutale è per necessità anziché per scelta, possiamo comunque vedere in esso la firma astratta di un artista che lotta per una vera espressione. Una delle opere che ha portato per la prima volta Baselitz all'attenzione pubblica è un dipinto chiamato Die grosse Nacht im Eimer o The Big Night Down the Drain. Rappresenta la figura minuscola, deformata, senza torso e infantile di un uomo che sta in piedi in modo stupido con i pantaloni aperti, brandendo il suo enorme fallo. Le autorità sovietiche della Germania Est hanno confiscato il dipinto come osceno quando è stato esposto per la prima volta, e molte persone hanno detto che evoca l'immagine di Adolph Hitler.

Ma The Big Night Down the Drain è stato anche definito un autoritratto. Per alcuni assomiglia persino a una bambola di Pinocchio con il naso strappato e infilato nei pantaloni, forse un riferimento fantasioso alla classica menzogna maschile. Qualunque sia il vero significato, le scelte di colore sono scure e selvagge, i suoi segni sono vivi, le sue scelte compositive sono giocose e la figura è sia minacciosa che grottesca. Tutti questi elementi parlano di ambizioni esistenziali, suggerendo che dovremmo essere guidati più da quei sentimenti che dal soggetto mentre interagiamo con l'opera.

Georg Baselitz - Die grosse Nacht im Eimer, 1963. Oil on canvas. Museum Ludwig, Cologne, Germany (right) and a remix of this painting from 2005 (right) © 2019 Georg Baselitz

Gli eroi sono mostri

Negli anni '60, Baselitz andò a Firenze e studiò i dipinti dei pittori manieristi italiani. Ispirato dalla loro fisicità drammatizzata, intraprese una serie di opere che presentavano figure contemporanee in pose mitiche simili. Queste figure assomigliavano spesso a soldati che tornano dalla guerra o a contadini che vagano in paesaggi apocalittici. Si riferiva ai dipinti come Nuovi Tipi e chiamava le figure in essi eroi, ribelli e pastori. L'esempio più famoso della serie si chiama I Grandi Amici. Rappresenta due di queste figure che si tengono per mano mentre camminano attraverso un vuoto da incubo davanti a una bandiera americana caduta.

I dipinti dei Nuovi Tipi sembrano indiscutibilmente narrativi nel loro scopo. Ma è difficile spiegare quale sia la narrazione. Le espressioni facciali richiamano infatti i dipinti eroici dei santi del passato. I corpi massicci e contorti evocano una forza palpabile, ma hanno teste piccole. Stanno commentando sull'eroismo della stupidità, sull'ignoranza della guerra, o sulla necessità di essere fisicamente forti ma mentalmente piccoli se si vuole sopravvivere? Ancora, al di là dell'argomento, sentimenti astratti di angoscia, mancanza di significato e oscurità sono evocati dalle scelte cromatiche, dalla piattezza del piano dell'immagine e dall'insolita composizione.

Georg Baselitz - The Great Friends, 1965. Oil on canvas. 98 2/5 × 118 1/10 in. 250 × 300 cm. Städel Museum, Frankfurt © 2019 Georg Baselitz. Photo: Frank Oleski, Cologne

Il mondo è sottosopra

Nel mezzo della pittura dei suoi Nuovi Tipi, Baselitz iniziò a fratturare alcune delle sue immagini, spostando elementi della composizione in modi che rendevano il soggetto più ambiguo e davano maggiore importanza al componente estetico. La frattura rivelò un'attrazione che Baselitz stava avendo verso l'astrazione che trovò la sua piena maturità nel 1969, quando iniziò a dipingere i suoi quadri a testa in giù. Per realizzare i suoi dipinti a testa in giù, posò le sue tele sul pavimento e le dipinse da una prospettiva capovolta, per poi appenderle a testa in giù sulla parete una volta terminate.

Rimase dedicato all'importanza del soggetto. Ad esempio, uno dei suoi dipinti più famosi a testa in giù mostra un'immagine di un'aquila, un possibile riferimento alla storia tedesca. Voleva l'evocazione che poteva verificarsi quando uno spettatore contemplava il soggetto delle sue opere, ma voleva anche che l'oggettività dei suoi dipinti fosse di primaria importanza. Voleva che la vernice catturasse l'attenzione dello spettatore, oggettivando così l'opera, pur mantenendo il loro potenziale simbolico. I suoi dipinti a testa in giù lo liberarono dalla trappola dell'interpretazione letterale e lo aiutarono a creare opere che potessero essere considerate puramente come oggetti estetici.

Georg Baselitz - Portrat K. L. Rinn, 1969. Oil on canvas. 63 3/4 × 51 1/8 in. 161.9 × 129.9 cm (left) / Georg Baselitz - Finger Painting II Eagle, 1972. Oil on canvas (right) © 2019 Georg Baselitz

La Brutalità dell'Arte

Spesso il lavoro di Georg Baselitz è stato contestualizzato da critici, storici e persino dallo stesso Baselitz facendo riferimento al concetto tedesco di Vergangenheitsbewältigung, che fondamentalmente significa lottare con il passato. Si riferisce ai modi in cui gli artisti tedeschi dopo la Seconda Guerra Mondiale sono stati costretti ad aiutare a spiegare le azioni indefendibili del loro passato collettivo. In un'intervista con Spiegel Online nel 2013, Baselitz ha descritto i suoi sentimenti riguardo a questo concetto, dicendo: “Tutti i pittori tedeschi hanno una nevrosi con il passato della Germania: la guerra, il periodo del dopoguerra soprattutto, la Germania Est. Ho affrontato tutto questo in una profonda depressione e sotto grande pressione. I miei dipinti sono, se vuoi.” In verità, i suoi dipinti sono battaglie. Sono battaglie fisiche, in quanto non ha mai avuto un assistente nonostante la difficoltà estenuante del suo processo. E sono battaglie emotive, poiché combatte tra la sua visione preesistente e l'inerzia verso qualcos'altro che prende il sopravvento una volta che il dipinto è iniziato.

Una delle opere più famose che Baselitz ha realizzato è, in effetti, un riferimento a una battaglia reale. Intitolata ’45, i suoi 20 pannelli alludono al bombardamento di Dresda nel 1945. In esso, Baselitz affronta la brutalità con brutalità in modo diretto e personale. Dimostra che ciò che è più importante per creare un futuro accettabile non è la perfezione, il talento o la grazia. Ciò che è più importante è il riconoscimento del desiderio umano grezzo. Ciò che conta è l'emozione, la passione e il cuore. E quest'opera in particolare dimostra anche efficacemente che per un artista la brutalità è fondamentale: brutalità verso il passato, verso altri artisti, verso il proprio lavoro, verso il proprio soggetto, verso il proprio medium. Indipendentemente dal suo soggetto, ogni opera d'arte di Georg Baselitz è astratta perché ci mostra il nostro mondo mentre lo rifiuta, lo capovolge e lo ricrea. Esige che lo vediamo ma anche che cerchiamo qualcos'altro, qualcosa di diverso, qualcosa di ancora inimmaginato. Esprime realtà duali: che dentro la distruzione c'è creazione, dentro la storia c'è il nostro futuro, e dentro ogni battaglia c'è qualcosa per cui vale la pena combattere.

Immagine in evidenza: Georg Baselitz - Cena a Dresda (dettaglio), 1983. Olio su tela. © 2019 Georg Baselitz
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park