Innovativo ma Dimenticato - L'Arte di Mark Tobey

Quest'estate la Peggy Guggenheim Collection di Venezia, Italia, presenta la prima grande retrospettiva europea delle opere di Mark Tobey in oltre 20 anni. Intitolata Mark Tobey: Threading Light, l'esposizione include 66 opere principali create da Tobey tra la fine degli anni '20 e l'inizio degli anni '70. La selezione di opere si propone di evidenziare le varie evoluzioni che Tobey ha attraversato nella sua carriera mentre cercava modi per esprimere le universalità dell'esistenza umana. Dopo aver iniziato la sua carriera come illustratore commerciale e ritrattista, è passato alla pittura nei suoi 30 anni. Ha iniziato con opere figurative, ma presto si è trovato coinvolto nella conversazione modernista su come sviluppare nuovi punti di vista estetici. I suoi successi in questo senso sono stati enormi, il che rende ancora più strano che così tante persone oggi abbiano completamente dimenticato Tobey o non ne abbiano mai sentito parlare. Non molto tempo fa, era considerato uno dei pittori più importanti e influenti al mondo. Questo fatto rende il tempismo e la location di questa attuale esposizione particolarmente appropriati. La sua durata è programmata per coincidere con la Biennale di Venezia 2017, un sottile promemoria che fu a una precedente Biennale di Venezia nel 1958 che Mark Tobey fece la storia. Tobey rappresentò gli Stati Uniti in quella fiera insieme a Mark Rothko. Ma mentre Rothko gode di molta più fama oggi negli Stati Uniti, fu un'opera di Tobey intitolata Capricorn a vincere il Premio Città di Venezia per la pittura nel 1958—la prima volta, incidentalmente, dalla prima Biennale di Venezia nel 1895 che il premio d'oro andò a un pittore americano.

Una mente aperta

Mark Tobey nacque nella cittadina del Midwest americano di Centerville, Wisconsin, nel 1890. Anche se presto lasciò il Wisconsin, lo ricordava con affetto e faceva spesso riferimento ai suoi paesaggi nei suoi primi dipinti. Ma a differenza di molti pittori astratti della sua generazione che preferivano vivere e lavorare interamente a New York, per gran parte della sua vita adulta Mark Tobey scelse di vivere e lavorare a Seattle. Fu forse quella scelta fatale che portò a gran parte della libertà e dell'apertura mentale che definirono il suo sviluppo come artista. Un altro abitante frequente di Seattle, l'artista marziale Bruce Lee, aveva una visione della vita simile a quella di Mark Tobey. Lee fondò un approccio al combattimento chiamato Jeet Kun Do, che descrisse come lo "stile senza stile", significando che un combattente dovrebbe rifiutare il dogma ed essere aperto ad apprendere tutto ciò che è possibile, mantenendo ciò che funziona e scartando ciò che non funziona. Lo "stile senza stile" nacque dagli insegnamenti che Lee apprese per la prima volta mentre studiava il Buddismo Zen, ed è sorprendentemente simile all'approccio che Mark Tobey sviluppò verso la pittura molti anni prima.

Tobey viaggiò per la prima volta in Asia negli anni '30. Quel viaggio avvenne in un periodo in cui stava lottando come pittore per capire cosa fare riguardo allo spazio. Non riusciva a decidere se tentare di raggiungere profondità e dimensione nelle sue opere o abbandonarle e abbracciare invece la piattezza. Durante la sua visita in Giappone, Shanghai e Hong Kong, acquisì una nuova e profonda comprensione dei diversi modi in cui gli artisti asiatici hanno trattato lo spazio nelle loro opere nel corso della storia. In precedenza aveva già appreso le tecniche della calligrafia cinese mentre viveva a Seattle negli anni '20, ma questo viaggio lo espose a una consapevolezza più completa di come la scrittura e la simbologia si inseriscano negli approcci estetici più ampi dell'arte asiatica. Questa epifania aprì Tobey all'idea che non dovesse solo studiare il modo in cui la sua cultura crea arte, ma piuttosto aprirsi all'apprendimento di tutto ciò che è possibile riguardo al modo in cui tutte le diverse culture creano arte.

Mark Tobey - Crystallizations, 1944, Iris e B. Gerald Cantor Center for Visual Arts della Stanford University, Mabel Ashley Kizer Fund, Dono di Mellita e Rex Vaughan, e Modern and Contemporary Acquisitions Fund

Pittura su tutta la superficie

Poco dopo essere tornato dall'Asia, Tobey creò uno dei suoi dipinti più influenti, intitolato Broadway. È un'espressione in parte figurativa delle forme, dei colori e delle luci della famosa strada di New York. Ma è trasformativo nel suo approccio. La composizione è composta da centinaia di piccoli, gestuali, segni bianchi. La somiglianza con la scrittura è chiara, ma i segni non formano nulla di concreto, né rappresentano direttamente forme del mondo reale. Sono evocativi e poetici. Oggi il dipinto è visto come il precursore di uno stile estetico che Mark Tobey continuerebbe a perseguire in vari modi per tutta la sua carriera, che lui chiamava “scrittura bianca.”

Broadway è stata dipinta nel 1936. Negli anni successivi, Tobey continuò a sviluppare l'approccio che definiva quell'opera. Astrasse i suoi segni calligrafici oltre il riconoscimento e presto abbandonò tutte le forme figurative. Si impegnò a comunicare sentimenti più che semplici immagini. Soprattutto, sottolineò l'importanza di coprire l'intera superficie delle sue tele con composizioni che non davano trattamento preferenziale a nessuna particolare area della superficie. Questa idea fu evidenziata in seguito dal critico d'arte Clement Greenberg quando descrisse le "immagini totali" che Jackson Pollock stava realizzando negli anni '40. Ma fu Mark Tobey, le cui opere Pollock aveva visto anni prima, a pionierare questo approccio.

Mark Tobey - Threading-Light, 1942, Il Museo di Arte Moderna, New York

La Scuola di Nessuna Scuola

Mark Tobey era certamente a conoscenza di Jackson Pollock e di tutti gli altri artisti della New York School. Le opere di Tobey furono incluse nella mostra del 1946 Fourteen Americans al Museum of Modern Art di New York, una mostra che includeva anche Arshile Gorky e Robert Motherwell. Ma mentre quegli artisti di New York e il loro sostenitore Greenberg abbracciavano il mito di far parte dell'emergere di un tipo di arte intrinsecamente americana, Tobey rifiutò quel concetto. Insistette che l'arte non dovesse essere definita in termini così ristretti, né essere confinata da nozioni meschine come nazionalismo, politica, cultura o geografia. Rifiutò di associarsi all'idea della New York School, anche se il suo lavoro era così chiaramente un precursore delle idee dei suoi membri.

Invece, Tobey adottò lo stesso approccio che Bruce Lee descrisse in seguito. Chiamalo la Scuola di Nessuna Scuola. Tobey viaggiò, lesse, sperimentò, apprese quanti più approcci diversi poté e poi mantenne ciò che funzionava e abbandonò ciò che non funzionava. Studiò persino il Buddismo Zen e padroneggiò la pittura giapponese Sumi-e (inchiostro nero). La sua apertura e la sua ricerca sono evidenti nella selezione di opere incluse in Mark Tobey: Threading Light, che include anche alcune delle sue opere Sumi-e così come vari dipinti che si sono evoluti dalla tecnica, come City Reflections, che incorpora direttamente inchiostro nero schizzato, e Lumber Barons, che fa riferimento in modo più delicato al Sumi-e in un modo più connesso alla scrittura bianca.

Mark Tobey - Wild Field, 1959, Il Museo di Arte Moderna, NY, La Collezione Sidney e Harriet Janis

Un Linguaggio Estetico Universale

A parte il suo disprezzo per le etichette nazionalistiche o regionali, un altro motivo principale per cui alcuni critici credono che Mark Tobey sia stato alla fine dimenticato da molti scrittori della storia dell'arte americana ha a che fare con la sua spiritualità manifesta. Non si può dire che il mondo dell'arte americana sia un luogo privo di spiritualità: ovviamente non è vero. Ma il particolare tipo di spiritualità che Mark Tobey professava lo metteva in contrasto con praticamente tutti, da artisti, curatori, galleristi e critici a persone al di fuori del mondo dell'arte. Tobey apparteneva a una fede conosciuta come Bahá'í. Il principio fondamentale della religione monoteista Bahá'í è un rispetto duraturo per il valore e la dignità di tutte le religioni umane, e l'obiettivo dei membri è la pace duratura attraverso l'unità di tutte le persone. Questo potrebbe non sembrare controverso a una persona sensata, ma la religione insiste anche sul fatto che tutte le religioni provengono da una singola fonte divina, e che tutti i profeti sono manifestazioni uguali della stessa divinità, credenze che contraddicono i principi fondamentali di quasi ogni religione principale, specialmente il Cristianesimo, l'Ebraismo e l'Islam.

Per quanto riguarda il mondo dell'arte americano, è bello parlare di spirito, come certamente fecero Wassily Kandinsky e Piet Mondrian; ed è buono parlare di universalità, come fecero Agnes Martin e tanti altri; ed è fantastico parlare di trascendenza e contemplazione come fece Mark Rothko. Ma la parola religione spaventa le persone. Le istituzioni americane evitano cose che potrebbero minacciarle commercialmente. E sebbene le cose possano essere diverse ora, a metà del XX secolo, le agende religiose esplicite non erano generalmente considerate buone per gli affari. Ma Mark Tobey non si è mai preoccupato di questo. Non ha esitato ad affrontare le sue credenze religiose e molto frequentemente professava che il suo obiettivo era usare la sua arte come un modo per contribuire alla creazione di un linguaggio universale che potesse aiutare l'umanità a raggiungere unità e pace. Ma naturalmente, se questa è la ragione per cui è stato trascurato negli Stati Uniti, non è altro che speculazione. Fortunatamente, nonostante il rifiuto da parte della sua patria, Tobey ha goduto di una lunga e fruttuosa carriera altrove, specialmente in Europa, dove fu venerato durante la sua vita e dove oggi è considerato il progenitore di movimenti come Tachisme e Art Informel. Mark Tobey: Threading Light è in mostra presso la Collezione Peggy Guggenheim a Venezia, Italia, fino al 10 settembre 2017.

Mark Tobey - Mondo, 1959, Collezione Privata, New York

Immagine in evidenza: Mark Tobey - Senza titolo, Disegno Sumi (dettaglio), 1944, La Collezione Martha Jackson presso la Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY

Di Phillip Park