Innovativo ma Dimenticato - L'Arte di Mark Tobey

Quest’estate la Collezione Peggy Guggenheim di Venezia, Italia, presenta la prima grande retrospettiva europea delle opere pittoriche di Mark Tobey dopo più di 20 anni. Intitolata Mark Tobey: Threading Light, la mostra include 66 opere principali create da Tobey tra la fine degli anni ’20 e i primi anni ’70. La selezione delle opere cerca di mettere in luce le varie evoluzioni che Tobey ha attraversato nella sua carriera mentre cercava modi per esprimere le universalità dell’esistenza umana. Dopo aver iniziato la sua carriera come illustratore commerciale e ritrattista, si è dedicato alla pittura intorno ai trent’anni. Ha cominciato con opere figurative, ma presto si è trovato coinvolto nella conversazione modernista su come sviluppare nuovi punti di vista estetici. I suoi successi in questo senso furono enormi, il che rende ancora più strano che oggi molte persone abbiano completamente dimenticato Tobey o non ne abbiano mai sentito parlare. Non molto tempo fa, era considerato uno dei pittori più importanti e influenti al mondo. Questo fatto rende particolarmente appropriato il momento e il luogo di questa mostra attuale. La sua durata è sincronizzata con la Biennale di Venezia 2017, un sottile promemoria che fu proprio a una precedente Biennale di Venezia, nel 1958, che Mark Tobey entrò nella storia. Tobey rappresentò gli Stati Uniti in quella fiera insieme a Mark Rothko. Ma mentre Rothko gode oggi di molta più fama negli Stati Uniti, fu un dipinto di Tobey intitolato Capricorn a vincere il Premio Città di Venezia per la pittura nel 1958—la prima volta, tra l’altro, dal primo premio d’oro della Biennale di Venezia inaugurale del 1895 che il premio andò a un pittore americano.

Una Mente Aperta

Mark Tobey nacque nella cittadina del Midwest americano di Centerville, Wisconsin, nel 1890. Sebbene lasciò presto il Wisconsin, lo ricordava con affetto e spesso faceva riferimento ai suoi paesaggi nelle sue prime opere. Ma a differenza di molti pittori astratti americani della sua generazione che preferivano vivere e lavorare interamente a New York, per gran parte della sua vita adulta Mark Tobey scelse di vivere e lavorare a Seattle. Fu forse questa scelta fatale che portò a molta della libertà e apertura mentale che definirono il suo sviluppo come artista. Un altro frequente residente di Seattle, l’artista marziale Bruce Lee, aveva una visione della vita simile a quella di Mark Tobey. Lee fondò un approccio al combattimento chiamato Jeet Kun Do, che descrisse come lo “stile senza stile”, intendendo che un combattente dovrebbe rifiutare il dogma ed essere aperto a imparare tutto il possibile, poi mantenere ciò che funziona e scartare ciò che non funziona. Lo “stile senza stile” nacque dagli insegnamenti che Lee apprese studiando il Buddhismo Zen, ed è sorprendentemente simile all’approccio che Mark Tobey sviluppò verso la pittura molti anni prima.

Tobey viaggiò per la prima volta in Asia negli anni ’30. Quel viaggio avvenne in un periodo in cui stava lottando come pittore per capire cosa fare dello spazio. Non riusciva a decidere se tentare di ottenere profondità e dimensione nelle sue opere o abbandonarle e invece abbracciare la piattezza. Durante la visita in Giappone, Shanghai e Hong Kong, acquisì una nuova e profonda comprensione dei diversi modi in cui gli artisti asiatici avevano trattato lo spazio nelle loro opere nel corso della storia. Aveva già imparato le tecniche della calligrafia cinese vivendo a Seattle negli anni ’20, ma questo viaggio gli aprì una consapevolezza più completa di come la scrittura e la simbologia si inseriscano negli approcci estetici più ampi dell’arte asiatica. Questa epifania aprì Tobey all’idea che non dovesse solo studiare il modo in cui la sua cultura crea arte, ma piuttosto aprirsi a imparare tutto il possibile su come tutte le diverse culture creano arte.

Mark Tobey - Crystallizations, 1944, Iris and B. Gerald Cantor Center for Visual Arts presso la Stanford University, Mabel Ashley Kizer Fund, Dono di Mellita e Rex Vaughan, e Modern and Contemporary Acquisitions Fund

Pittura Ovunque

Poco dopo il ritorno dall’Asia, Tobey creò uno dei suoi dipinti più influenti, intitolato Broadway. È un’espressione alquanto figurativa delle forme, dei colori e delle luci della famosa strada di New York. Ma è trasformativa nel suo approccio. La composizione comprende centinaia di piccoli segni gestuali bianchi. La somiglianza con la scrittura è chiara, ma i segni non compongono nulla di concreto, né rappresentano direttamente forme del mondo reale. Sono evocativi e poetici. Oggi il dipinto è visto come il precursore di uno stile estetico che Mark Tobey avrebbe continuato a perseguire in vari modi durante la sua carriera, che chiamò “scrittura bianca”.

Broadway fu dipinto nel 1936. Negli anni successivi Tobey continuò a sviluppare l’approccio che definiva quell’opera. Astrasse i suoi segni calligrafici fino a renderli irriconoscibili e presto abbandonò tutte le forme figurative. Si impegnò a comunicare il sentimento più che le immagini. Soprattutto, si impegnò a coprire l’intera superficie delle sue tele con composizioni che non privilegiassero nessuna area particolare della superficie. Questa idea fu poi sottolineata dal critico d’arte Clement Greenberg quando descrisse le “pitture ovunque” che Jackson Pollock realizzava negli anni ’40. Ma fu Mark Tobey, le cui opere Pollock aveva visto anni prima, a essere il pioniere di questo approccio.

Mark Tobey - Threading-Light, 1942, The Museum of Modern Art, New York

La Scuola della Non-Scuola

Mark Tobey conosceva certamente Jackson Pollock e tutti gli altri artisti della Scuola di New York. Opere di Tobey furono incluse nella mostra del 1946 Fourteen Americans al Museo di Arte Moderna di New York, una mostra che includeva anche Arshile Gorky e Robert Motherwell. Ma mentre quegli artisti di New York e il loro sostenitore Greenberg abbracciavano il mito di far parte dell’emergere di un tipo di arte intrinsecamente americana, Tobey rifiutava quel concetto. Sosteneva che l’arte non dovesse essere definita in termini così ristretti, né confinata da nozioni meschine come nazionalismo, politica, cultura o geografia. Rifiutò di associarsi all’idea della Scuola di New York, anche se il suo lavoro era chiaramente un precursore delle idee dei suoi membri.

Invece, Tobey adottò lo stesso approccio che Bruce Lee descrisse più tardi. Chiamatela la Scuola della Non-Scuola. Tobey viaggiò, lesse, sperimentò, imparò quanti più approcci diversi poté e poi mantenne ciò che funzionava e abbandonò ciò che non funzionava. Studiò persino il Buddhismo Zen e padroneggiò la pittura giapponese Sumi-e (inchiostro nero). La sua apertura e la sua ricerca sono evidenti nella selezione di opere incluse in Mark Tobey: Threading Light, che include anche alcune sue opere Sumi-e così come vari dipinti che si sono evoluti da questa tecnica, come City Reflections, che incorpora direttamente schizzi di inchiostro nero, e Lumber Barons, che fa un riferimento più delicato al Sumi-e in modo più connesso alla scrittura bianca.

Mark Tobey - Wild Field, 1959, The Museum of Modern Art, NY, The Sidney and Harriet Janis Collection

Un Linguaggio Estetico Universale

A parte il suo disprezzo per le etichette nazionalistiche o regionali, un altro motivo importante per cui alcuni critici ritengono che Mark Tobey sia stato infine dimenticato da molti storici dell’arte americana riguarda la sua spiritualità esplicita. Non che il mondo dell’arte americano sia un luogo privo di spiritualità: ovviamente non è così. Ma il particolare tipo di spiritualità che Tobey professava lo mise in contrasto con quasi tutti, dagli artisti, curatori, galleristi e critici fino alle persone al di fuori del mondo dell’arte. Tobey apparteneva a una fede nota come Bahá'í. La credenza centrale della religione monoteista Bahá'í è un rispetto duraturo per il valore e la dignità di tutte le religioni umane, e l’obiettivo dei suoi membri è la pace duratura attraverso l’unità di tutte le persone. Questo può non sembrare controverso a una persona sensata, ma la religione sostiene anche che tutte le religioni provengono da un’unica fonte divina, e che tutti i profeti sono manifestazioni uguali della stessa divinità, credenze che contraddicono i principi fondamentali di quasi tutte le grandi religioni, specialmente cristianesimo, ebraismo e islam.

Per quanto riguarda il mondo dell’arte americano, va bene parlare di spirito, come certamente fecero Wassily Kandinsky e Piet Mondrian; ed è giusto parlare di universalità, come fecero Agnes Martin e molti altri; ed è ottimo parlare di trascendenza e contemplazione come fece Mark Rothko. Ma la parola religione spaventa le persone. Le istituzioni americane evitano cose che potrebbero minacciare i loro interessi commerciali. E sebbene ora le cose possano essere diverse, a metà del XX secolo le agende religiose esplicite non erano generalmente considerate buone per gli affari. Ma a Mark Tobey non importava. Non esitava a parlare delle sue convinzioni religiose, e spesso dichiarava che il suo obiettivo era usare la sua arte come mezzo per contribuire alla creazione di un linguaggio universale che potesse aiutare l’umanità a raggiungere unità e pace. Ma naturalmente se questa sia la ragione per cui è stato trascurato negli Stati Uniti è solo una speculazione. Fortunatamente, nonostante il rifiuto della sua terra natale, Tobey godette di una lunga e fruttuosa carriera altrove, specialmente in Europa, dove fu venerato in vita e dove oggi è considerato il progenitore di movimenti come il Tachisme e l’Art Informel. Mark Tobey: Threading Light è in mostra alla Collezione Peggy Guggenheim di Venezia, Italia, fino al 10 settembre 2017.

Mark Tobey - World, 1959, Collezione Privata, New York

Immagine in evidenza: Mark Tobey - Senza titolo, Disegno Sumi (dettaglio), 1944, The Martha Jackson Collection presso The Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY

Di Phillip Barcio