Astrazione Geometrica: NON Un'Altra Storia Eroica di Malevich e Mondrian

Perché le linee rette contano ancora

L'astrazione geometrica è una di quelle storie dell'arte che tutti pensano di conoscere. Alcuni quadrati di Malevich, un Mondrian con colori primari, un po' di Op Art che fa male agli occhi, e poi la storia presumibilmente finisce. Nella maggior parte delle didascalie museali e nei libri generali, appare come una narrazione lineare, eroica e un po' austera: un piccolo gruppo di pionieri fa una serie di scoperte, ognuna che conduce ordinatamente alla successiva, fino a che il capitolo si chiude.

Eppure la persistenza di linee rette, griglie e strutture codificate nella pittura contemporanea, scultura e opere digitali suggerisce qualcos'altro. La geometria non è un capitolo chiuso; è un linguaggio vivo che gli artisti continuano a riapprendere, contestare e piegare a nuovi scopi. Piuttosto che raccontare di nuovo quella narrazione lineare e eroica, questo articolo segue un insieme di tensioni che attraversano l'astrazione geometrica dall'inizio del XX secolo fino a oggi: spirituale vs. razionale, utopico vs. ironico, mano vs. codice.

(E per chi di voi è qui solo per la storia base, e diciamolo, un po' noiosa, dell'Astrazione Geometrica, sentitevi liberi di scorrere direttamente alla FAQ in fondo a questa pagina: copre perfettamente la versione da manuale!)

Quadrati spirituali e fede non oggettiva

All'inizio del XX secolo, la geometria non era lo strumento di design pulito e laico che pensiamo oggi. Era profondamente strana. Per artisti come Wassily Kandinsky e Kazimir Malevich, la geometria era un veicolo per l'occulto. Fortemente influenzati dalla Teosofia e dall'idea che le "forme di pensiero" potessero essere visibili, vedevano il triangolo e il cerchio non come forme, ma come drammi condensati di forze.

Quando Malevich dipinse il suo Quadrato Nero, non fu un esercizio formalista; lo chiamò un "'icona nuda e senza cornice" per una nuova religione. L'impegno fu totale: quando morì nel 1935, un Quadrato Nero fu montato sul cofano del camion che trasportava la sua bara, come una bandiera reggimentale. Questa linea di discendenza, dove il bordo netto serve lo spirito morbido, persiste. Non si tratta di matematica; si tratta di respiro.

C63 di Elizabeth Gourlay (2022)

Vediamo questa eredità nel lavoro della compianta Elizabeth Gourlay (1961–2024). La sua pratica non riguardava mai la rigidità della linea ma la sua risonanza. Proprio come i primi pionieri che cercavano una musica visiva, le composizioni di Gourlay funzionavano come spartiti. Tuttavia, mentre Malevich cercava un punto zero radicale, Gourlay trovava un'accumulazione meditativa, usando sottili variazioni di colore e tono per creare una geometria che sembrava cresciuta piuttosto che costruita, un "grafico di uno stato d'animo" piuttosto che un progetto.

Utopie nei Colori Primari e nell'Arte Concreta

Una fede diversa emerse con De Stijl e il Costruttivismo, e più tardi con l'Arte Concreta. Qui, la griglia non era una finestra nell'anima, ma un modello per una società migliore. Il momento decisivo arrivò quando Theo van Doesburg pubblicò il suo Manifesto dell'Arte Concreta nel 1930, dichiarando che "nulla è più reale di una linea, un colore, una superficie." L'idea era radicale: un dipinto astratto astrae dalla realtà (come un albero semplificato), ma un dipinto concreto è la sua stessa realtà. Non mente.

Questa ricerca di un'arte di assoluta chiarezza, libera dal caos dell'emozione, ha creato un tipo specifico di intensità silenziosa. Questa atmosfera è palpabile al Musée d’Art Concret di Mouans-Sartoux, un luogo che noi di IdeelArt visitiamo spesso. Ci ricorda che questa forma specifica di astrazione offre un'esperienza fisica di pace, un santuario di logica in un mondo caotico.

XXIV 33 212 (Dittico) di Pierre Muckenstürm (2024)

Quella sensazione di stabilità "concreta" è centrale per Pierre Muckensturm. Non sta cercando di esprimere un sentimento fugace; sta costruendo un oggetto. Organizzando le sue tele attorno a intervalli e pesi accuratamente calibrati, crea una quiete che sembra inevitabile. È una continuazione contemporanea della promessa del Concrete: che un'immagine perfettamente bilanciata può, forse, indurre una mente equilibrata.

La griglia, la città e il segno

Con il progredire del secolo, la griglia è passata da un progetto utopico a qualcosa di più ambivalente. Ha cominciato a sembrare le sbarre di una prigione o la disposizione di un foglio di calcolo. Negli anni '80, il movimento Neo-Geo, guidato da artisti come Peter Halley, ha reinterpretato il quadrato non come un vuoto spirituale, ma come una "cellula"—riferendosi sia alle cellule biologiche che alle celle carcerarie, collegate dai "condotti" dell'infrastruttura moderna.

Large Test Pattern 3 di Tom McGlynn (2002)

L'artista geometrico oggi spesso agisce come decodificatore di questo paesaggio urbano. Siamo circondati da grafici istruttivi, mappe della metropolitana e segnali di avvertimento. Tom McGlynn opera in questo vernacolo. Tratta il rumore visivo della città - vetrine, segnaletica, loghi - come dati grezzi, eliminando il messaggio commerciale per lasciare solo la sintassi scheletrica dell'ambiente urbano.

Enchantment Hurdu  di Philippe Halaburda (2020)

Allo stesso modo, Philippe Halaburda mappa un tipo diverso di territorio. Le sue "psicogeografie" sembrano mappe di transito frenetiche o circuiti esplosi, catturando i flussi invisibili di dati e movimento che definiscono le nostre vite. Dove Mondrian dipingeva il boogie-woogie della griglia di New York, gli artisti contemporanei dipingono il sovraccarico della server farm.

Percezione: quando l'occhio fa glitch

Se l'astrazione iniziale era seria, la metà del secolo ha portato un "hack" al sistema operativo umano: l'Op Art. Quando il MoMA ha inaugurato la mostra "The Responsive Eye" nel 1965, la reazione è stata viscerale: alcuni visitatori sono addirittura svenuti o hanno riportato nausea! L'opera d'arte non stava semplicemente lì; faceva cose a te. Artisti come Bridget Riley hanno dimostrato che una superficie statica poteva generare movimento, non per magia, ma attraverso la fisiologia della visione.

Mareas  di Cristina Ghetti (2024)

Gli artisti contemporanei si sono allontanati dall'"assalto" aggressivo sulla retina verso vibrazioni più sottili. Cristina Ghetti utilizza l'effetto moiré, i motivi di interferenza creati da griglie sovrapposte, ma lo rallenta. Invece del vertigine vertiginoso degli anni '60, il suo lavoro offre un ronzio tattile, una frequenza visiva che invita lo spettatore a regolare il proprio focus. Non si tratta tanto di ingannare l'occhio quanto di testarne i limiti, creando uno spazio in cui il glitch digitale incontra la tela dipinta.

Armonie Geometriche: L'Algoritmo Prima del Computer

Molto prima dell'IA generativa, gli artisti geometrici usavano algoritmi. Sol LeWitt scrisse famosamente, "L'idea diventa una macchina che crea l'arte." Il compito dell'artista era scrivere il codice (le regole); l'esecuzione era secondaria. Questo si collega al gruppo Oulipo in letteratura: scrittori che credevano che vincoli rigorosi (come scrivere un romanzo senza la lettera 'e') forzassero una maggiore creatività.

Dawn Light Skew 2  di Debra Ramsay (2023)

Oggi, questo approccio "algoritmico" è standard, che il computer sia coinvolto o meno. Debra Ramsay agisce come un registratore umano di dati. Traccia i cambiamenti negli ambienti naturali - i colori mutevoli di un albero specifico nel corso di un anno - e traduce quei dati in sistemi rigorosi di linee. Il risultato è un dipinto che sembra astratto ma è in realtà un dataset specifico di tempo e luce.

Untitled 2023 (Black-Purple) (Left) & Untitled 2023 (Red-White) di Jasper van der Graaf (2023)

Vediamo un rigore simile in Jasper van der Graaf, il cui lavoro decostruisce la stessa nozione di motivo. Spostando e ricombinando moduli geometrici, crea un ritmo visivo che sembra una lingua che quasi comprendiamo. È la bellezza del sistema: la soddisfazione di vedere la matematica funzionare, anche se l'equazione rimane nascosta.

Rigor e Malizia: Rompere la Griglia

C'è un malinteso che l'arte geometrica sia priva di umorismo. Ma esiste una lunga tradizione di "astrazione eccentrica." Pensate a François Morellet, che determinava le curve dei suoi dipinti usando le cifre di Pi, o a Heimo Zobernig, che usa la griglia con una trascuratezza deliberata e ironica. La geometria può essere un gioco, un modo per stabilire una regola solo per il piacere di infrangerla.

12 Shapes di Dana Gordon (2024)

Dana Gordon Dana Gordon opera in questa zona di esuberanza organizzata. I suoi dipinti sono costruiti da densi, ritmici gruppi di forme che suggeriscono una griglia senza esserne intrappolati. È una forma di improvvisazione geometrica—molto simile al jazz—dove la struttura fornisce un ritmo, ma il colore e il segno sono liberi di improvvisare e vagare. Il risultato è una "geometria libera" che sembra viva e costantemente giocosa piuttosto che calcolata.

Red Frames di Daniel Göttin (2019, Amsterdam, Installazione Permanente)

Nel regno tridimensionale, Daniel Göttin porta questo gioco nel mondo reale. Usa materiali industriali, nastro, legno, metallo, per intervenire negli spazi architettonici. Segue regole rigorose, ma il risultato è determinato dalle irregolarità della stanza: una bocchetta, un angolo, una finestra. È un dialogo tra l'ideale platonico del quadrato e la realtà disordinata della parete espositiva.

Oltre la Superficie Piatta: Geometria Violenta

"Quello che vedi è quello che vedi," disse Frank Stella, insistendo che un dipinto è solo un oggetto, non una finestra. Questo ha portato gli artisti a rompere completamente il rettangolo. L'artista contemporanea Angela de la Cruz prende famosamente il monocromo geometrico e rompe i telai, accartocciando il dipinto in un relitto scultoreo.

Bulge  di Holly Miller (2007)

Pur essendo meno violenti, molti artisti oggi sono ugualmente impegnati nell'idea che la geometria debba sfuggire al piano piatto. Holly Miller sostituisce la linea dipinta con un filo fisico, cucendo direttamente sulla tela. La "linea" non è più una rappresentazione; è una tensione fisica che proietta un'ombra reale.

Brand New Day di Tom Henderson (2018)

Allo stesso modo, Tom Henderson si muove nel regno della finitura industriale, usando Plexiglas e olio per creare sculture da parete che intrappolano luce e riflessi, cambiando mentre l'osservatore si muove. E Louise Blyton sfida i quattro angoli standard della pittura con le sue tele sagomate e il lino grezzo, ammorbidendo il bordo duro attraverso la texture del materiale naturale. Ci ricordano che la geometria non è solo un concetto mentale; è una cosa nel mondo, con peso, texture e conseguenze.

Inside and Outside di Louise Blyton (2020)

Conclusione: Vivere con i Sistemi

Viviamo circondati da geometrie che non abbiamo scelto: piani urbani, interfacce, reti logistiche. L'astrazione geometrica non si limita a riflettere questi sistemi; offre uno spazio per esaminarli, rallentarli o immaginare alternative.

Sia attraverso le partiture meditative di Elizabeth Gourlay sia la decodifica urbana di Tom McGlynn, questi artisti dimostrano che la geometria non è una gabbia. È un linguaggio. E la sfida ora non è ripetere il canone, ma vedere come queste forme possano ancora parlare in un mondo dove la geometria è diventata sia il nostro habitat sia il nostro vincolo.

Di Francis Berthomier
Tutte le immagini © gli artisti, rappresentati da IdeelArt
Immagine in Evidenza: Message  di Dana Gordon (2023, dettaglio)

Arte Geometrica Dal Nostro Inventario (Una Selezione)