Hai Ricevuto il Messaggio? Come gli Artisti Astratti Comunicano l'Urgenza Ambientale

Senza una figura, senza una narrazione, senza rappresentazione letterale: come si trasmette un messaggio nell'arte visiva? Questo è il dilemma dell'attivista nell'arte astratta, e spiega perché l'astrazione veramente attivista rimane sorprendentemente rara. L'arte figurativa può mostrarci un orso polare che si scioglie, una città allagata, il volto di un manifestante. L'arte astratta offre solo colore, forma, gesto, materiale. Eppure, mentre la crisi climatica accelera e richiede tutte le voci, un gruppo pionieristico di artisti ha dimostrato che l'astrazione può davvero essere attivista, non nonostante la sua resistenza a messaggi espliciti, ma proprio per ciò che offre in modo unico.

La sfida è reale. La comunicazione climatica convenzionale (immagini catastrofiche, dati travolgenti) ha raggiunto i suoi limiti, spesso inducendo quella che i ricercatori chiamano "fatica climatica" o paralisi emotiva. L'arte ambientale astratta offre una strategia alternativa: invece di rappresentare il disastro, modella i processi ambientali (flusso, dissoluzione, accumulo) e coinvolge gli spettatori attraverso un'esperienza sensoriale ed emotiva diretta. Non ti mostra la crisi; ti fa sentirla.

Questo articolo esplora come gli artisti astratti comunichino l'urgenza ambientale attraverso sei distinte strategie estetiche. Attraverso il lavoro di artisti pionieri (Jaanika Peerna, Reiner Heidorn, Olafur Eliasson, Mandy Barker e altri), esamineremo come le apparenti limitazioni dell'astrazione diventino punti di forza inaspettati nella difesa ambientale.

Due modelli, sei strategie

L'attivismo ambientale astratto opera attraverso due modelli generali: il Modello Affettivo, che utilizza rituali, partecipazione e lutto collettivo per far sentire le questioni ambientali agli spettatori attraverso un'esperienza emotiva condivisa; e il Modello Cognitivo, che usa visualizzazione, immersione e scala per far comprendere agli spettatori sistemi e processi ecologici invisibili.

All'interno di questi modelli, gli artisti impiegano sei strategie fondamentali:

1. Rendere l'Invisibile Visibile: Alcune delle forze ambientali più distruttive rimangono invisibili a occhio nudo: carbonio atmosferico, variazioni di temperatura, ecosistemi microscopici, tempo geologico che scorre troppo lentamente per la percezione umana. Gli artisti astratti hanno trovato modi per tradurre questi fenomeni nascosti in forme percepibili, rendendo tangibile ciò che altrimenti non possiamo vedere ma di cui abbiamo disperatamente bisogno per comprendere.

2. Testimone Materiale: Piuttosto che rappresentare la crisi ambientale, alcuni artisti lasciano che i loro materiali diventino partecipanti attivi nel messaggio. Usano sostanze ecologicamente significative o permettono a processi naturali come erosione, dissoluzione e decadimento di modellare l'opera stessa. L'opera d'arte diventa una traccia forense, una prova fisica di eventi ambientali piuttosto che una loro rappresentazione.

3. Scala e Immersione: I formati monumentali e le installazioni immersive possono sopraffare gli spettatori, costringendoli a un confronto corporeo con l'immensità degli ecosistemi. Questa strategia rompe la distanza confortevole tra osservatore e ambiente, usando la scala fisica per combattere l'alienazione che alimenta la crisi ecologica. Quando sei circondato o sovrastato dall'opera, la comprensione intellettuale lascia il posto all'esperienza viscerale.

4. Il Colore come Dato/Testimone: Il colore nell'astrazione ambientale spesso funziona meno come espressione emotiva e più come informazione codificata. Gli artisti usano palette specifiche per tradurre dati (livelli di inquinamento, variazioni di temperatura, metriche di biodiversità) o per servire come testimone simbolico della vitalità biologica. Un particolare verde non è solo bello; porta testimonianza di una foresta specifica, di un momento specifico di osservazione ecologica.

5. Ripetizione e Accumulazione: Il gesto ripetuto, l'oggetto accumulato, la forma serializzata possono modellare fenomeni ecologici che si sviluppano nel tempo e nella quantità: crescita cellulare, frammentazione della plastica, l'impatto cumulativo della produzione industriale. Quando gli elementi individuali si moltiplicano in migliaia, l'opera rende visibile la scala della crisi ambientale in modi che le singole immagini non possono.

6. Esperienza Incarnata: Alcune opere richiedono più di una semplice attenzione visiva. Necessitano di partecipazione fisica, coinvolgono più sensi (tatto, olfatto, temperatura) o creano rituali collaborativi. Trasformando gli spettatori da osservatori passivi in partecipanti attivi, queste opere provocano risposte affettive (dolore, calma, ansia, connessione) che vivono nel corpo piuttosto che nella mente, creando quel tipo di comprensione profonda che motiva l'azione etica.

Vediamo come queste strategie funzionano nella pratica.

Jaanika Peerna - Big melt #10 e Big Melt #16 (2016) 

Il Modello Affettivo: Glacier Elegies di Jaanika Peerna

Jaanika Peerna, un'artista nata in Estonia, che lavora tra New York, Berlino e Tallinn, ha sviluppato uno degli approcci più sofisticati alla testimonianza ambientale attraverso la performance partecipativa e la dissoluzione controllata. La sua pratica ha subito una svolta deliberata intorno al 2017 per affrontare direttamente il collasso climatico, trasformando i suoi studi precedenti sulle forze naturali (vento, acqua, luce) in un esplicito attivismo climatico.

La tecnica di Peerna consiste nel stringere mazzi di matite in ogni mano ed eseguire gesti spontanei con tutto il corpo su grandi fogli di Mylar, creando disegni cinetici che registrano le forze naturali attraverso il puro movimento. Le matite diventano estensioni del suo corpo, trasformando l'artista in quello che i critici chiamano "un contenitore che cattura i processi naturali." Ma il potere attivista emerge nel secondo atto della performance.

Nel suo progetto in corso Glacier Elegy, Peerna invita il pubblico a collaborare nella creazione di questi disegni su larga scala. Poi introduce blocchi di ghiaccio naturale sulla superficie. Man mano che il ghiaccio si scioglie, dissolve attivamente le linee e i pigmenti disegnati, cancellando la creazione collaborativa in tempo reale. Questo processo comprime decenni di scioglimento glaciale in un'esperienza immediata e incarnata di perdita.

Il genio risiede nella partecipazione pubblica (Strategia 6: Embodied Experience). Coinvolgendo il pubblico nella creazione, Peerna garantisce un investimento emotivo; la successiva distruzione diventa una perdita condivisa e tangibile piuttosto che dati astratti. L'opera non rappresenta lo scioglimento glaciale; lo mette in atto, trasformando gli spettatori in testimoni e in lutto. Il suo approccio riconosce che le immagini catastrofiche convenzionali spesso inducono paralisi; il suo metodo rituale fornisce una "via d'uscita" strutturata dal travolgente dolore climatico, trasformando l'impegno da osservazione passiva in quello che lei chiama "un atto di responsabilità etica e cura per il pianeta."

Il ghiaccio che si scioglie funziona come Material Witness (Strategia 2). L'acqua non è solo un mezzo; è un agente attivo di trasformazione e distruzione. La gravità e il flusso dettano la composizione finale, rendendo l'opera un documento forense del processo di dissoluzione stesso. Peerna ha anche sviluppato una sofisticata dimensione temporale (Scale/Immersion, Strategia 3). Mentre i suoi lavori precedenti celebravano i lenti processi naturali, Glacier Elegy accelera deliberatamente il trauma geologico, comprimendo decenni di ritiro glaciale nella breve durata di una performance rituale. Questa compressione simula un'urgenza in un modo che i dati climatici non possono.

Peerna estende questa pratica nel suo lavoro in studio, dove esegue versioni soliste dello stesso processo rituale. Le opere risultanti (intitolate "Tipping Point", "Big Melt", "Meltdown", "Ablation Zone") presentano un potente paradosso: monumenti sintetici permanenti su Mylar che registrano tragedie naturali momentanee, sottolineando la longevità dei materiali creati dall'uomo rispetto alla fragilità dei processi naturali.

L'accumulo di linee cinetiche e gesti sul Mylar (Ripetizione/Accumulo, Strategia 5) riflette la complessità e l'intensità delle forze naturali registrate. E sebbene l'estetica di Peerna sia minimalista (spesso nero su bianco), il suo attivismo si fonda su un vocabolario preciso (Colore come Dato, Strategia 4). I suoi titoli fanno riferimento a processi critici della glaciologia e della scienza climatica, fondendo estetica emotiva con dati oggettivi e radicando l'opera astratta nella realtà scientifica.

Reiner Heidorn - Specific Rank #2 e Specific Rank #1 (2024)

Il Modello Ontologico: il Bio-Divisionismo di Reiner Heidorn

Reiner Heidorn, un artista tedesco con base in Baviera, adotta un approccio radicalmente diverso. Lavorando dal suo studio circondato dalle Alpi bavaresi e dalle foreste, Heidorn ha sviluppato quella che chiama la tecnica "Dissolutio" (dissoluzione in latino), un processo che mira esplicitamente a dissolvere i confini tra umanità e mondo naturale.

L'attivismo di Heidorn non si concentra sull'inquinamento o sul degrado materiale come quello di Peerna, ma sul ripristino di una relazione ontologica sana con la natura. I suoi dipinti sono ciò che chiama "passaggi" o "aperture" verso la materia vivente, aspirando a creare "uno spazio senza confini" tra osservatore e osservato. Questa ricerca di smantellare la dicotomia soggetto/oggetto, identificata dai filosofi ecologici come causa principale della crisi ambientale, definisce l'efficacia politica della sua opera.

La sua tecnica offre un esempio eccezionale di Rendere Visibile l'Invisibile (Strategia 1). Heidorn trasforma strutture cellulari microscopiche ed ecosistemi di acqua dolce in vasti campi immersivi di colore. Il suo stile, che gli storici dell'arte chiamano "Neo-Espressionismo Bio-Divisionista", impiega ciò che definisce "Puntinismo Microscopico": migliaia di minuscoli e precisi punti di colore si organizzano in morbide gradazioni, trasferendo il linguaggio visivo della microscopia scientifica in espressione emotiva. Rende percepibile la complessità e l'interconnessione della vita che normalmente sfugge all'occhio umano, rendendo visibili le reti invisibili che sostengono gli ecosistemi.

Il processo di Dissolutio stesso funziona come Material Witness (Strategia 2), sebbene implicitamente. Per mantenere le sue opere in uno stato di movimento e incorporare la transitorietà come qualità estetica, Heidorn viola deliberatamente le regole classiche della pittura a olio, mescolando i colori direttamente sulla tela e accettando "errori" come bolle e crateri. Questa alterazione del medium assicura che l'opera incarni il flusso e il cambiamento, rafforzando l'idea di materia vivente e mutabile e cedendo il controllo ai processi naturali.

Il formato delle sue opere è un meccanismo critico di advocacy (Scale/Immersion, Strategia 3). Le sue tele sono monumentali e sovradimensionate, progettate per "sopraffare gli spettatori," funzionando come "portali" che immergono lo spettatore in materia vivente e mutante. Questa scala monumentale è una strategia attivista intenzionale per combattere l'antropocentrismo. Forzando gli spettatori a un confronto corporeo con l'immensità dell'ecosistema, l'opera insiste su quella che Heidorn chiama la "totale insignificanza dell'individuo." Lungi dall'essere nichilista, questo approccio incoraggia l'umiltà e favorisce ciò che descrive come "recupero psicologico." Sentirsi insignificanti di fronte alla vitalità biologica invita gli spettatori a dissolvere la loro separazione dalla natura, l'antitesi dell'alienazione che alimenta la crisi ambientale.

Il lavoro di Heidorn si basa fortemente sul Colore come Data/Witness (Strategia 4). Il suo linguaggio visivo è dominato dal verde, non come sfondo ma come soggetto e voce. Gli storici dell'arte lo associano a un "verde sacro, testimone della vita benedetta e profonda del mondo." La sua tavolozza, arricchita da blu e ocra, evoca esplicitamente foreste, laghi e mondi biologici autonomi. Questi colori non sono scelte decorative ma testimoni di luoghi specifici, luci specifiche, momenti specifici di connessione tra artista e ambiente.

La Repetition/Accumulation (Strategia 5) è intrinseca al suo metodo. Il Pointillismo Microscopico si basa su migliaia di piccoli e precisi punti di colore che si accumulano per formare ecosistemi complessi. Questo uso della ripetizione modella la densità e la complessità strutturale della materia vivente a scala cellulare, una rappresentazione estetica della necessaria interconnessione e ricchezza biologica a livello microscopico.

Infine, l'obiettivo finale di Heidorn è sia morale che psicologico (Embodied Experience, Strategia 6). I suoi dipinti sono progettati per offrire momenti di "recupero psicologico e profonda calma." Invitando gli spettatori a percorrere questi "passaggi" e a dissolvere i confini tra sé e la natura, l'esperienza immersiva diventa un'azione terapeutica contro l'ansia ecologica e l'alienazione. I critici riportano una sensazione di "tenerezza inaspettata" vissuta dagli spettatori, dimostrando l'efficacia di questo approccio non conflittuale. In un'epoca di emergenza ambientale, l'insistenza di Heidorn sulla lentezza e la contemplazione diventa una forma di resistenza contro la distruzione accelerata degli ecosistemi.

Espandere il Vocabolario: Altri Tre Approcci

Olafur Eliasson - Moss Wall (1994)

Astrazione Concettuale: Olafur Eliasson

Olafur Eliasson, l'artista concettuale danese-islandese, usa forme astratte e minimaliste come suo linguaggio principale per la comunicazione ambientale. Pur essendo fondamentalmente un artista concettuale, il suo lavoro si qualifica come attivismo astratto attraverso la manipolazione di fenomeni naturali (luce, acqua, atmosfera, percezione) in esperienze non figurative.

Eliasson eccelle nel Rendere l'Invisibile Visibile (Strategia 1) e Esperienza Incarnata (Strategia 6). Opere come Wavemachines o Regenfenster (Finestra della pioggia) replicano fenomeni d'acqua e condizioni meteorologiche, permettendo al pubblico di sperimentare forze naturali invisibili o incontrollabili in spazi museali controllati. Moss wall (1994) coinvolge direttamente l'esperienza incarnata introducendo materialità sensoriale (aroma, consistenza del lichene) nell'ambiente sterile del museo, rendendo i visitatori acutamente consapevoli della presenza biologica vivente.

Il suo lavoro sul colore illustra la quarta strategia elencata sopra (Data/Witness). Gli esperimenti sul colore (2019) decompongono dipinti paesaggistici figurativi storici (come quelli di Caspar David Friedrich), trattandoli come fonti di dati quantificabili. Analizzando, estraendo e distribuendo proporzionalmente i colori su tele astratte, Eliasson crea un "dataset" cromatico puro del paesaggio. Convalida l'idea che la natura possa essere tradotta in una forma astratta codificata, una sorta di storia dell'arte forense.

Il suo progetto Your planetary assembly (2025) impiega Scale/Immersion (Strategia 3) attraverso otto poliedri astratti i cui colori e disposizione sono ispirati ai modelli del sistema solare. Progettata come uno spazio di assemblea pubblica (riferendosi all'agorà), la disposizione spaziale dell'installazione costringe i partecipanti a considerare il loro ambiente immediato all'interno di un contesto cosmico più ampio, collegando geometria astratta e mappatura cosmica all'idea di comunità locale.

La pratica di Eliasson chiede costantemente: Come può l'arte far sì che la crisi climatica non sia solo compresa intellettualmente ma anche percepita fisicamente? Il suo approccio dimostra che gli artisti concettuali possono usare l'astrazione come loro principale veicolo per il messaggio ambientale, creando esperienze viscerali che bypassano la comprensione intellettuale.

Alicja Biała, Iwo Borkowicz - Totem (2019)

Visualizzazione dei Dati: Rendere Tangibili le Statistiche

Un movimento crescente di artisti utilizza l'astrazione come strumento per tradurre dati ecologici complessi in forme accessibili. Questa pratica di "eco-visualizzazione", termine coniato dall'artista Tiffany Holmes nel 2005, reinterpreta dati (consumo energetico, livelli di inquinamento, perdita di specie) attraverso mezzi tecnologici e artistici per influenzare il comportamento. Questo impiega direttamente Rendere l'Invisibile Visibile (Strategia 1) e Colore come Dato/Testimone (Strategia 4).

L'installazione Totemy di Alicja Biała e Iwo Borkowicz fornisce un esempio diretto. Questi pilastri alti nove metri utilizzano colore, forma e texture per rappresentare specifiche statistiche climatiche: sfruttamento della pesca, inquinamento atmosferico, raccolta del legname. Questa è una chiara applicazione di Scala/Immersione (Strategia 3) attraverso l'altezza imponente, Colore come Dato/Testimone (Strategia 4) tramite colori codificati per le statistiche, e Rendere l'Invisibile Visibile (Strategia 1) rendendo tangibili statistiche travolgenti. Gli spettatori possono visualizzare la scala dei problemi, quindi scansionare codici QR per una documentazione completa, collegando l'estetica astratta con informazioni fattuali.

ScanLAB Projects, lo studio londinese guidato da artisti fondato da Matt Shaw e William Trossell utilizza scanner 3D per creare opere digitali astratte in time-lapse di siti naturali, come un cactus saguaro che crolla nel Deserto di Sonora. Il cambiamento climatico spesso si manifesta su scale temporali troppo lente per la percezione umana (ghiacciai che si sciolgono in decenni, erosione in secoli). Il time-lapse astratto di ScanLAB risolve questo manipolando e comprimendo il tempo, rendendo visibile un processo solitamente invisibile su scala umana. L'opera funge da archivio dinamico, concretizzando la nozione di Invisibile Visibile (Strategia 1) attraverso l'astrazione della durata.

Mandy Barker - Nido d'Uccello - © Mandy Barker

Accumulo Forense: Mandy Barker

L'artista britannica Mandy Barker ha sviluppato una pratica concettuale e fotografica impressionante che utilizza l'accumulo per materializzare la scala globale dell'inquinamento marino. Sebbene il suo mezzo finale sia la fotografia, le sue composizioni astratte sono create attraverso l'assemblaggio intenzionale e la stratificazione di migliaia di detriti plastici raccolti.

Il lavoro di Barker impiega direttamente Ripetizione/Accumulo (Strategia 5) e Testimone Materiale (Strategia 2). L'accumulo non è solo estetico; è forense, volto a quantificare la scala insostenibile del problema. La sua serie PENALTY: The World ha assemblato 992 pezzi di palloni da calcio e detriti marini provenienti da 41 paesi per illustrare l'estensione globale della questione. La serie Hong Kong Soup: 1826 - Spilt documenta fuoriuscite massive integrando pellet di plastica (nurdles) nella composizione, fungendo da testimoni visivi dell'inquinamento.

Ogni singolo pezzo di detrito si trasforma in un'unità della crisi globale di micro- e macro-plastiche. La scelta dei materiali (rifiuti) diventa un atto etico, trasformando l'opera astratta in prova fisica e invitando il pubblico a ripensare il proprio approccio ai materiali e al consumo. Storicamente, ripetizione e accumulazione nell'arte erano associate a temi psicologici (le accumulazioni ossessive di Yayoi Kusama, per esempio). Nel contesto ambientale, l'accumulo assume un significato politico critico, direttamente collegato all'accumulo e alla frammentazione dei rifiuti, in particolare delle plastiche.

Le composizioni astratte di Barker sono contemporaneamente belle e orripilanti. L'attenta disposizione dei detriti in schemi simili a mandala o forme di costellazioni crea una seduzione visiva che attira gli spettatori, per poi colpirli duramente: ogni elemento è spazzatura, ogni pezzo è prova della crisi ecologica. Questa strategia dimostra che l'astrazione può contenere bellezza e urgenza nello stesso quadro, usando il piacere estetico non come distrazione ma come gancio che mantiene gli spettatori coinvolti abbastanza a lungo perché il messaggio venga recepito.

Perché l'Attivismo Astratto Funziona: Affetto e Cognizione

L'analisi comparativa di queste pratiche rivela che l'arte ambientale astratta ha successo attraverso due modelli principali, ciascuno impiegando diverse combinazioni delle sei strategie.

Il Modello Affettivo (esemplificato da Peerna) dimostra la superiorità delle pratiche rituali (Strategia 6). Proponendo una struttura estetica per il lutto ecologico e la perdita collettiva, Peerna offre un percorso per trasformare il dolore in azione etica. Questa strategia aggira con successo la saturazione mediatica e la paralisi emotiva indotta da immagini catastrofiche. Offre ciò che la comunicazione climatica convenzionale non può: un modo per affrontare fatti travolgenti mentre si guarisce l'anima e si motiva all'azione.

Il Modello Cognitivo (esemplificato da Heidorn, Eliasson e artisti dell'eco-visualizzazione) utilizza l'astrazione per ristabilire un rapporto sano con il mondo. Heidorn lo ottiene dissolvendo i confini osservatore/osservato e usando scala monumentale (Strategia 3) per insegnare l'umiltà davanti alla vitalità biologica. L'eco-visualizzazione usa l'astrazione per rendere visibili informazioni invisibili (dati) (Strategia 4), permettendo la comprensione cognitiva di processi complessi o lenti (come il time-lapse di ScanLAB). Eliasson crea ambienti controllati dove forze atmosferiche invisibili diventano esperienze tangibili.

Entrambi i modelli condividono un'intuizione cruciale: l'astrazione bypassa la comprensione intellettuale per creare una conoscenza viscerale e corporea. Quando partecipi alla creazione di un disegno che poi si dissolve davanti ai tuoi occhi, quando stai sopraffatto davanti a una tela monumentale di vita microscopica, quando incontri detriti oceanici accuratamente disposti, la risposta è somatica, non cerebrale. Questo crea quella che i ricercatori chiamano "empatia somatica", una forma più profonda di comprensione che vive nel corpo e motiva l'azione in modi che statistiche e immagini catastrofiche non possono.

L'astrazione come testimone urgente

L'astrazione può essere attivista? Il lavoro di Jaanika Peerna, Reiner Heidorn, Olafur Eliasson, Mandy Barker e altri dimostra in modo definitivo che può esserlo. Ma queste pratiche rivelano anche perché l'astrazione attivista rimane rara: richiede di risolvere il "problema del messaggio" che la figurazione evita. Senza figure o narrazioni, gli artisti astratti devono trovare altre strategie: rendere visibili sistemi invisibili, usare la trasformazione materiale come metafora, sopraffare attraverso la scala, codificare informazioni nel colore, accumulare prove attraverso la ripetizione, creare esperienze che trasformano gli osservatori in partecipanti.

La sfida rimane reale. L'astrazione non comunicherà mai con la chiarezza immediata di una fotografia di una foresta disboscata o di un dipinto di un rifugiato climatico. Ma questi approcci dimostrano che l'astrazione offre qualcosa di altrettanto prezioso: la capacità di testimoniare la crisi ambientale attraverso forma, materiale e processo; di creare bellezza che porta urgenza; di parlare un linguaggio visivo universale; di far percepire ciò che non sempre può essere visto; di fornire strutture per il lutto, la guarigione e l'azione etica.

Per gli spettatori e i collezionisti, impegnarsi con l'astrazione attivista è di per sé un atto di testimonianza. Quando trascorri del tempo con le elegie dei ghiacciai di Peerna o gli ecosistemi microscopici di Heidorn, quando incontri le installazioni atmosferiche di Eliasson o i mandala di detriti di Barker, partecipi a un tipo diverso di consapevolezza ambientale, una che vive nel corpo, nella sensazione, nello spazio dove bellezza e urgenza si incontrano. Come dimostrano questi artisti, questa partecipazione può trasformare l'impegno climatico dalla disperazione schiacciante in un lutto strutturato, dall'osservazione passiva alla guarigione collettiva, dall'alienazione alla riconnessione.

L'astrazione attivista è possibile. È difficile, è rara, ma quando viene raggiunta, offre forme di testimonianza ambientale che la figurazione non può eguagliare. Poiché la crisi climatica richiede tutte le voci, questi artisti dimostrano che l'astrazione ha contributi essenziali da offrire, non nonostante la sua resistenza a messaggi espliciti, ma proprio per ciò che quella resistenza, una volta superata, rende possibile.

Jaanika Peerna e Reiner Heidorn sono rappresentati da IdeelArt. 

Immagine in evidenza: Wetland di Reiner Heidorn (2023)

Di Francis Berthomier

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