Come Die Brücke (Il Ponte) ha celebrato il potere del colore

L'Espressionismo tedesco nacque nella città di Dresda nel 1905. Fu allora che quattro studenti di architettura si unirono per fondare Die Brücke, un movimento artistico destinato a dare inizio a una rivoluzione estetica tedesca. Die Brücke significa “Il Ponte” in tedesco. L’espressione rifletteva la percezione che il gruppo aveva di sé come figure di transizione, collegando le tradizioni artistiche tedesche superate del passato con gli ideali modernisti che avrebbero condotto la cultura verso il futuro. In termini generali, l’estetica di Die Brücke tendeva a composizioni emotivamente espressive dominate da campi di colore puri, piatti e non sfumati, e forme semplificate realizzate con segni primitivi. Gli artisti di Die Brücke cercavano di comunicare sentimenti piuttosto che copiare la realtà. La loro estetica era in gran parte ispirata alla stampa a xilografia. Ma vi era anche un’altra, più antica ispirazione per il gruppo – qualcosa ironicamente non tedesco e non del loro secolo: i dipinti di Vincent Van Gogh, un pittore post-impressionista olandese morto nel 1890. I quattro fondatori di Die Brücke – Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Fritz Bleyl e Karl Schmidt-Rottluff – visitarono una retrospettiva di Van Gogh aperta a Dresda nel 1905. All’epoca non erano ancora pittori, ma rimasero affascinati da ciò che questo artista visionario riusciva a comunicare con la pittura. I colori, le rapide pennellate e le forme semplificate ebbero su di loro un effetto elettrizzante. Il suo esempio li indirizzò verso un modo di attingere alle passioni profonde della vita. Van Gogh fu così influente per Die Brücke che uno dei membri successivi ad unirsi al gruppo – Emil Nolde – tentò addirittura di convincerli a cambiare nome in “Van Goghiana.” Fortunatamente, non seguirono questo suggerimento. Accettare un tale cambiamento sarebbe stato la fine di un movimento fondato soprattutto sull’originalità. Certo, Van Gogh li ispirò, ma ciò che Die Brücke cercava veramente non era copiare qualcun altro, bensì seguire i propri istinti individuali. Queste intenzioni sono riassunte nella terza frase del loro manifesto in tre frasi, pubblicato su una stampa a xilografia nel 1906, che recitava: “Chiunque rappresenti direttamente e autenticamente ciò che lo spinge a creare è uno di noi.”

Un Turbine Organizzato

Per la maggior parte dei tedeschi di inizio secolo, gli artisti di Die Brücke sembravano uomini selvaggi. Quando Franz Marc vide per la prima volta una mostra dei loro dipinti colorati e primitivisti, li soprannominò “i Fauves della Germania,” un riferimento ai Fauves, o “belve selvagge,” un gruppo di artisti attivi nello stesso periodo in Francia guidati da André Derain e Henri Matisse che usavano anch’essi tinte luminose e irreali. Il paragone con i Fauves era calzante. In effetti, Die Brücke meritava una reputazione ancora più selvaggia. Non solo usavano colori stravaganti nei loro dipinti, ma erano selvaggi in ogni senso della parola. Vivevano illegalmente nei loro studi, che non erano destinati a uso abitativo, nascondendo i letti in soffitta durante il giorno per non essere scoperti. Dipingevano anche modelli nudi nella natura. Poiché nessun modello rispettabile e professionale avrebbe accettato un simile incarico, pagavano persone non professioniste per accompagnarli nei boschi, lontano da occhi indiscreti. Insieme ai loro modelli nudi amatoriali e a un gruppo di altri amici e amanti, facevano festa, dipingevano e nuotavano, diventando una cosa sola con le loro nature più artistiche, più libere e più primitive.

L’immagine degli artisti di Die Brücke come fuori controllo, tuttavia, non è corretta. Erano bohémien, ma anche uno dei collettivi artistici più organizzati e riflessivi della storia. Nei loro otto anni di esistenza tennero più di 70 mostre collettive, sia in Germania che all’estero. Il gruppo fu anche innovativo dal punto di vista commerciale. Vendevano abbonamenti, così gli spettatori che desideravano possedere le loro opere ma non potevano permettersi di acquistare un dipinto potevano ricevere manifesti, stampe e altri materiali effimeri, come manifesti stampati. Il gruppo era rigidissimo nei requisiti per i membri: nessun membro poteva mostrare le proprie opere se non nelle mostre collettive. Il grande talento organizzativo necessario per realizzare così tante mostre, gestire le iscrizioni e gli abbonamenti è indubbiamente impressionante. Nonostante la loro fama di uomini selvaggi, Die Brücke stabilì una struttura organizzativa rivoluzionaria e immensamente efficace – una struttura ancora oggi imitata da molti collettivi artistici e gallerie gestite da artisti.

Ernst Ludwig Kirchner - Manifesto del gruppo di artisti Brücke (Programm der Künstlergruppe Brücke), 1906. Horst Jähner: Künstlergruppe Brücke. Geschichte einer Gemeinschaft und das Lebenswerk ihrer Repräsentanten. E.A.Seemann, Lipsia 2005.

I Degenerati

Die Brücke cominciò a frammentarsi intorno al 1912, quando Max Pechstein, un membro entrato in un secondo momento, violò apertamente il loro accordo di adesione mostrando le sue opere in mostre personali. La pietra tombale arrivò nel 1913, quando Kirchner scrisse la sua Cronaca di Die Brücke, che alienò gli altri membri affermando di essere il loro capo (quando in realtà il gruppo era un’aggregazione poco organizzata, quasi anarchica, di individui). Per un paradosso della storia, tuttavia, i membri di Die Brücke non rimasero alienati per sempre. Quando i nazisti salirono al potere, le opere degli artisti di Die Brücke furono considerate degeneri. Questi eventi spinsero i membri a riaffermare, almeno in teoria, la loro dedizione reciproca e all’ideale per cui avevano lottato: libertà e indipendenza per gli artisti.

Dopo la loro inclusione nella mostra d’arte degenerata del 1937, molte opere di Heckel, così come quelle del membro tardivo Otto Mueller, furono distrutte. Ma l’intera eredità non andò perduta. Pochi anni prima di morire, Heckel donò le opere rimaste per contribuire a fondare il Museo Brücke, inaugurato a Berlino nel 1967. Karl Schmidt-Rottluff fece anche una sostanziosa donazione delle sue opere, e il museo ha da allora acquisito molte altre opere di altri membri del gruppo. Oggi la sua collezione comprende migliaia di dipinti, sculture e opere su carta. L’eredità colorata del gruppo vive in questa raccolta, ma non si ferma qui. Risplende attraverso la trama di innumerevoli altri movimenti espressionisti del XX secolo e nel mondo dell’arte contemporanea di oggi, come esempio del potere espressivo del colore e del potenziale rivoluzionario dell’autenticità.

Immagine in evidenza: Karl Schmidt-Rottluff - Farisei, 1912. Olio su tela. 75,9 x 102,9 cm. Fondo Gertrud A. Mellon. Collezione MoMa. © 2019 Artists Rights Society (ARS), New York / VG Bild-Kunst, Bonn.
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio