L'arte di Richard Pousette-Dart è al top

Per l'artista americano Richard Pousette-Dart (1916 – 1992), il cerchio era un simbolo di vita eterna. Considerava la sua forma un'espressione non solo dell'eternità, ma di altre verità universali, come la natura spirituale degli esseri umani, la nozione che le persone sono inseparabili dalla natura e la speranza che possiamo trascendere gli aspetti temporali dell'esistenza attraverso l'espressione artistica. Pousette-Dart espresse la sua adorazione per il cerchio in molti modi diversi nel corso della sua carriera. Come giovane pittore negli anni '30, riempì le sue composizioni brutali e primitiviste con cerchi che servivano come espressioni figurative di occhi. Negli anni '40, come il membro più giovane della prima generazione di espressionisti astratti, utilizzò il cerchio come un totem astratto ricorrente: un sostituto per una testa umana, una nuvola a fungo, un pianeta, il sole, la speranza, la saggezza e i fiori. Per diversi anni, Pousette-Dart scolpì cerchi di ottone in una moltitudine di dimensioni e formazioni, donandoli a amici e collaboratori come emblemi di connettività spirituale. Poi, negli anni '60, la manifestazione più piena e matura della sua adorazione per il cerchio trovò la sua espressione, quando Pousette-Dart adottò una tecnica puntillista, riempiendo le sue tele completamente con migliaia di piccoli punti circolari di colore. A differenza dei pittori puntillisti del XIX secolo, che speravano che i punti di colore adiacenti si fondessero nell'occhio per aiutare gli spettatori a vivere visioni vivide e dinamiche delle loro scene figurative, Pousette-Dart mobilizzò i punti circolari per creare composizioni completamente astratte. I suoi dipinti astratti puntillisti sono destinati a trascinare l'occhio e la mente dello spettatore in uno spazio trascendentale, in cui verità mistiche attendono. Nella sua celebrazione aspirazionale del potere metafisico del cerchio, Pousette-Dart si alleò con pittori come Hilma af Klint e Wassily Kandinsky: astrattisti che aspiravano a dipingere non il mondo fisico e le cose che possono essere facilmente percepite dall'occhio, ma cose dello spirito che sono accessibili solo alle profondità della mente subconscia.

Un rifugiato della scuola di New York

Sebbene non fosse esattamente allineato con loro in diversi modi, numerose coincidenze storiche collocano Pousette-Dart in compagnia di uno dei gruppi di artisti americani più influenti del XX secolo: la New York School. Questo conglomerato di artisti, poco strutturato, emerse in seguito alla Seconda Guerra Mondiale. Includeva gli Espressionisti Astratti così come numerosi altri artisti che condividevano un apprezzamento metodico o estetico per l'importanza dell'arte astratta. Una manciata di momenti culturali distintivi ha contribuito a definire chi facesse parte della New York School. Uno di questi fu una serie di incontri chiamati le Sessioni degli Artisti presso lo Studio 35, durante i quali gli artisti presenti discutevano le idee, i metodi e le filosofie che guidavano il loro lavoro; un altro fu la famigerata lettera di protesta inviata al Metropolitan Museum of Art che rifiutava l'esposizione American Painting Today – 1950, e la successiva fotografia “Irascibles” pubblicata poco dopo su Life Magazine; un altro ancora fu la 9th Street Art Exhibition del 1951, che presentava le opere di 64 artisti ed è considerata aver stabilito l'esistenza di un avant-garde americano, post-bellico, di rilevanza globale.

Richard Pousette-Dart - Desert, 1940. Olio su tela. 43" x 6' (109 x 182,8 cm). Collezione MoMA. © 2019 Richard Pousette-Dart.

Pousette-Dart era coinvolto in tutti e tre quegli eventi. Ma allo stesso tempo era un outsider, anche tra questi altri outsider. A differenza della maggior parte dei suoi coetanei, era vegetariano e evitava l'alcol. Raramente frequentava bar, né lottava apertamente con ansia e depressione. Al contrario, Pousette-Dart era ottimista che in qualche modo la paura e l'ansia della sua generazione potessero essere sostituite da speranza e trascendenza, e che l'arte potesse svolgere un ruolo primario in quella trasformazione. Forse perché non si integrava socialmente, o forse semplicemente perché desiderava un ambiente più tranquillo e contemplativo in cui lavorare, lasciò New York City nel 1951, proprio quando la New York School stava diventando famosa. Con sua moglie e i suoi figli, si trasferì nello stato e si stabilì in una pratica di studio guidata dalla filosofia, una che gli permetteva di evolvere uno stile personale distintivo basato su colore, armonia e semplicità, e che condivideva poco in comune con i suoi contemporanei nella città.

Richard Pousette-Dart - Senza titolo, 1944. Olio su tela. 39 × 52 in (99,1 × 132,1 cm). Galleria Michael Rosenfeld. © 2019 Richard Pousette-Dart.

Un Rinascimento Pungente

Durante la sua vita, Pousette-Dart ricevette molti riconoscimenti, tra cui retrospettive al Whitney Museum of Art e all'Indianapolis Museum of Art. E dalla sua morte nel 1992, il suo lavoro è stato presentato in retrospettive al Whitney, al Metropolitan Museum of Art, al Guggenheim (New York e Venezia) e alla Philips Collection di Washington, DC, tra gli altri. Eppure, nonostante tale attenzione, la sua opera rimane in qualche modo sottovalutata, specialmente dal pubblico internazionale. Una spiegazione comunemente offerta per questo presunto trascuratezza è la teoria secondo cui le persone non sono interessate a un Espressionista Astratto ottimista – preferiscono la varietà depressa e alcolizzata. Un'altra teoria suggerisce che lo stile idiosincratico che sviluppò dopo aver lasciato New York rese il suo lavoro difficile da categorizzare, e quindi difficile da vendere per i galleristi.

Richard Pousette-Dart - Senza titolo, 1977. Grafite su carta. 22 3/4 × 30 in (57.8 × 76.2 cm). Michael Rosenfeld Gallery. © 2019 Richard Pousette-Dart.

C'è, tuttavia, almeno un punto di vista alternativo da considerare: che Pousette-Dart non sia stato trascurato; era forse solo leggermente in anticipo sui suoi tempi. Considera Hilma af Klint, la suprema spiritualista astratta dell'era moderna. Solo ora che la sua retrospettiva abbellisce le pareti del Guggenheim di New York, il grande pubblico sta diventando consapevole del suo lavoro. Era più di un secolo in anticipo sui suoi tempi. Pousette-Dart è nella sua discendenza – un intuitivo, autodidatta spiritualista che credeva nelle potenzialità mistiche e universali dell'arte astratta. Con due recenti mostre che introducono il suo lavoro al pubblico britannico – una recentemente conclusa a Cambridge e un'altra in mostra fino al 20 febbraio 2019 presso Pace London – sembra che sia giunto il momento di riesaminare Pousette-Dart nel contesto delle tendenze contemporanee. Forse il suo lavoro non si adattava al cinismo della sua generazione. Ma nel nostro tempo, mentre affrontiamo i nostri problemi e paure concreti, il suo sguardo su un mondo più speranzoso e unificato (sebbene invisibile) è proprio ciò di cui abbiamo bisogno.

Immagine in evidenza: Richard Pousette-Dart - Dentro la stanza, 1942. Olio su tela e legno. 36 × 60 pollici. (91,4 × 152,4 cm). Museo Whitney d'Arte Americana, New York; regalo per il 50° anniversario dell'artista 2014.99. © 2019 Richard Pousette-Dart.
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio