L'arte di Richard Pousette-Dart è al top

Per l'artista americano Richard Pousette-Dart (1916 – 1992), il cerchio era un simbolo di vita eterna. Egli considerava la sua forma non solo come espressione dell'eternità, ma anche di altre verità universali, come la natura spirituale degli esseri umani, l'idea che le persone siano inseparabili dalla natura e la speranza che possiamo trascendere gli aspetti temporali dell'esistenza attraverso l'espressione artistica. Pousette-Dart ha espresso la sua adorazione per il cerchio in molti modi diversi nel corso della sua carriera. Da giovane pittore negli anni Trenta, riempiva le sue composizioni rozze e primitiviste con cerchi che fungevano da espressioni figurative di occhi. Negli anni Quaranta, come membro più giovane della prima generazione di Espressionisti Astratti, utilizzava il cerchio come un totem astratto ricorrente: un sostituto per una testa umana, una nube a fungo, un pianeta, il sole, la speranza, la saggezza e i fiori. Per diversi anni, Pousette-Dart scolpì cerchi in ottone di molteplici dimensioni e forme, donandoli ad amici e conoscenti come emblemi di connessione spirituale. Poi, negli anni Sessanta, la manifestazione più piena e matura della sua adorazione per il cerchio trovò espressione quando Pousette-Dart adottò una tecnica puntinista, riempiendo le sue tele interamente con migliaia di piccoli punti circolari di colore. A differenza dei pittori puntinisti del XIX secolo, che speravano che i punti di colore adiacenti si fondessero nell'occhio per aiutare gli spettatori a vivere visioni vivide e dinamiche delle loro scene figurative, Pousette-Dart mobilitò i punti circolari per creare composizioni completamente astratte. I suoi dipinti puntinisti astratti sono pensati per attirare l'occhio e la mente dello spettatore in uno spazio trascendentale, in cui attendono verità mistiche. Nella sua aspirazionale celebrazione del potere metafisico del cerchio, Pousette-Dart si alleò con pittori come Hilma af Klint e Wassily Kandinsky: astrattisti che aspiravano a dipingere non il mondo fisico e le cose percepibili dall'occhio, ma le cose dello spirito accessibili solo alle profondità della mente subconscia.

Un rifugiato della Scuola di New York

Sebbene non fosse esattamente allineato con loro in diversi modi, alcune coincidenze storiche collocano Pousette-Dart in compagnia di uno dei gruppi di artisti americani più influenti del XX secolo: la Scuola di New York. Questo conglomerato di artisti, poco coeso, emerse dopo la Seconda Guerra Mondiale. Includeva gli Espressionisti Astratti così come numerosi altri artisti che condividevano un apprezzamento metodico o estetico per l'importanza dell'arte astratta. Alcuni momenti culturali distinti aiutarono a definire chi faceva parte della Scuola di New York. Uno fu una serie di incontri chiamati Artists Sessions presso lo Studio 35, durante i quali gli artisti presenti discutevano le idee, i metodi e le filosofie che guidavano il loro lavoro; un altro fu la famigerata lettera di protesta inviata al Metropolitan Museum of Art che rifiutava la mostra American Painting Today – 1950, e la successiva fotografia degli “Irascibili” pubblicata poco dopo su Life Magazine; un altro ancora fu la Mostra d'Arte di 9th Street del 1951, che presentò il lavoro di 64 artisti ed è considerata aver stabilito l'esistenza di un'avanguardia americana postbellica di rilevanza globale .

Richard Pousette-Dart - Deserto, 1940. Olio su tela. 109 x 182,8 cm. Collezione MoMA. © 2019 Richard Pousette-Dart.

Pousette-Dart partecipò a tutti e tre quegli eventi. Ma allo stesso tempo era un estraneo, anche tra questi altri estranei. A differenza della maggior parte dei suoi pari, era vegetariano e evitava l'alcol. Raramente frequentava bar, né lottava apertamente con ansia e depressione. Al contrario, Pousette-Dart era ottimista sul fatto che in qualche modo la paura e l'ansia della sua generazione potessero essere sostituite dalla speranza e dalla trascendenza, e che l'arte potesse svolgere un ruolo primario in quella trasformazione. Forse perché non si integrava socialmente, o forse semplicemente perché desiderava un ambiente più tranquillo e contemplativo in cui lavorare, lasciò New York nel 1951, proprio quando la Scuola di New York stava diventando famosa. Con la moglie e i figli, si trasferì nello stato di New York e si stabilì in una pratica artistica guidata dalla filosofia, che gli permise di sviluppare uno stile personale distintivo basato sul colore, l'armonia e la semplicità, e che condivideva poco con i suoi contemporanei in città.

Richard Pousette-Dart - Senza titolo, 1944. Olio su tela. 99,1 × 132,1 cm. Galleria Michael Rosenfeld. © 2019 Richard Pousette-Dart.

Una rinascita puntinista

Durante la sua vita, Pousette-Dart ricevette molti riconoscimenti, tra cui retrospettive al Whitney Museum of Art e all'Indianapolis Museum of Art. E dalla sua morte nel 1992, le sue opere sono state esposte in retrospettive al Whitney, al Metropolitan Museum of Art, al Guggenheim (New York e Venezia) e alla Philips Collection di Washington, DC, tra gli altri. Tuttavia, nonostante tale attenzione, la sua opera rimane in qualche modo poco apprezzata, specialmente dal pubblico internazionale. Una spiegazione comunemente offerta per questa percepita trascuratezza è la teoria che le persone non siano interessate a un Espressionista Astratto ottimista – preferiscono la varietà depressa e alcolizzata. Un'altra teoria suggerisce che lo stile idiosincratico che sviluppò dopo aver lasciato New York rese il suo lavoro difficile da classificare e quindi difficile da vendere ai mercanti.

Richard Pousette-Dart - Senza titolo, 1977. Grafite su carta. 57,8 × 76,2 cm. Galleria Michael Rosenfeld. © 2019 Richard Pousette-Dart.

C'è, tuttavia, almeno un punto di vista alternativo da considerare: che Pousette-Dart non sia stato trascurato; forse era solo un po' avanti rispetto al suo tempo. Considerate Hilma af Klint, la suprema spiritualista astratta dell'era moderna. Solo ora che la sua retrospettiva decora le pareti del Guggenheim di New York il grande pubblico sta diventando consapevole della sua opera. Era più di un secolo avanti rispetto al suo tempo. Pousette-Dart è nella sua discendenza – uno spiritualista intuitivo e autodidatta che credeva nelle potenzialità mistiche e universali dell'arte astratta. Con due recenti mostre che hanno introdotto la sua opera al pubblico britannico – una appena conclusa a Cambridge e un'altra in corso fino al 20 febbraio 2019 presso Pace London – sembra che sia giunto il momento di riesaminare Pousette-Dart nel contesto delle tendenze contemporanee. Forse la sua opera non si adattava al cinismo della sua generazione. Ma nel nostro tempo, mentre affrontiamo i nostri problemi e paure concreti, la sua visione di un mondo più speranzoso e unificato (seppur invisibile) è proprio ciò di cui abbiamo bisogno.

Immagine in evidenza: Richard Pousette-Dart - Within the Room, 1942. Olio su tela e legno. 91,4 × 152,4 cm. Whitney Museum of American Art, New York; dono per il 50° anniversario dell'artista 2014.99. © 2019 Richard Pousette-Dart.
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio