Come l'Astrazione ha Servito l'Arte Avanguardista

La maggior parte dei politici oggi ignora l'arte d'avanguardia. La vedono come un bastione innocuo per intellettuali che commerciano in filosofie estetiche esoteriche. Ma non è sempre stato così. Nel passato non troppo lontano, i broker del potere temevano l'arte d'avanguardia come una forza in grado di esercitare influenza culturale, o addirittura di alterare il carattere nazionale. E i movimenti artistici d'avanguardia legati all'astrazione erano spesso percepiti come particolarmente minacciosi, a causa dell'ambiguità del loro scopo e dell'imprevedibilità della loro influenza. Oggi guardiamo indietro ad alcuni dei modi in cui l'astrazione ha influenzato i movimenti artistici d'avanguardia del passato e l'impatto di quei movimenti sulla nostra cultura.

Salone degli Rifiutati

1863, Parigi

Avanguardia significa avanguardia. È un termine militare francese per i soldati che aprono la strada in nuovi territori contro nemici incerti. Il suo uso per descrivere l'arte risale almeno al 1863. Quell'anno un movimento artistico avanguardista chiamato Impressionismo rovesciò la struttura di potere culturale della Francia. Dal 1667, un'istituzione chiamata Académie des Beaux-Arts aveva definito l'arte francese rispettabile. Organizzavano un'esposizione annuale chiamata Salon de Paris, che conferiva a selezionati artisti la statura associata all'approvazione dell'élite sociale.

Gli Impressionisti erano sperimentatori. Inventarono nuovi modi di dipingere; dipingevano all'aperto, dipingevano scene quotidiane e si concentravano di più sul trasmettere la luce piuttosto che il soggetto. Cercavano un nuovo modo di dipingere, ma anche un nuovo modo di vedere il mondo. Il loro lavoro fu rifiutato dal Salon de Paris. Ma Napoleone decise che il pubblico dovesse determinare se ci fosse valore nello stile impressionista, così organizzò il Salon des Refusés nel 1963, esponendo opere rifiutate dal Salon formale. La mostra fu ancora più popolare del Salon formale, portando all'ascesa dell'Impressionismo e al declino del potere dell'Académie des Beaux-Arts.

Salone degli Indipendenti

1884, Parigi

Nonostante il successo del Salon de Refusés, l'idea che le mostre d'arte dovessero essere giurate continuava a persistere; che certe persone d'élite dovessero avere il potere di stabilire il gusto. Ma nel 1884, un gruppo chiamato Société des Artistes Indépendants, che includeva Georges Seurat e Paul Signac, i fondatori del Pointillismo, contribuì a distruggere questa nozione creando il primo Salon des Indépendants, un'esposizione aperta a qualsiasi artista. Il loro motto era senza giuria né premio.

Durante i suoi 30 anni di attività, il Salon des Indépendants ha contribuito a stabilire il Neo-Impressionismo, il Divisionismo, i Simbolisti, il Fauvismo, l'Espressionismo, il Cubismo e l'Orfismo. Ha dato rifugio all'astrazione e ha connesso artisti d'avanguardia affini. Ha consolidato le reputazioni di Cézanne, Gauguin, Toulouse-Lautrec, Van Gogh e Matisse. E, cosa più importante, ha stabilito che l'arte modernista non era sotto il controllo di alcuna istituzione e che la società poteva essere accessibile e, quindi, influenzata dall'avanguardia.

Pablo Picasso - Le signore di Avignone, 1907. Olio su tela. 8' x 7' 8" (243,9 x 233,7 cm). Collezione MoMA. Acquisito tramite il lascito di Lillie P. Bliss (per scambio). © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Futurismo italiano

1909, Italia

Intorno al cambio del XX secolo, si verificò un'evoluzione generale nella mentalità delle persone industrializzate. La cultura passò da una fiducia nei vecchi, antichi modi di gestire la società a una convinzione che i modi antichi e tradizionali fossero inutili. Il movimento artistico d'avanguardia che espresse più chiaramente questa evoluzione e la consolidò nella mente delle masse fu il Futurismo italiano.

Il Manifesto Futurista, pubblicato nel 1909, esprimeva l'intenzione di una nuova generazione di artisti di distruggere le istituzioni e le idee del passato per fare spazio al nuovo. Esaltava la meraviglia delle macchine e della velocità, e sosteneva la guerra per purificare la società. Lo stile artistico astratto futurista si basava sulla rappresentazione del movimento per glorificare la tecnologia. Le loro idee alimentarono la retorica e le politiche che portarono alla Prima Guerra Mondiale. Diversi tra le loro fila morirono nella guerra.

Wyndham Lewis - pittura vorticista. © L'eredità di G A Wyndham Lewis

Suprematismo e Costruttivismo

1913, Russia

Dopo la Prima Guerra Mondiale, emersero due movimenti avanguardistici russi opposti in risposta alle vaste sfide sociali che affrontava quel paese. Kazimir Malevich creò uno stile artistico astratto chiamato Suprematismo, che cercava di esprimere universalità nei modi più semplici e puri. Malevich scrisse nel suo manifesto, Il Mondo Non Obiettivo, “L'arte non si preoccupa più di servire lo stato e la religione, non desidera più illustrare la storia delle maniere, non vuole avere nulla a che fare con l'oggetto, in quanto tale, e crede di poter esistere, in e per se stessa…”

Allo stesso tempo, Vladimir Tatlin sviluppò il Costruttivismo, una filosofia artistica secondo cui l'arte dovrebbe servire il mondo materiale in modo obiettivo. Sebbene il Costruttivismo e il Suprematismo fossero direttamente opposti, entrambi furono altamente influenti. Il Suprematismo stabilì un punto di vista culturale secondo cui l'arte astratta, e l'umanità in generale, ha un lato metafisico fondamentale. Il Costruttivismo stabilì un punto di vista culturale secondo cui l'arte, e la vita, sono materiali e dovrebbero essere affrontati da una prospettiva utilitaristica. Entrambi i punti di vista ovviamente prosperano ancora oggi.

Kazimir Malevich - Composizione Suprematista: Bianco su Bianco, 1918. Olio su tela. 31 1/4 x 31 1/4" (79,4 x 79,4 cm). Collezione MoMA. Acquisizione del 1935 confermata nel 1999 con accordo con l'Eredità di Kazimir Malevich e resa possibile grazie ai fondi del lascito della signora John Hay Whitney (per scambio)

Petto

1915, New York

1916, Zurigo

Mentre gli artisti russi dibattevano se l'arte dovesse essere oggettiva o non oggettiva, vari artisti a New York e Zurigo stavano promuovendo una terza prospettiva. Consideravano l'arte, e la vita, assurde. Rispondendo agli orrori della Prima Guerra Mondiale, i Dadaisti adottarono il punto di vista nichilista che nulla è sacro. Deridevano tutte le istituzioni, gli stili, le filosofie e le tendenze, appropriandosi contemporaneamente delle loro inclinazioni nella loro arte.

I Dadaisti crearono un'affermazione estetica intenzionalmente caotica e incomprensibile. In un certo senso, era una risposta alla follia. In un altro senso, il Dadaismo creò una cultura ancora più nichilista convalidando e nutrendo la follia. Gli artisti associati al Dada erano fermi nel dire che non stavano facendo satira. Non stavano dicendo nulla. Stavano distruggendo l'idea che l'arte avesse un significato.

Jean Arp - Composizione Astratta, 1915. Collage.

Arte degenerata

1937, Germania

Nella Germania del dopoguerra, gli artisti d'avanguardia lavorarono brevemente in concerto con la cultura più ampia. Nel 1919, la Repubblica di Weimar istituì riforme di ampia portata, incoraggiando una Germania aperta, liberale e moderna. Il Bauhaus emerse in sintonia con gli ideali di Weimar. Per 14 anni, gli artisti associati a questa istituzione d'avanguardia nutrirono la prospettiva culturale che arte e società dovessero essere collegate, combinando arte, architettura e design.

Ma nel 1933, dopo un crollo economico, la Repubblica di Weimar perse il controllo a favore del Partito Nazista. I nazisti si opponevano al Modernismo. Vietarono qualsiasi forma d'arte che fosse al di fuori della loro ristretta visione della grandezza storica tedesca. Etichettarono l'arte astratta, l'arte moderna e l'arte d'avanguardia come degenerata. La prima esposizione di Arte Degenerata nel 1937 segnò l'inizio di un attacco formale e ufficiale contro chiunque fosse associato a quelle che venivano definite opinioni degenerative.

Rifiuto totale

1948, Canada

Mentre i nazisti prendevano il controllo della Germania, il Regno Unito stava cedendo il controllo di molti dei suoi territori. Nel 1931, il Regno Unito approvò una legislazione che consentiva al Canada di determinare il proprio destino legale e nazionale. I canadesi si impegnarono quindi in un processo graduale di determinazione del proprio carattere nazionale. Un gruppo di artisti prese l'iniziativa in quella conversazione culturale. Guidato da Paul-Émile Borduas e Jean-Paul Riopelle, il gruppo pubblicò un manifesto nel 1948 chiamato Le Refuse Global (Rifiuto Totale).

Il manifesto chiedeva che gli artisti canadesi fossero liberi dal controllo religioso e accademico. Abbracciava l'astrazione, la sperimentazione e il secolarismo culturale. La reazione immediata al manifesto fu negativa, ma nel corso di diversi decenni contribuì a innescare la Rivoluzione Quiet, un movimento più ampio che realizzò riforme liberali in tutto il Canada. Quelle riforme definiscono oggi il carattere nazionale canadese e, in certa misura, devono la loro genesi a Le Refuse Global.

Jean-Paul Riopelle - Composizione, 1954. Olio su tela. © Jean-Paul Riopelle

Gruppo Gutai

1954, Giappone

"Mentre il Giappone si ricostruiva dopo la Seconda Guerra Mondiale, un collettivo artistico d'avanguardia chiamato il Gruppo Gutai intraprese una missione per reimmaginare la cultura giapponese. Gli artisti Gutai credevano che la violenza del passato fosse il risultato di una cultura di assimilazione e isolamento. Credevano che l'individualità, la libertà creativa, un legame con la natura e un legame con altre culture fossero fondamentali per promuovere la pace."

Il gruppo si formò nel 1954 e scrisse un manifesto nel 1956 che esponeva il loro approccio alla creazione artistica. Il loro lavoro era intenzionalmente astratto e sperimentale. Ha innescato un rinascimento culturale in Giappone. Attraverso la corrispondenza si sono connessi con altri artisti in tutto il mondo. Il Gutai influenzò direttamente il Movimento Fluxus e molti altri movimenti d'arte concettuale in Europa e Nord America.

Shiraga Kazuo - BB64, 1962. Olio su tela. 31 7/8 x 45 5/8 in. (81 x 116 cm). © Shiraga Kazuo

Il Movimento degli Spazi Alternativi per l'Arte

Anni '70, Globale

Iniziando a New York, il Movimento degli Spazi Alternativi per l'Arte emerse come un movimento avanguardistico globale negli anni '70. O, forse in un altro modo, era un anti-movimento, perché piuttosto che definire un approccio particolare all'arte, forniva semplicemente a un artista un ambiente e i mezzi con cui offrire al pubblico qualsiasi fenomeno estetico.

Gli artisti connessi con gli Spazi Alternativi d'Arte includono Cindy Sherman, Sol LeWitt, Louise Bourgeois, John Cage, Judy Chicago, Sherrie Levine, Laurie Anderson, Brian Eno e i Beastie Boys. Come un esperimento avanguardistico completamente accogliente e onnicomprensivo, il movimento era esso stesso una fantastica astrazione: un'idea del mondo dell'arte come un'esperienza totalmente aperta resistente a ogni giudizio, valutazione e critica.

Sol LeWitt - Disegno Murale 1. © Sol LeWitt

Astrazione, l'Avanguardia e Noi

Innumerevoli casi i movimenti artistici d'avanguardia hanno influenzato le culture in cui esistevano. Non c'è da meravigliarsi che la malintesa astrazione e la paura dell'arte d'avanguardia abbiano portato alcuni dei regimi e delle istituzioni più potenti del passato a essere apertamente antagonisti nei confronti dell'arte come minaccia al loro controllo.

Guardando indietro ai molti movimenti artistici d'avanguardia del passato (e ce ne sono stati molti di più di quelli che abbiamo trattato), possiamo vedere che l'astrazione era una parte integrante delle loro filosofie. Ogni movimento d'avanguardia è essenzialmente costruito su idee. E così tante di quelle idee hanno coinvolto sperimentazione, apertura, ambiguità e libertà artistica.

Immagine in evidenza: Giacomo Balla - Linea di velocità (dettaglio), 1913. Olio su tela
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park