Come l'Astrazione ha Servito l'Arte Avanguardista

La maggior parte dei politici oggi ignora l'arte d'avanguardia. La vedono come un baluardo innocuo per intellettuali che scambiano filosofie estetiche esoteriche. Ma non è sempre stato così. In un passato non troppo lontano, i detentori del potere temevano l'arte d'avanguardia come una forza capace di esercitare influenza culturale, o addirittura di alterare il carattere nazionale. E i movimenti d'arte d'avanguardia legati all'astrazione erano spesso percepiti come particolarmente minacciosi, a causa dell'ambiguità del loro scopo e dell'imprevedibilità della loro influenza. Oggi guardiamo indietro ad alcuni dei modi in cui l'astrazione ha influenzato i movimenti d'arte d'avanguardia del passato e l'impatto di quei movimenti sulla nostra cultura.

Salon des Refusés

1863, Parigi

Avant-garde significa avanguardia. È un termine militare francese per soldati che aprono la strada in nuovi territori contro nemici incerti. Il suo uso per descrivere l'arte risale almeno al 1863. Quell'anno un movimento artistico d'avanguardia chiamato Impressionismo sconvolse la struttura del potere culturale francese. Dal 1667, un'istituzione chiamata Académie des Beaux-Arts definiva l'arte francese rispettabile. Organizzavano una mostra annuale chiamata Salon de Paris, che conferiva ad artisti selezionati lo status associato all'approvazione dell'élite sociale.

Gli Impressionisti erano sperimentatori. Inventarono nuovi modi di dipingere; dipingevano all'aperto, scene di vita quotidiana, e si concentravano più sul trasmettere la luce che sul soggetto. Cercavano un nuovo modo di dipingere, ma anche un nuovo modo di vedere il mondo. Le loro opere furono rifiutate dal Salon de Paris. Ma Napoleone decise che il pubblico avrebbe dovuto determinare se lo stile impressionista avesse valore, così organizzò il Salon des Refusés nel 1963, esponendo opere rifiutate dal Salon ufficiale. La mostra fu ancora più popolare del Salon ufficiale, portando all'ascesa dell'Impressionismo e al declino del potere dell'Académie des Beaux-Arts.

Salon des Indépendants

1884, Parigi

Nonostante il successo del Salon de Refusés, l'idea persisteva ancora che le mostre d'arte dovessero essere giudicate da una giuria; che certe persone d'élite dovessero avere il potere di stabilire il gusto. Ma nel 1884, un gruppo chiamato Société des Artistes Indépendants, che includeva Georges Seurat e Paul Signac, i fondatori del Pointillism, contribuì a distruggere questa nozione creando il primo Salon des Indépendants, una mostra aperta a qualsiasi artista. Il loro motto era senza giuria né premio.

Durante i suoi 30 anni di attività, il Salon des Indépendants contribuì a stabilire il Neo-Impressionismo, il Divisionismo, i Simbolisti, il Fauvismo, l'Espressionismo, il Cubismo e l'Orfismo. Offrì rifugio all'astrazione e collegò artisti d'avanguardia con idee affini. Consolidò la reputazione di Cézanne, Gauguin, Toulouse-Lautrec, Van Gogh e Matisse. E, cosa più importante, stabilì che l'arte modernista non era sotto il controllo di alcuna istituzione, e che la società poteva essere raggiunta, e quindi influenzata, dall'avanguardia.

Pablo Picasso - Les Demoiselles d'Avignon, 1907. Olio su tela. 8' x 7' 8" (243,9 x 233,7 cm). Collezione MoMA. Acquisito tramite il lascito Lillie P. Bliss (per scambio). © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Futurismo italiano

1909, Italia

Intorno al cambio del XX secolo, si verificò un'evoluzione generale nella mentalità delle persone industrializzate. La cultura passò da una fiducia nei vecchi, antichi modi di gestire la società a una convinzione che i modi vecchi e antichi fossero inutili. Il movimento artistico d'avanguardia che più chiaramente espresse questa evoluzione, e la consolidò nelle menti delle masse, fu il Futurismo italiano Futurismo.

Il Manifesto Futurista, pubblicato nel 1909, esprimeva l'intenzione di una nuova generazione di artisti di distruggere le istituzioni e le idee del passato per fare spazio al nuovo. Esaltava la meraviglia delle macchine e della velocità, e sosteneva la guerra per purificare la società. Lo stile artistico astratto futurista si basava sulla rappresentazione del movimento per glorificare la tecnologia. Le loro idee alimentarono la retorica e le politiche che portarono alla Prima Guerra Mondiale. Diversi tra loro morirono in guerra.

Wyndham Lewis - Pittura vorticista. © The Estate of G A Wyndham Lewis

Suprematismo e Costruttivismo

1913, Russia

Nel dopoguerra della Prima Guerra Mondiale, emersero due movimenti d'avanguardia russi opposti in risposta alle vaste sfide sociali che il paese affrontava. Kazimir Malevich creò uno stile di arte astratta chiamato Suprematismo, che cercava di esprimere universalità nei modi più semplici e puri. Malevich scrisse nel suo manifesto, Il Mondo Non-Obiettivo, “L'arte non si preoccupa più di servire lo stato e la religione, non desidera più illustrare la storia delle maniere, vuole non avere più nulla a che fare con l'oggetto, come tale, e crede di poter esistere, in sé e per sé…”

Contemporaneamente, Vladimir Tatlin sviluppò il Costruttivismo, una filosofia artistica secondo cui l'arte dovrebbe servire il mondo materiale in modo oggettivo. Sebbene Costruttivismo e Suprematismo fossero direttamente opposti, entrambi furono altamente influenti. Il Suprematismo stabilì un punto di vista culturale secondo cui l'arte astratta, e l'umanità in generale, ha un lato metafisico fondamentale. Il Costruttivismo stabilì un punto di vista culturale secondo cui l'arte, e la vita, sono materiali e dovrebbero essere affrontati da una prospettiva utilitaristica. Entrambi i punti di vista ovviamente prosperano ancora oggi.

Kazimir Malevich - Composizione Suprematista: Bianco su Bianco, 1918. Olio su tela. 31 1/4 x 31 1/4" (79,4 x 79,4 cm). Collezione MoMA. Acquisizione 1935 confermata nel 1999 tramite accordo con l'Eredità di Kazimir Malevich e resa possibile con fondi dal lascito Mrs. John Hay Whitney (per scambio)

Dada

1915, New York

1916, Zurigo

Mentre gli artisti russi dibattevano se l'arte dovesse essere oggettiva o non-oggettiva, vari artisti a New York e Zurigo stavano promuovendo una terza prospettiva. Consideravano l'arte, e la vita, assurde. Rispondendo agli orrori della Prima Guerra Mondiale, i Dadaisti adottarono il punto di vista nichilista che nulla è sacro. Deridevano tutte le istituzioni, stili, filosofie e tendenze mentre contemporaneamente appropriavano le loro inclinazioni nella loro arte.

I Dadaisti crearono un'affermazione estetica intenzionalmente caotica e incomprensibile. In un senso fu una risposta alla follia. In un altro senso, il Dadaismo creò una cultura ancora più nichilista validando e nutrendo la pazzia. Gli artisti associati al Dada erano fermi nel dire che non stavano facendo satira. Non stavano dicendo nulla. Stavano distruggendo l'idea che l'arte avesse un significato.

Jean Arp - Composizione Astratta, 1915. Collage.

Arte Degenerata

1937, Germania

Nella Germania del dopoguerra, gli artisti d'avanguardia lavorarono brevemente in concerto con la cultura più ampia. Nel 1919, la Repubblica di Weimar istituì riforme di vasta portata, incoraggiando una Germania aperta, liberale e moderna. Il Bauhaus emerse in sintonia con gli ideali di Weimar. Per 14 anni gli artisti associati a questa istituzione d'avanguardia coltivarono la prospettiva culturale che arte e società dovessero essere collegate, combinando arte, architettura e design.

Ma nel 1933, dopo un crollo economico, la Repubblica di Weimar perse il controllo a favore del Partito Nazista. I nazisti si opponevano al Modernismo. Proibirono qualsiasi arte al di fuori della loro stretta visione della grandezza storica tedesca. Etichettarono l'arte astratta, l'arte moderna e l'arte d'avanguardia come degenerata. La prima mostra di Arte Degenerata nel 1937 segnò l'inizio di un attacco formale e ufficiale contro chiunque fosse associato a quelle che chiamavano visioni degenerative.

Rifiuto Totale

1948, Canada

Mentre i nazisti prendevano il controllo della Germania, il Regno Unito stava rilasciando il controllo di molti dei suoi territori. Nel 1931, il Regno Unito approvò una legislazione che permetteva al Canada di determinare il proprio destino legale e nazionale. I canadesi si impegnarono così in un processo graduale di definizione del loro carattere nazionale. Un gruppo di artisti prese la guida di quella conversazione culturale. Guidato da Paul-Émile Borduas e Jean-Paul Riopelle, il gruppo pubblicò un manifesto nel 1948 chiamato Le Refus Global (Rifiuto Totale).

Il manifesto chiedeva che gli artisti canadesi fossero liberi dal controllo religioso e accademico. Abbracciava l'astrazione, la sperimentazione e il laicismo culturale. La reazione immediata al manifesto fu negativa, ma nel corso di diversi decenni contribuì a innescare la Rivoluzione Silenziosa, un movimento più ampio che realizzò riforme liberali in tutto il Canada. Queste riforme definiscono oggi il carattere nazionale canadese e in una certa misura devono la loro genesi a Le Refus Global.

Jean-Paul Riopelle - Composizione, 1954. Olio su tela. © Jean-Paul Riopelle

Gruppo Gutai

1954, Giappone

Mentre il Giappone si ricostruiva dopo la Seconda Guerra Mondiale, un collettivo d'arte d'avanguardia chiamato Gruppo Gutai intraprese una missione per reimmaginare la cultura giapponese. Gli artisti Gutai credevano che la violenza del passato fosse il risultato di una cultura di assimilazione e isolamento. Credevano che l'individualità, la libertà creativa, una connessione con la natura e una connessione con altre culture fossero fondamentali per promuovere la pace.

Il gruppo si formò nel 1954 e scrisse un manifesto nel 1956 che spiegava il loro approccio alla creazione artistica. Il loro lavoro era intenzionalmente astratto e sperimentale. Scatenò una rinascita culturale in Giappone. Per posta si collegarono con altri artisti in tutto il mondo. Gutai influenzò direttamente il Movimento Fluxus e molti altri movimenti di arte concettuale in Europa e Nord America.

Shiraga Kazuo - BB64, 1962. Olio su tela. 81 x 116 cm (31 7/8 x 45 5/8 in). © Shiraga Kazuo

Il Movimento Alternative Artspace

Anni '70, Globale

Nato a New York, il Movimento Alternative Artspace è emerso come un movimento d'avanguardia globale negli anni '70. O, forse, in un altro modo, era un anti-movimento, perché invece di definire un approccio particolare all'arte forniva semplicemente all'artista un ambiente e i mezzi per offrire al pubblico qualsiasi fenomeno estetico.

Gli artisti collegati agli Alternative Artspaces includono Cindy Sherman, Sol LeWitt, Louise Bourgeois, John Cage, Judy Chicago, Sherrie Levine, Laurie Anderson, Brian Eno e i Beastie Boys. Come esperimento d'avanguardia inclusivo e totale, il movimento era esso stesso una fantastica astrazione: un'idea del mondo dell'arte come esperienza totalmente aperta, resistente a ogni giudizio, valutazione e critica.

Sol LeWitt - Wall Drawing 1. © Sol LeWitt

Astrattismo, Avanguardia e Noi

In innumerevoli casi i movimenti d'arte d'avanguardia hanno influenzato le culture in cui esistevano. Non sorprende che la incomprensione dell'astrazione e la paura dell'arte d'avanguardia abbiano portato alcuni dei regimi e delle istituzioni più potenti del passato a essere apertamente antagonisti verso l'arte come minaccia al loro controllo.

Guardando indietro ai numerosi movimenti d'avanguardia del passato (e ce ne sono stati molti più di quelli che abbiamo trattato), possiamo vedere che l'astrazione era parte integrante delle loro filosofie. Ogni movimento d'avanguardia è essenzialmente costruito su idee. E molte di queste idee hanno coinvolto sperimentazione, apertura, ambiguità e libertà artistica.

Immagine in evidenza: Giacomo Balla - Linea di velocità (dettaglio), 1913. Olio su tela
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio