Gutai Group - Movimento Astratto Gestuale dall'Asia

Scritto nel 1956, il manifesto dell’Arte Gutai recita, in parte, “Abbiamo deciso di perseguire con entusiasmo le possibilità della pura creatività. Crediamo che fondendo le qualità umane e le proprietà materiali, possiamo comprendere concretamente lo spazio astratto.” Il collettivo d’avanguardia noto come Gutai Group si formò a Osaka, in Giappone, nel 1954. Nel corso dei 18 anni di vita del gruppo, i suoi artisti trasformarono radicalmente la scena dell’arte moderna globale con le loro idee. Scritto da Yoshihara Jiro, il fondatore del gruppo, il loro manifesto completo di 1270 parole spiega in dettaglio le loro sincere intenzioni filosofiche. Descrive l’arte del passato come una frode e un’illusione, e insiste che la vera arte deve contenere lo spirito della vita. “Diciamo addio,” afferma, “agli inganni accumulati sugli altari e nei palazzi, nei salotti e nei negozi d’antiquariato. Rinchiudete questi cadaveri nel cimitero.” Gutai chiamava a una nuova arte: un’arte animata dallo spirito, viva, che rispettasse allo stesso modo i materiali usati nella sua realizzazione e l’artista, senza la cui partecipazione non potrebbe manifestarsi. I loro sforzi ridefinirono l’identità artistica giapponese nel dopoguerra, diventando una dimostrazione vivente del rinnovato interesse giapponese per la libertà, l’individualità e l’interconnessione con il resto del mondo.

Uomo contro Fango

La materialità era la principale preoccupazione per i primi artisti Gutai. Usavano i materiali in modo tale che le loro qualità fisiche essenziali rimanessero un elemento visibile e vitale dell’opera. Erano ispirati dall’osservazione che le rovine architettoniche in decadenza spesso sembrano vive, perché il tempo permette ai materiali grezzi usati per crearle di riaffermare la loro essenza fisica. Questo valore è espresso poeticamente nella parola gutai. Spesso tradotta come concreto, gutai potrebbe piuttosto essere tradotto come concrezione, nel senso del processo di diventare concreto. Quando, attraverso l’intervento di un artista, la materia si trasforma, pur incarnando la vera essenza delle sue proprietà materiali; quello è lo spirito di gutai.

Per una dimostrazione perfetta di gutai considerate Challenge To The Mud, eseguita nel 1955 da Shiraga Kazuo. Per quest’opera, Shiraga si gettò in una chiazza fangosa di argilla bagnata e iniziò a lottare con essa. Immergendo tutte le parti del corpo profondamente nell’argilla, creò crateri, cumuli, trincee e ripiani. Strinse l’argilla in forme e intagliò motivi con le sue ondulazioni. Al termine della performance, l’area in cui Shiraga aveva lottato con il fango rimase come opera d’arte da ammirare per le sue qualità proprie. La performance incarnava le parole di Yoshihara Jiro, che disse, “Nell’Arte Gutai, lo spirito umano e la materia si stringono la mano mantenendo la loro distanza.”

Shiraga Kazuo - BB64, 1962

Luce e Peso

Nel 1956, Murakami Saburõ ampliò l’arte di Shiraga Kazuo, questa volta utilizzando un materiale sintetico come mezzo. Per la sua performance chiamata Lacerazione della Carta, Murakami incorniciò più grandi fogli di carta e li dispose in una linea stretta. Prendendo la rincorsa, saltò attraverso le cornici di carta, facendole scoppiare con un forte schiocco. Dopo aver attraversato tutti i fogli di carta e uscito dall’altra parte, Murakami lasciò un reperto che dimostrava gli effetti potenzialmente traumatici della collaborazione umana, esprimendo al contempo in modo vibrante le qualità fisiche essenziali della carta.

Nello stesso anno, Tanaka Atsuko portò l’uso dei materiali sintetici a un livello ancora più estremo con la creazione di un’opera chiamata Vestito Elettrico. Quest’opera consisteva in un abito indossabile fatto di lampadine dipinte che si accendevano in una mostra multicolore. L’artista umano all’interno dell’abito animava letteralmente il materiale, portandolo alla vita e permettendogli di esprimere la sua vera essenza. L’abito era anche collegato a un circuito che periodicamente dava una piccola scossa elettrica a chi lo indossava. La scossa serviva a esprimere l’essenza non del materiale sintetico usato per l’opera, le lampadine, ma del materiale naturale usato nell’opera, l’elettricità: un’espressione non così sottile del pericolo insito quando gli esseri umani interferiscono con il potere del mondo naturale.

Murakami Saburo - Lacerazione della Carta, 1956

Pura Creatività

Oltre al loro rispetto per la materialità, il valore successivo più importante per il Gutai Group era il rispetto per la libertà creativa. Yoshihara Jiro espresse sinteticamente questo concetto in un’opera che realizzò nel 1956 chiamata Per favore disegnate liberamente. L’opera consisteva in una grande superficie bianca posta all’aperto insieme a una varietà di strumenti per scrivere e disegnare, accompagnata da un invito a tutte le persone a venire ed esprimersi in qualsiasi modo desiderassero. Permettendo a tutti la possibilità di un’espressione creativa illimitata e senza restrizioni, Yoshihara trasformò il concetto di libertà nel mezzo e rese il processo creativo l’opera d’arte.

Nella loro ricerca della libertà, il Gutai Group perseguì ogni idea senza freni, con spirito di sincerità. Dipinsero con automobili telecomandate e cannoni per vernice, sperimentarono con l’astrazione gestuale e testarono molteplici altri approcci legati alla fusione tra fisicità e materialità. E nel tentativo di diffondere il loro incoraggiamento al resto del mondo, corrisposero con entusiasmo per posta con altri artisti in diversi paesi, costruendo una vasta comunità di anime affini. I loro sforzi crearono legami con gli artisti che in seguito diedero vita al movimento Fluxus, e ottennero innovazioni nell’arte performativa, nell’arte collaborativa, nell’arte installativa, nell’arte pubblica e in molte altre forme contemporanee di espressione allora ancora agli inizi.

Yoshihara Jiro - Per favore disegnate liberamente, 1956, Mostra d’Arte Gutai all’aperto, Parco Ashiya

Possibilità Future

Verso la fine del manifesto dell’Arte Gutai, Yoshihara Jiro menziona che alcune delle loro prime opere venivano paragonate a quelle dei dadaisti. Secondo lui, ciò significava che gli esperimenti degli artisti gutai venivano fraintesi come assurdi o anti-arte. Gli artisti Gutai sottolineavano il superamento del passato, ma riconoscevano l’importanza vitale dell’arte in generale e la validità di alcuni loro predecessori. Dada, invece, si basava in gran parte sul presupposto di un disprezzo attivo per il passato e per tutte le istituzioni, fisiche o meno, legate all’arte. Dada era estremamente creativo, ma anche cinico e spesso distruttivo. Gli artisti Gutai chiedevano semplicemente quali nuove possibilità si potessero immaginare per il futuro.

In risposta al paragone con Dada, Yoshihara sottolineò che, pur meritando rispetto, le intenzioni di gutai sono molto diverse, perché si concentrano non sul cinismo ma sulla sincerità. Nel suo manifesto scrive, “Gutai attribuisce il massimo valore all’audace avanzare verso il mondo sconosciuto. È vero, le nostre opere sono state spesso scambiate per gesti dadaisti. E certamente riconosciamo i risultati del Dada. Ma a differenza del Dadaismo, l’Arte Gutai è il prodotto nato dalla ricerca di possibilità.” Nel 1972, Yoshihara Jiro morì. Poiché era stato in gran parte responsabile del finanziamento delle loro attività, il Gutai Group si sciolse successivamente. Ma prima di terminare il loro lavoro, il loro spirito aveva toccato artisti in tutto il mondo e ispirato loro e le generazioni future. Gutai vive oggi nel rispetto che gli artisti hanno guadagnato per gli ambienti di studio multidisciplinari, nel lavoro di collettivi artistici sperimentali e in ogni spazio espositivo che dedica tempo e risorse ad artisti che perseguono idee prima impensate.

Immagine in evidenza: Jiro Yoshihara - Cerchio, 1971
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio