Gutai Group - Movimento Astratto Gestuale dall'Asia

Scritto nel 1956, il manifesto dell'arte Gutai recita, in parte, “Abbiamo deciso di perseguire con entusiasmo le possibilità della pura creatività. Crediamo che unendo le qualità umane e le proprietà materiali, possiamo comprendere concretamente lo spazio astratto.” Il collettivo artistico d'avanguardia noto come Gruppo Gutai si è formato a Osaka, in Giappone, nel 1954. Nel corso dei 18 anni di vita del gruppo, i suoi artisti hanno trasformato radicalmente la scena dell'arte moderna globale con le loro idee. Scritto da Yoshihara Jiro, il fondatore del gruppo, il loro manifesto completo di 1270 parole spiega in dettaglio le loro sincere intenzioni filosofiche. Descrive l'arte del passato come una frode e un'illusione, e insiste sul fatto che la vera arte deve contenere lo spirito della vita. “Diciamo addio,” afferma, “alle frodi accumulate sugli altari e nei palazzi, nei salotti e nei negozi di antiquariato. Chiudete questi cadaveri nel cimitero.” Il Gutai ha invocato una nuova arte: un'arte vivente, piena di spirito, che rispettasse in egual misura i materiali utilizzati nella sua realizzazione e l'artista, senza il cui intervento non potrebbe manifestarsi. I loro sforzi hanno ridefinito l'identità artistica giapponese nel dopoguerra, diventando una dimostrazione vivente del rinnovato interesse giapponese per la libertà, l'individualità e l'interconnessione con il resto del mondo.

Uomo contro fango

La materialità era di primaria importanza per i primi artisti Gutai. Utilizzarono i materiali in modo tale che le loro qualità fisiche essenziali rimanessero un elemento visibile e vitale dell'opera. Furono ispirati dall'osservazione che le rovine architettoniche in decadenza sembrano spesso vive, perché il tempo consente ai materiali grezzi utilizzati per crearle di riaffermare la loro essenza fisica. Quel valore è poeticamente espresso nella parola gutai. Spesso tradotto come concreto, gutai potrebbe piuttosto essere tradotto come concrezione, come nel processo di diventare concreto. Quando, attraverso la facilitazione di un artista, la materia si trasforma, pur continuando a incarnare la vera essenza delle sue proprietà materiali; questo è lo spirito di gutai.

Per una dimostrazione perfetta di gutai, considera Challenge To The Mud, eseguita nel 1955 da Shiraga Kazuo. Per quest'opera, Shiraga si lanciò in un'area fangosa di argilla bagnata e iniziò a lottare con essa. Spingendo tutte le parti del suo corpo in profondità nell'argilla, creò crateri, cumuli, trincee e mensole. Strinse l'argilla in forme e scolpì motivi con le sue ondulazioni. Al termine della performance, l'area in cui Shiraga aveva lottato con il fango fu lasciata come un'opera d'arte da ammirare per le sue qualità intrinseche. La performance incarnava le parole di Yoshihara Jiro, che disse: “In Gutai Art, lo spirito umano e la materia si stringono la mano mantenendo la loro distanza.”

Shiraga Kazuo - BB64, 1962

Leggero e leggero

Nel 1956, Murakami Saburō ampliò l'arte di Shiraga Kazuo, questa volta utilizzando un materiale sintetico come suo medium. Per la sua performance chiamata Lacerazione della Carta, Murakami incorniciò più grandi fogli di carta e poi li sistemò in una linea stretta. Prendendo una rincorsa, saltò attraverso le cornici di carta, scoppiando ciascuna con un forte rumore. Dopo essere passato attraverso tutti i fogli di carta e uscendo dall'altra parte, Murakami lasciò dietro di sé un reliquia che dimostrava gli effetti potenzialmente traumatici della collaborazione umana, esprimendo al contempo in modo vibrante le qualità fisiche essenziali della carta.

Nello stesso anno, Tanaka Atsuko portò l'uso dei materiali sintetici a un livello ancora più estremo attraverso la creazione di un'opera chiamata Electric Dress. Quest'opera consisteva in un abito indossabile fatto di lampadine dipinte che si illuminavano in una display multicolore. L'artista umano all'interno dell'abito animava letteralmente il materiale, portandolo in vita mentre gli permetteva anche di esprimere la sua vera essenza. L'abito era anche cablato per dare periodicamente una piccola scossa elettrica a chi lo indossava. La scossa serviva a esprimere l'essenza non del materiale sintetico utilizzato per l'opera, le lampadine, ma del materiale naturale utilizzato nell'opera, l'elettricità: un'espressione non così sottile del pericolo intrinseco quando gli esseri umani interferiscono con il potere del mondo naturale.

Murakami Saburo - Laceration of Paper, 1956

Pura creatività

Oltre al loro rispetto per la materialità, il valore più importante sostenuto dal Gruppo Gutai era il loro rispetto per la libertà creativa. Yoshihara Jiro espresse sinteticamente questo concetto in un'opera che realizzò nel 1956 chiamata Please Draw Freely. Il pezzo consisteva in una vasta superficie bianca posizionata all'aperto insieme a una varietà di strumenti di scrittura e disegno, accompagnata da un invito a tutte le persone a venire ed esprimersi nel modo che preferivano. Consentendo a tutti la possibilità di un'espressione creativa illimitata e senza restrizioni, Yoshihara trasformò il concetto di libertà nel medium e trasformò il processo creativo nell'opera d'arte.

Nella loro ricerca di libertà, il Gruppo Gutai perseguì ogni idea senza restrizioni, con uno spirito di sincerità. Dipinsero con auto telecomandate e cannoni per vernice, sperimentarono con l'astrazione gestuale e testarono una moltitudine di altri approcci legati alla fusione della fisicità con la materialità. E nel tentativo di diffondere il loro incoraggiamento al resto del mondo, corrisposero anche con entusiasmo per posta con altri artisti in diversi paesi, costruendo un'enorme comunità di anime affini. I loro sforzi forgiarono connessioni con gli artisti che alla fine crearono il movimento Fluxus, e ottennero importanti risultati nell'arte performativa, nell'arte collaborativa, nell'arte d'installazione, nell'arte pubblica e in molti altri modi di espressione contemporanea popolare che erano allora appena agli inizi.

Yoshihara Jiro - Please Draw Freely, 1956, Outdoor Gutai Art Exhibition, Ashiya Park

Possibilità Future

Verso la fine del manifesto dell'Arte Gutai, Yoshihara Jiro menziona che alcune delle loro opere iniziali venivano paragonate a quelle dei Dadaisti. Secondo il suo modo di pensare, ciò significava che gli esperimenti degli artisti gutai venivano fraintesi come assurdi o anti-arte. Gli artisti gutai sottolineavano l'importanza di andare oltre il passato, ma riconoscevano l'importanza vitale dell'arte in generale e la validità di alcuni dei loro predecessori. Dada, d'altra parte, si basava in gran parte sul presupposto di un attivo disprezzo per il passato e per tutte le istituzioni, fisiche o meno, legate all'arte. Il Dada era estremamente creativo, ma anche cinico e spesso distruttivo. Gli artisti gutai stavano semplicemente chiedendo quali nuove possibilità potessero essere immaginate per il futuro.

In risposta al confronto con il Dada, Yoshihara ha sottolineato che, sebbene il Dada meriti rispetto, le intenzioni del gutai sono molto diverse, poiché si concentrano non sul cinismo ma sulla sincerità. Nel suo manifesto scrive: “Il gutai pone un massimo valore sull'audace avanzamento nel mondo sconosciuto. È vero che le nostre opere sono state spesso scambiate per gesti dadaisti. E certamente riconosciamo i successi del Dada. Ma a differenza del Dadaismo, l'Arte Gutai è il prodotto che è emerso dalla ricerca di possibilità.” Nel 1972, Yoshihara Jiro è venuto a mancare. Poiché era stato in gran parte responsabile del finanziamento delle loro attività, il Gruppo Gutai si è successivamente sciolto. Ma prima di concludere il loro lavoro, il loro spirito aveva toccato artisti in tutto il mondo e aveva ispirato le loro generazioni e quelle future. Il gutai vive ancora oggi nel rispetto che gli artisti hanno guadagnato per ambienti di studio multidisciplinari, nel lavoro di collettivi artistici sperimentali e in ogni spazio espositivo che dedica tempo e risorse agli artisti che perseguono idee precedentemente inimmaginabili.

Immagine in evidenza: Jiro Yoshihara - Cerchio, 1971
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park