Norman Lewis, un gioiello trascurato dell'Espressionismo Astratto

Quando la Pennsylvania Academy of Fine Arts organizzò “Processione: L’arte di Norman Lewis” nel 2015, la mostra fu una rivelazione per la maggior parte degli spettatori. Il soggetto della mostra, il pittore americano Norman Wilfred Lewis (1909 – 1979), è considerato l’unico artista nero tra la prima generazione di Espressionisti Astratti. La sua opera è completamente distinta da quella dei suoi pari, seguendo fili estetici e intellettuali che le conferiscono un senso di freschezza e ingegno ancora oggi. Tuttavia, a differenza di Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko e gli altri pittori con cui spesso esponeva, Lewis non raggiunse mai grande fama o successo economico durante la sua vita. Si mantenne principalmente insegnando e sostenendo la sua famiglia. Una delle ragioni principali per cui faticava nel mercato era che, nonostante il modo in cui l’establishment artistico americano bianco del dopoguerra abbracciasse l’arte astratta, esso comunque respingeva in gran parte il lavoro degli artisti neri, astratti o meno. Allo stesso tempo, la maggior parte dei mercanti e collezionisti d’arte neri americani del dopoguerra respingeva l’arte astratta perché credeva che la giustizia sociale potesse essere raggiunta solo da un’arte che affrontasse direttamente le questioni di giustizia sociale. In effetti, quando iniziò la sua carriera negli anni ’30, Lewis stesso aveva quella stessa convinzione. Dipingeva opere figurative e socialmente realistiche come parte della Works Progress Administration, un lavoro durante il quale incontrò il collega Espressionista Astratto Pollock. Ma durante la Seconda Guerra Mondiale, Lewis non poté fare a meno di notare l’ipocrisia dell’esercito americano che combatteva un nemico suprematista bianco mentre allo stesso tempo imponeva la segregazione razziale tra le proprie truppe. Dopo la guerra, Lewis abbandonò la convinzione che l’arte realistica potesse mai avere un ruolo significativo nel rimodellare la cultura. Disse: “Dipingevo neri privati dei loro diritti; discriminazione, e lentamente mi resi conto che questo non muoveva nessuno, non migliorava le cose.” Si dedicò invece a un’esplorazione per tutta la vita degli aspetti più universali dell’estetica, mobilitando il potere del colore, della linea, della trama e della forma per unire le persone in uno spazio visivo di contemplazione e trascendenza.

Coinvolgere Linea e Spazio

Uno degli aspetti più distintivi dello stile di pittura astratta che Lewis sviluppò è il suo uso della linea. Le sue pennellate sono sottili ed energiche, persino liriche, eppure possiedono una struttura architettonica che conferisce loro un senso di forza e peso. Egli impiegava questo elemento in modo tale che le sue linee creassero relazioni tra loro, suggerendo la presenza di forme piuttosto che descrivere oggetti letterali nello spazio. In dipinti come “Musicisti di Strada” (1948), una congrega di linee occupa il piano centrale della tela, circondata da un alone atmosferico rosato. Il dipinto è completamente astratto, eppure a causa del modo in cui lo spazio è diviso sembra quasi un’immagine di qualcosa di riconoscibile. I motivi lineari al centro della tela suggeriscono l’apparenza di veri musicisti, forse frantumati in un multiverso cubista di prospettive e piani. Ma questo non è un quadro di musicisti. È piuttosto un’espressione dell’energia e dell’emozione della musica suonata per strada; l’eccitazione delle note che trapassano lo spazio, e il carnevale di colori e suoni mentre riempiono l’aria.

Norman Lewis - Firenze, 1947. Olio su Masonite. 14 x 18 pollici. Collezione privata. © The Estate of Norman W. Lewis, Courtesy of Iandor Fine Arts, New Jersey.

Oltre al suo uso della linea, Lewis sviluppò anche un metodo distintivo e molto efficace per interagire con lo spazio visivo. I suoi non erano dipinti “tutto intorno” come quelli di Jackson Pollock, che coprivano ogni centimetro della tela con segni di pennello in modo che nessuna parte della tela meritasse più attenzione di un’altra. Piuttosto, Lewis offriva agli spettatori qualcosa su cui concentrarsi all’interno dello spazio pittorico, anche se il soggetto del loro sguardo era astratto. In “Nebbia Verde” (1948), ottenne questo fondendo tecniche in modo tale che l’occhio fosse intuitivamente attratto dal centro della tela. Ai bordi esterni della tela, la pittura è sfumata e levigata a mano per creare la sensazione di una nube verde atmosferica, mentre al centro dell’immagine linee nitide e calligrafiche suggeriscono che qualcosa di concreto è presente, o forse si sta evolvendo nel mistero dello spazio visivo.

Norman Lewis - Attraversamento, 1948. Olio su tela. 25 x 54 pollici. Michael Rosenfeld Gallery. © The Estate of Norman W. Lewis, Courtesy of Iandor Fine Arts, New Jersey.

Il Gruppo Spiral

Sebbene la sua decisione di esplorare gli aspetti universali dell’estetica piuttosto che rappresentazioni realistiche della lotta nera in America abbia fatto poco per aumentare la sua fama tra mercanti o collezionisti, portò Lewis a entrare in compagnia di altri artisti neri americani che condividevano la sua convinzione nell’importanza del successo estetico. Il 5 luglio 1963, fu invitato nello studio di Romare Bearden per unirsi a Hale Woodruff, Charles Alston, James Yeargans, Felrath Hines, Richard Mayhew e William Pritchard per formare un collettivo noto come Il Gruppo Spiral. Il gruppo era dedicato a promuovere la maestria estetica e le universalità culturali. Si incontravano regolarmente per discutere i modi in cui le rappresentazioni realistiche dell’ineguaglianza razziale aiutassero o meno la Cultura Nera, e per studiare come l’eccellenza nel campo dei “problemi estetici comuni” potesse fare di più per elevare lo status culturale e aumentare l’influenza degli artisti neri in America.

Norman Lewis - Jazz Band, 1948. Inciso su tavola di masonite nera verniciata. 20 x 23 7/8 pollici. Collezione privata. © The Estate of Norman W. Lewis, Courtesy of Iandor Fine Arts, New Jersey

Il nome Gruppo Spiral fu suggerito da Hale Woodruff. Era un riferimento al matematico greco Archimede, la cui “vite” spiraleggiava “verso l’alto in cerchi sempre più ampi, come simbolo di progresso.” Sebbene alcuni dei pittori del Gruppo Spiral realizzassero opere figurative, il loro abbraccio totale delle potenzialità dell’astrazione fu rivoluzionario, specialmente per l’arte nera americana. Pose le basi per artisti come lo scultore Richard Hunt, la cui mostra personale nel 1971 al Museum of Modern Art di New York fu solo la terza mostra personale di un artista nero nella storia del MoMA, e la prima di un artista astratto. Mise anche in evidenza la triste realtà che in America non c’è mai stato un solo mondo artistico, ma molteplici mondi artistici in competizione per riconoscimento e influenza piuttosto che cooperare verso obiettivi culturali comuni. Norman Lewis e gli altri membri del Gruppo Spiral posero le basi per qualcosa di migliore: un approccio all’arte che non è solo universale, ma unificante.

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Immagine in evidenza: Norman Lewis - Senza titolo, 1949. Olio su tela. 20 x 30 pollici. Collezione privata. © The Estate of Norman W. Lewis, Courtesy of Iandor Fine Arts, New Jersey.
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio