Norman Lewis, un gioiello trascurato dell'Espressionismo Astratto

Quando l'Accademia di Belle Arti della Pennsylvania ha presentato "Procession: The Art of Norman Lewis" nel 2015, l'esposizione è stata una rivelazione per la maggior parte degli spettatori. Il soggetto della mostra, il pittore americano Norman Wilfred Lewis (1909 – 1979), è considerato l'unico artista nero tra la prima generazione di espressionisti astratti. Il suo lavoro è completamente distintivo rispetto a quello dei suoi coetanei, seguendo fili estetici e intellettuali che lo dotano di un senso di freschezza e ingegnosità anche oggi. Eppure, a differenza di Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko e degli altri pittori con cui esponeva spesso, Lewis non raggiunse mai una grande fama o successo finanziario durante la sua vita. Si sosteneva principalmente come insegnante per mantenere se stesso e la sua famiglia. Uno dei motivi principali per cui ha faticato nel mercato è stato che, nonostante il modo in cui l'establishment artistico americano bianco del dopoguerra abbracciasse l'arte astratta, tuttavia, in gran parte, disdegnava il lavoro degli artisti neri, astratti o meno. Allo stesso tempo, la maggior parte dei galleristi e collezionisti d'arte neri americani del dopoguerra disdegnava anche l'arte astratta a causa della convinzione che la giustizia sociale potesse essere raggiunta solo attraverso un'arte che affrontasse direttamente questioni di giustizia sociale. Infatti, quando iniziò la sua carriera negli anni '30, Lewis stesso aveva quella stessa convinzione. Dipingeva opere figurative e realiste sociali come parte della Works Progress Administration, un lavoro in cui incontrò il collega espressionista astratto Pollock. Ma durante la Seconda Guerra Mondiale, Lewis non poté fare a meno di notare l'ipocrisia dell'esercito americano che combatteva un nemico suprematista bianco mentre costringeva simultaneamente la segregazione razziale delle proprie truppe. Dopo la guerra, Lewis abbandonò la sua convinzione che l'arte realistica potesse mai svolgere un ruolo significativo nel rimodellare la cultura. Disse: "Una volta dipingevo neri che venivano espropriati; discriminazione, e lentamente divenni consapevole del fatto che questo non muoveva nessuno, non migliorava le cose." Si dedicò invece a un'esplorazione duratura degli aspetti più universali dell'estetica, mobilitando il potere del colore, della linea, della texture e della forma per unire le persone in uno spazio visivo di contemplazione e trascendenza.

Linee e Spazi Coinvolgenti

Uno degli aspetti più distintivi dello stile di pittura astratta che Lewis ha sviluppato è il suo uso della linea. I suoi colpi di pennello sono leggeri ed energici, persino lirici, eppure possiedono una struttura architettonica che conferisce loro un senso di forza e peso. Ha impiegato questo elemento in modo tale che le sue linee creassero relazioni tra di loro, implicando la presenza di forme piuttosto che descrivere oggetti letterali nello spazio. In dipinti come “Musicisti di strada” (1948), una congrega di linee occupa il centro della tela, circondata da una foschia atmosferica di colore rosato. Il dipinto è completamente astratto, eppure a causa del modo in cui lo spazio è diviso sembra quasi un'immagine di qualcosa di riconoscibile. I modelli lineari al centro della tela suggeriscono l'apparenza di veri musicisti, forse frantumati in un multiverso cubista di prospettive e piani. Ma questa non è un'immagine di musicisti. È più un'espressione dell'energia e dell'emozione della musica suonata per strada; l'eccitazione delle note che attraversano lo spazio, e il carnevale di colori e suoni mentre riempiono l'aria.

Norman Lewis - Firenze, 1947. Olio su Masonite. 14 x 18 in. Collezione privata. © L'eredità di Norman W. Lewis, in cortesia a Iandor Fine Arts, New Jersey.

Oltre al suo uso della linea, Lewis sviluppò anche un metodo distintivo e altamente efficace di interagire con lo spazio visivo. Le sue non erano pitture "totalmente diffuse" come quelle di Jackson Pollock, che coprivano ogni centimetro della tela con segni di pennello in modo tale che nessuna parte della tela meritasse più attenzione di un'altra. Piuttosto, Lewis offriva agli spettatori qualcosa su cui concentrarsi all'interno dello spazio pittorico, anche se il soggetto della loro attenzione era astratto. In "Green Mist" (1948), raggiunse questo obiettivo mescolando tecniche in modo tale che l'occhio fosse intuitivamente attratto verso il centro della tela. Sull'orlo esterno della tela, la vernice è sfumata e levigata a mano per creare la sensazione di una nuvola verde atmosferica, mentre al centro dell'immagine, linee calligrafiche nette suggeriscono che qualcosa di concreto è presente, o forse si sta evolvendo all'interno del mistero dello spazio visivo.

Norman Lewis - Crossing, 1948. Olio su tela. 25 x 54 in. Michael Rosenfeld Gallery. © L'eredità di Norman W. Lewis, con il permesso di Iandor Fine Arts, New Jersey.

Il gruppo Spirale

Sebbene la sua decisione di esplorare gli aspetti universali dell'estetica piuttosto che le rappresentazioni realistiche della lotta nera in America abbia fatto poco per accrescere il suo profilo tra i commercianti o i collezionisti, ha portato Lewis a entrare in contatto con altri artisti afroamericani che condividevano la sua convinzione sull'importanza del conseguimento estetico. Il 5 luglio 1963, fu invitato nello studio di Romare Bearden a unirsi a Hale Woodruff, Charles Alston, James Yeargans, Felrath Hines, Richard Mayhew e William Pritchard per formare un collettivo noto come The Spiral Group. Il gruppo era dedicato alla promozione della maestria estetica e delle universalità culturali. Si incontravano regolarmente per discutere in che modo le rappresentazioni realistiche delle disuguaglianze razziali aiutassero o meno la cultura nera, e per studiare come l'eccellenza nel campo dei "problemi estetici comuni" potesse fare di più per elevare lo status culturale e aumentare l'influenza degli artisti neri in America.

Norman Lewis - Jazz Band, 1948. Inciso su tavola di masonite rivestita di nero. 20 x 23 7/8 in. Collezione privata. © L'eredità di Norman W. Lewis, in cortesia a Iandor Fine Arts, New Jersey

Il nome Spiral Group fu suggerito da Hale Woodruff. Era un riferimento al matematico greco Archimede, il cui "vite" si avvolgeva "verso l'alto in cerchi sempre più ampi, come simbolo di progresso." Anche se alcuni dei pittori del The Spiral Group realizzarono opere figurative, il loro abbraccio totale delle potenzialità dell'astrazione fu innovativo, specialmente per l'arte afroamericana. Ha gettato le basi per artisti come lo scultore Richard Hunt, la cui mostra personale nel 1971 al Museum of Modern Art di New York fu solo la terza mostra personale di un artista nero nella storia del MoMA, e la prima di un artista astratto. Ha anche messo a fuoco la sfortunata realtà che in America non c'è mai stata solo un'unica scena artistica, ma molteplici scene artistiche che competono per riconoscimento e influenza piuttosto che cooperare verso obiettivi culturali comuni. Norman Lewis e gli altri membri del The Spiral Group hanno gettato le basi per qualcosa di meglio: un approccio all'arte che non è solo universale, ma unificante.

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Immagine in evidenza: Norman Lewis - Senza titolo, 1949. Olio su tela. 20 x 30 pollici. Collezione privata. © L'eredità di Norman W. Lewis, in collaborazione con Iandor Fine Arts, New Jersey.
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio