Il Contenuto e l'Emozione nell'Arte di Grace Hartigan

Grace Hartigan (1922 – 2008) non è stata trattata bene dagli storici dell’arte autoproclamati. Nel corso della sua carriera è stata fraintesa e etichettata erroneamente, esclusa dal movimento che amava e accostata a quello che detestava. Nonostante tutto ciò, o forse proprio per questo, Hartigan è un modello meraviglioso—un’artista che è rimasta fedele alla sua visione personale piuttosto che conformarsi alle mode e alle aspettative della cultura dominante. Considerata una “Espressionista Astratta di Seconda Generazione,” Hartigan è stata recentemente immortalata nel libro 9th Street Women, di Mary Gabriel, che racconta la storia di cinque donne—Hartigan, Lee Krasner, Elaine de Kooning, Joan Mitchell e Helen Frankenthaler—che furono al centro della Scuola di New York negli anni ’50. Ognuna di queste cinque donne sviluppò un linguaggio visivo distintivo che contribuì in modo significativo allo sviluppo e alla definizione dell’Espressionismo Astratto. Eppure, anche tra queste pioniere, Hartigan era unica. All’inizio della sua carriera, i suoi dipinti puramente astratti furono riconosciuti come straordinari da curatori museali come Alfred Barr e Dorothy Miller, che inclusero Hartigan in diverse mostre importanti. Tuttavia, Hartigan cominciò a sentire che qualcosa mancava nelle sue composizioni astratte. Proprio nel momento in cui la sua carriera decollava e il famoso critico d’arte Clement Greenberg iniziava a promuoverla come una delle astrattiste più talentuose d’America, Hartigan si allontanò leggermente dall’astrazione pura. Iniziò a dipingere studi delle opere dei Maestri Antichi e a inserire elementi figurativi della vita contemporanea nelle sue composizioni astratte. Per Hartigan, la fusione di figurazione e astrazione rappresentava una miscela più perfetta di contenuto ed emozione. “Ho trovato il mio soggetto,” proclamò, “riguarda ciò che è volgare e vitale nella vita moderna americana, e le possibilità della sua trascendenza nel bello.” Ciò che fu una svolta per Hartigan, tuttavia, fu una delusione per Greenberg e gli altri che avevano lodato il suo lavoro astratto, e abbandonarono immediatamente il loro sostegno. Hartigan insistette comunque sulla primazia della sua visione personale. In questo processo, potrebbe aver reciso il suo legame con la fama, la celebrità e la storia dell’arte patriarcale; ma dimostrò che verità e bellezza si possono trovare nella resistenza.

L’estranea interna

Nata in una famiglia povera della classe operaia a Newark, New Jersey, nel 1922, Hartigan non aveva inizialmente intenzione di diventare artista. Infatti, a 19 anni tentò di fuggire con il suo primo marito in Alaska per diventare coloni. Anche dopo essere diventata un’artista di successo, affermò di non aver mai avuto alcun talento naturale. “Avevo solo genio,” scherzò. La sua prima esperienza artistica professionale avvenne durante la Seconda Guerra Mondiale, quando si mantenne lavorando come illustratrice meccanica mentre il suo primo marito combatteva in guerra. Nel 1945, dopo essere stata introdotta alle opere di Henri Matisse, si ispirò a intraprendere la carriera di artista e si trasferì nel Lower East Side di New York. Lì, Hartigan entrò a far parte di un circolo professionale e sociale che includeva pionieri dell’Espressionismo Astratto come Mark Rothko, Lee Krasner e Adolph Gottlieb.

Grace Hartigan - Prova per Untitled da Folder, Vol. I, No. I, 1953. Serigrafia. Composizione (irreg.): 7 1/2 × 10 9/16" (19,1 × 26,8 cm); foglio: 8 11/16 × 11 5/16" (22 × 28,7 cm). Prova fuori dall’edizione di 500. Collezione MoMA. Dono di Daisy Aldan. © 2019 Grace Hartigan

Le pennellate intense e crude e le forme biomorfiche nei suoi primi dipinti riflettono l’interesse che condivideva con quegli artisti sia per l’astrazione sia per la tecnica surrealista del disegno automatico. Tuttavia, Hartigan non si è mai completamente integrata con i suoi contemporanei. Esteticamente, temeva di prendere troppo in prestito dalle idee altrui. Economicamene, doveva recuperare tele scartate da altri artisti e costruire telai con legno di recupero. Socialmente, Hartigan si sentiva un’estranea lavorando tra artisti per lo più uomini. Firmò molti dei suoi primi dipinti con il nome George Hartigan—un omaggio alle scrittrici del XIX secolo Mary Ann Evans, che usava lo pseudonimo George Eliot, e Amantine Lucile Aurore Dupin, che usava lo pseudonimo George Sand, riflettendo il fatto che non si sentiva del tutto accettata dalla Scuola di New York dominata dagli uomini.

Grace Hartigan - Disegno preparatorio per In Memoria dei Miei Sentimenti, 1967. Inchiostro su acetato. 13 15/16 x 11" (35,4 x 28 cm). Collezione MoMA. Dono dell’artista. © 2019 Grace Hartigan

Una luce isolata

Forse il suo senso di sé come estranea aiutò Hartigan a ignorare i critici quando la respinsero per aver introdotto contenuti narrativi personali nei suoi dipinti. Ma non c’è dubbio che il loro fraintendimento della sua evoluzione fece soffrire Hartigan. Una volta descrisse la sua opera matura come “dolore emotivo ricordato nella tranquillità.” Alla fine, respinse New York a sua volta, trasferendosi a Baltimore dove trascorse quattro decenni dirigendo la Hoffberger School of Painting, il dipartimento post-laurea del Maryland Institute College of Art—un programma fondato per lei e costruito attorno ai suoi insegnamenti. Guardando indietro, sembra assurdo che i critici pensassero che l’aggiunta di riferimenti figurativi nel suo lavoro escludesse Hartigan dall’eredità dell’Espressionismo Astratto. L’energia, l’intuizione e la materialità viscerale così essenziali a quel movimento non cessarono mai di essere evidenti nelle sue opere. Non è nemmeno che abbandonò del tutto l’astrazione; semplicemente divenne convinta che i suoi dipinti puramente astratti mancassero di qualcosa se non contenevano qualche riferimento riconoscibile alla sua vita reale.

Grace Hartigan - La Giacca Persiana, 1952. Olio su tela. 57 1/2 x 48" (146 x 121,9 cm). Collezione MoMA. Dono di George Poindexter. © 2019 Grace Hartigan

L’insulto finale a Hartigan arrivò verso la fine della sua vita, quando una nuova generazione di storici dell’arte autoproclamati riformulò con dubbio il suo abbraccio della figurazione come una tappa fondamentale sulla strada verso la Pop Art, come se avesse in qualche modo ispirato la nascita di quel movimento. Hartigan deplorava questa associazione; per lei, la Pop Art rappresentava solo la fissazione sulle apparenze, mentre il suo lavoro riguardava la comunicazione della verità e dell’emozione sottostanti alla vita. Sarebbe molto più corretto definire Hartigan una pioniera del Neo-Espressionismo, con il suo atteggiamento pittorico crudo; o dell’Arte Femminista, considerando la sicurezza autorevole con cui affrontò la misoginia patriarcale del campo artistico. Tuttavia, penso che il modo migliore per ricordare la sua eredità sia non appesantirla con etichette. Hartigan era unica. Il suo esempio dimostra che il modo migliore per favorire un campo artistico inclusivo, progressista e creativo non è fissarsi sui movimenti, ma abbracciare la sperimentazione e accogliere la deviazione estetica.

Immagine in evidenza: Grace Hartigan - Untitled da Folder vol. I, no. I, 1953. Serigrafia da una rivista con tre serigrafie. Composizione (irreg.): 7 1/16 x 10 1/16" (17,9 x 25,5 cm); foglio: 7 7/16 x 10 7/16" (18,9 x 26,5 cm). Edizione 500. Collezione MoMA. © 2019 Grace Hartigan
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio