Il tuo miglior acquisto di questa settimana - Arte degli Artisti Astratti Americani!

L'apertura recentemente modesta di Uncharted: American Abstraction in the Information Age presso il Museo d'Arte dell'Università Hofstra, una mostra collettiva che presenta 8 membri dell'organizzazione American Abstract Artists, ha solo confermato un interesse sempre presente e affascinante per l'arte astratta americana. L'anno che ci attende porterà la sua celebrazione degli artisti astratti americani - il momento giusto per acquistare arte astratta americana!

Tra una serie di eventi nel prossimo anno dedicati agli artisti astratti americani, due imperdibili si distinguono. Il Baltimore Museum of Art (BMA) e il San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA) co-organizzeranno una retrospettiva completa su Joan Mitchell. Essa aprirà a Baltimora nell'aprile 2020, si sposterà a San Francisco nel settembre 2020 e poi si trasferirà al Solomon R. Guggenheim Museum di New York nel febbraio 2021. Inoltre, il Tate Modern presenterà (fino al 15 novembre 2020) cinque opere di Helen Frankenthaler, datate dal 1951 al 1977, in prestito dalla Helen Frankenthaler Foundation. Uniamoci a questa celebrazione globale dell'arte astratta americana condividendo la nostra migliore selezione di dieci pezzi più straordinari di artisti astratti americani.

Tracey Adams - (r) evoluzione 39

(r) evolution 39 riflette profondamente la fascinazione di Adams sia per la teoria musicale che per la matematica, risalente ai suoi giorni al New England Conservatory di Boston. Nella serie (r) evolution (2014-2015), Adams si concentra su schemi, ritmo e intervalli di note e utilizza pitture a punti per esprimere ciò che descrive come un senso di performance. Dipinge con molti strati di encaustico e cerchi di carta giapponese tagliati a mano montati e immersi nell'encaustico fino a quando ogni punto è coperto con un medium encaustico trasparente e dipinto con olio per creare una profondità spaziale unica. Bilanciando la pianificazione rigorosa e l'intuizione sfrenata, la sua struttura a griglia pianificata si dissolve mentre il suo processo creativo fluisce in un'articolazione ritmica e lirica. Adams è un'artista astratta e stampatrice che vive e lavora a Carmel, California.

Tracey Adams - (r) evoluzione 39, 2015. Cera d'api pigmentata, olio e collage su pannello di legno. 101. x 101.6 cm.

Paul Behnke - Vandervoort Place

Vandervoort Place incarna l'attento interplay di elementi formali -- forme, interazione dei colori e applicazione della vernice. Allo stesso tempo, Behnke enfatizza le dualità contrastanti di spesso/sottile, veloce/lento e duro/morbido all'interno di questa interazione di elementi formali. Mentre le immagini iniziali e l'applicazione della vernice sono tumultuose e confuse, il hard edge, le forme essenziali e il colore piatto e luminoso emergono durante il processo annunciando un pezzo iconico di romanticismo formale moderno. Protuberanze, bolle e creste suggeriscono inequivocabilmente il coinvolgimento più personale (e corporeo) di Behnke, così come l'oggettualità dei suoi dipinti. Behnke è un pittore astratto il cui lavoro dà priorità alla forma; vive e lavora a New York.

Paul Behnke - Vandervoort Place, 2012. Acrilico su tela. 91,4 x 96,5 cm.

Macyn Bolt - Intersect (Blu)

Questo pezzo in acrilico su tela rivela una tensione scomoda creata dal contrasto primo piano/sfondo, centro/bordo e dentro/fuori. Questo contrasto è incarnato in forme multiformi che creano un enigma visivo. L'enigma stesso non deve essere risolto, ma fornire una carità di interpretazioni e sfide percettive distinte. Il vocabolario geometrico di Bolt, derivante da schemi architettonici, stabilisce un quadro semantico per la comprensione del suo lavoro. Pertanto, i suoi enigmi visivi evocati dalle relazioni spaziali e dall'interazione tra colore e forma catturano lo spettatore e lo trascinano in un'esperienza contemplativa di interpretazioni ambigue. Bolt è celebrato per la sua arte che esplora come il colore e le forme influenzino la percezione visiva. Vive e lavora a New York e in Pennsylvania.

Macyn Bolt - Intersect (Blu), 2017. Acrilico su tela. 96,9 x 122 cm.

Holly Miller - Shout 2

La serie Shout incorpora delicatamente il risentimento e l'ansia che sorgono come reazione alle contraddizioni della società americana contemporanea. Tuttavia, Miller cerca di trasmettere emozioni più ottimistiche e positive utilizzando la sua unica combinazione di scultura, pittura e disegno. Utilizzando linee filate, mette in evidenza una barriera fisica che interrompe le forme e impedisce loro di connettersi, mentre la trasparenza consente allo spettatore di entrare attraverso le linee nella superficie dipinta. Shout 2 mette in mostra la meticolosa dissezione delle esperienze, dei pensieri e delle emozioni di Miller mentre crea un linguaggio personale autentico che è l'essenza del suo lavoro. Miller è un'artista astratta che si sforza di unire l'ottico con il tattile attraverso il linguaggio dell'astrazione. Vive e lavora a New York.

Holly Miller - Shout 2, 2017. Acrilico, grafite e filo su tela. 91,5 x 91,5 cm.

Melissa Meyer - Ambasciata 47

Ambassade 47 fa parte di una serie di acquerelli chiamata Ambassade, intitolata all'hotel preferito di Meyer ad Amsterdam. Associata alla terza generazione di espressionisti astratti, la sua opera riflette il suo approccio istintivo e intuitivo alla pittura. È ispirata da brevi impressioni di colore, segno o gesto, e poi costruisce esplorando i confini finali del colore e della linea. Questo pezzo vivido e colorato esprime i suoi sentimenti più personali e l'essenza transitoria della realtà trasmettendo un linguaggio estetico vigoroso e incantevole. Meyer è un'artista astratta e stampatrice di un'opera diversificata che vive e lavora a New York.

Melissa Meyer - Ambassade 47, 2007. Acquerello su carta a caldo. 50,8 x 81,3 cm.

Yari Ostovany - Orquevaux 11

Questa nuova serie, intitolata a un castello residenziale a Chateau d’Orquevaux, Francia, cattura l'aggregato mistico dell'arte, della tradizione e della spiritualità occidentale e orientale. Orquevaux 11 incorpora una trasformazione alchemica di elementi formali come luce, colore, texture e spazio in composizioni complesse la cui interezza trascende le sue parti. Ostovany’s background culturalmente diversificato influisce sulla sua adesione artistica all'Espressionismo Astratto e alla pittura Color Field, producendo opere divergenti ma profondamente complementari. Ostovany crea dipinti a campo di colore riccamente testurizzati e stratificati che riflettono la sua esplorazione della metamorfosi e della transustanziazione. Ostovany è un artista astratto americano nato in Iran che ha vissuto a Teheran, Colonia, Los Angeles, New York e Reno. Attualmente vive e lavora a San Francisco.

Yari Ostovany - Orquevaux 11, 2018. Acrilico su tela. 152 x 108 cm.

Clay Johnson - Lying Dutchman #4

Johnson utilizza una tecnica coinvolgente e rigorosa con acrilico su legno che rivela il suo approccio unico alla pittura. Convinto fermamente che non ci sia ispirazione, considera la sua arte come un'evoluzione e ciascuna delle sue opere come il risultato di una serie di risposte critiche a decisioni estetiche precedenti. Inizia il suo processo creativo tracciando una o più linee orizzontali e selezionando intuitivamente un colore che, poi, guida l'intera composizione in avanti. Colori, linee, texture emergono solo per essere distrutti, creando così uno spazio per nuove e inaspettate scoperte visive. Alla fine, Lying Dutchman #4 svela la parte più importante del lavoro di Johnson: sviluppa la narrazione della pittura che lui stesso crea, la quale si apre a meta-interpretazioni. Superfici rigide come il legno gli permettono di impiegare il suo metodo con piena intensità e l'acrilico garantisce tempi di asciugatura rapidi e reazioni pronte e inaspettate. Johnson è un pittore astratto noto per le sue composizioni riduttiviste; vive e lavora a Laramie, Wyoming.

Clay Johnson - Lying Dutchman #4, 2019. Acrilico su pannello di legno. 91,44 x 91,44 cm.

Jessica Snow - Campo Finitivo

Un'artista multidisciplinare esperta, Snow opta per acrilico su carta per trasmettere i suoi distintivi geometrici colorati e giocosi. Finite Field cattura una combinazione unica tra forme giocose e colori persuasivi, linee gestuali organiche, forme geometriche e lineari. Snow è stata ispirata da un paesaggio e da una barca a vela astratta che sta ancora decidendo il percorso, tuttavia, se la forma verde si riferisca a un porto semplificato, a un cespuglio o a una forma astratta è lasciato all'interpretazione dello spettatore. Preferisce che il suo lavoro sia aperto all'interpretazione, incoraggiando molteplici letture e immergendo ogni singolo spettatore nel proprio universo semiotico. Snow è un'artista multidisciplinare che attualmente insegna pittura, disegno e storia dell'arte all'Università di San Francisco.

Jessica Snow - Finite Field, 2016. Acrilico su carta. 45 x 38 cm.

Anya Spielman - Effloresce

"Effloresce" racchiude la profonda e ambigua tensione tra amore e violenza, espressa in modo vivido e forte dai fiori schiacciati e sanguinanti. Le superfici sature di Spielman sono luminose, con strati lucidi e opachi che si alternano simultaneamente; i rossi e i rosa si riferiscono alla carne e al sangue, mentre le creme pallide, il giallo e l'arancione nella sua tavolozza richiamano i fluidi corporei. Questa manifestazione corporea del colore è decomposta da segni di unghie ruvide e cicatrici che inscrivono l'idea e l'immagine decodificate in profondità nella pittura. Spielman è celebrata per la sua esplorazione delle forze e delle forme binarie; vive e lavora nell'area di Los Angeles.

Anya Spielman - Effloresce, 2009. Olio su carta. 73,7 x 104,2 cm.

Tom McGlynn - Indagine 2

Questo pezzo in acrilico su carta Fabriano fa parte di una serie in corso iniziata nel 2012. Si riferisce vagamente ai test comportamentali ma anche al problema di come le immagini contemporanee vengano scansionate. Questo enigma interpretativo sfugge a una denotazione rigorosa e invita lo spettatore nella ricerca contemplativa del significato diffuso. McGlynn esplora come segni, loghi, schemi architettonici e altri schemi e forme visive contemporanee possano attivare un significato residuo nascosto nel profondo della nostra (in)coscienza. Il suo approccio formalista o, più precisamente, post-minimalista comporta una complessità implicita di significato. L'opera d'arte di McGlynn è vigorosamente dipinta a mano, precisa e si basa sul formato rettangolare per trasmettere l'esperienza ontologica dell'artista. McGlynn è un artista astratto, curatore indipendente e scrittore che vive nell'area di New York City.

Tom McGlynn - Survey 2, 2013. Acrilico su carta Fabriano. 55,8 x 83,8 cm.

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