I più importanti artisti astratti del XXI secolo – Fino ad ora

Se sei anche solo un po’ come me, nonostante abbia scritto questo pezzo, potresti essere un po’ infastidito dal titolo di questo articolo. Come posso, dopo solo due decenni, sapere chi saranno gli artisti più importanti del XXI secolo? Nel 1920, molti degli artisti più importanti del XX secolo non erano ancora nemmeno nati. E comunque, qual è il criterio per stabilire se un artista è importante? Pur condividendo questi punti, trovo comunque utile fare il punto di tanto in tanto su quali artisti ritengo importanti e perché, e l’inizio di un nuovo decennio sembra una scusa perfettamente valida. Per quanto riguarda cosa definisce un artista importante, nei miei 11 anni come giornalista d’arte (una goccia nel mare rispetto a molti miei colleghi), ho sentito dozzine di risposte a questa domanda. La maggior parte delle persone si affida a tre parametri: fama, prezzi all’asta e inclusione in mostre e collezioni prestigiose. Tuttavia, sebbene questa possa essere la trifecta della notorietà che può garantire a un artista una pagina su Wikipedia, a mio parere ha poco a che fare con il rendere un artista importante. Per me, l’unica misura soddisfacente dell’importanza di un artista è l’influenza che ha sugli altri esseri umani. Gli artisti importanti ispirano le persone a continuare a credere nel valore dell’arte e convincono altri a provare a creare la propria arte, o a continuare a farla. Per quanto riguarda chi è incluso in questa lista, è inevitabile che sia incompleta, imprecisa e controversa; tutte le liste lo sono. Tuttavia, ciascuno di questi dieci artisti ha meritato la sua inclusione qui per l’influenza che ha già avuto sia su altri artisti, sia su persone al di fuori del campo artistico. Sono impollinatori, diffondendo gli ingredienti necessari di ispirazione, sperimentazione e azione, affinché l’astrazione possa continuare a prosperare nel futuro.

Tomma Abts

Per quasi due decenni, la pittrice tedesca Tomma Abts (n. 1967) ha realizzato ripetutamente dipinti della stessa dimensione—48 x 38 cm. Lavora in modo intuitivo per creare composizioni astratte, geometriche che seguono una propria logica, spesso dipingendo più strati sopra le composizioni finché non è soddisfatta, lasciando trasparire le creste di impasto degli strati precedenti. Non legata a nessuno stile visivo, dedicata solo al suo metodo, Abts è famosa per la sua lentezza nel lavorare. Nonostante non sia prolifica e nonostante ignori la richiesta di definire il suo stile visivo, Abts è diventata la prima pittrice donna a vincere il Turner Prize—prova vivente del valore di trovare la propria strada.

Tomma Abts - Feke, 2013. Acrilico e olio su tela. 48 x 38 cm, 18 7/8'' x 15''. Cortesia Collezione Privata, New York. Serpentine Galleries.

Mark Bradford

Mark Bradford (n. 1961) combina i metodi della pittura, del collage e del décollage per creare immagini astratte che mappano il suo rapporto tra le realtà fisiche e culturali del presente e del passato. I suoi materiali e processi hanno ispirato una generazione di artisti a creare opere tattili che parlano dello scambio tra crescita e decadenza. Oltre alla sua carriera artistica, Bradford è un influente organizzatore comunitario, collaborando con la filantropa Eileen Harris Norton e l’attivista Allan Dicastro per creare Art + Practice, un luogo dove vicini a rischio, come ragazzi in transizione fuori dall’affidamento, possono partecipare alle arti.

Mark Bradford - Monster, 2009. Materiali stampati, acrilico, carta carbone, spago, carta e tecniche miste su tela. 102 x 144 in. (259,08 x 365,76 cm). Collezione SFMOMA. © Mark Bradford

Charline von Heyl

La pittrice astratta tedesca Charline von Heyl (n. 1960) rifiuta il cinismo del Postmodernismo a favore della convinzione che qualcosa di nuovo possa emergere dalle sue rovine. Von Heyl adotta tutta la storia visiva come materiale di partenza, combinando innumerevoli riferimenti in modi individualistici che suggeriscono che siamo eredi di un patrimonio estetico molto più ricco e vario di quanto i nostri insegnanti di storia dell’arte lascino intendere.

Charline von Heyl - Senza titolo, 2007. Uno di una serie di dieci monoprint con litografia, xilografia,
serigrafia e stampa digitale, con aggiunte di inchiostro, acrilico e collage. Fund for the Twenty-First Century. Collezione MoMA. © Charline von Heyl

Nicholas Hlobo

L’artista sudafricano multidisciplinare Nicholas Hlobo (n. 1975) rappresenta l’avanguardia di un tempo speranzoso in cui dati e analisi diventeranno meno importanti del sentimento e della creatività. La sua opera è informata dalla sua identità, ma va coraggiosamente oltre i fatti delle sue influenze culturali—fatti che altrimenti lo costringerebbero a creare opere solo su ciò che è—per evocare opere astratte semi-magiche che cercano di afferrare un senso di ciò che potrebbe essere.

Nicholas Hlobo - Amasuntswana, 2018. Rame. 51,18 x 112,99 x 72,83 pollici (130 x 287 x 185 cm). Lehmann Maupin. © Nicholas Hlobo

Jim Lambie

L’artista scozzese Jim Lambie (n. 1964) unisce il concetto centrale della Pop Art—che le persone “capiscano”—con gli aspetti più intangibili dell’Astrazione. Le enormi installazioni a pavimento per cui Lambie è più noto trovano un terreno comune tra queste posizioni, portando il formalismo fuori dalle pareti e riempiendo lo spazio tangibile con colore, linea, superficie e lucentezza. Le sue installazioni stimolano interazioni quotidiane senza pressione con gli spettatori che ora possono letteralmente vedersi dentro l’opera.

Jim Lambie - Sound System, 2015. Vinile metallico colorato. Roslyn Oxley9 Gallery. © Jim Lambie

Julie Mehretu

Incontrare un dipinto della pittrice etiope-americana Julie Mehretu (n. 1970) è essere invitati in una civiltà visiva completamente nuova. Ciascuna delle sue composizioni astratte nasce come un organismo complesso e vivente, che si diffonde, si moltiplica e sviluppa strutture e interdipendenze sempre più complicate. Mehretu esprime perfettamente le molteplici ansie e opportunità dell’epoca interconnessa a cui apparteniamo.

Julie Mehretu - Stadia II, 2004. Inchiostro e acrilico su tela. 107 2/5 × 140 1/10 × 2 1/5 in (272,73 × 355,92 × 5,71 cm). Performa, New York. Dono di Jeanne Greenberg Rohatyn e Nicolas Rohatyn e A. W. Mellon Acquisition Endowment Fund. © Julie Mehretu

Odili Donald

L’artista astratto nigeriano-americano Odili Donald Odita (n. 1966) fa parte di un’ondata di artisti internazionali che portano l’attenzione globale sulle interconnessioni tra le eredità dell’arte indigena e il Modernismo occidentale. Odita fonde i motivi, i colori e le forme della sua Nigeria natale con le strategie estetiche dell’astrazione modernista, spesso esponendo le sue opere di grande formato in luoghi pubblici, dove diventano la materializzazione di energia e universalità su scala architettonica.

Odili Donald Odita - Desert Sun, 2014. Acrilico su tela. 72 x 90 pollici. Jack Shainman Gallery, New York. © Odili Donald Odita

Eva Rothschild

La scultrice astratta irlandese Eva Rothschild (n. 1971) dichiara con forza che l’attivismo è insito nella scelta di fare arte astratta. In un’epoca in cui il contenuto narrativo sembra essere sovrano, Rothschild dimostra come i linguaggi visivi senza tempo evidenti nel Suprematismo, nel Costruttivismo e nel Minimalismo possano creare forme astratte audaci e nuove che parlano di libertà, indipendenza, diversità e pace.

Eva Rothschild - xxx, 2013. Alluminio e vernice. 280 x 560,5 x 279,5 cm. Foto: © Eva Rothschild, Cortesia Stuart Shave/Modern Art, Londra e Galerie Eva Presenhuber, Zurigo

Thomas Scheibitz

L’artista tedesco Thomas Scheibitz (n. 1968) risponde alla domanda di come la fantasia e il gioco possano essere presi sul serio nel campo dell’arte astratta, anche in un’epoca segnata dall’ansia. Combinando i linguaggi ereditati da movimenti come il Rayonismo, il Futurismo e il Cubismo con echi di rendering architettonici e design di metà secolo, Scheibitz crea opere stranamente familiari che sembrano emergere da un universo estetico parallelo.

Pae White

L’artista americana Pae White (n. 1963) usa l’astrazione per mostrarci immagini riconoscibili del nostro tempo. Le sue opere fantastiche combinano rappresentazioni delle forze della natura con frammenti provenienti dal nostro presente iper-digitalizzato e iper-materializzato, mostrandoci scene a volte spaventose dal matrimonio tra struttura e confusione.

Immagine in evidenza: Charline von Heyl - The Language of the Underworld, 2017. Acrilico e carbone su lino. 90 × 108". © Charline von Heyl
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio