Stampe di Fotografia Astratta in Vendita che Non Dovresti Perdere!

Nella sua trasgressione dei confini, la fotografia astratta è andata oltre semplici definizioni e caratterizzazioni. Sebbene inizialmente radicata nel realismo, il medium fotografico ha abbracciato il non rappresentazionale nel corso dei secoli della sua esistenza, con le opere di artisti leggendari come Man Ray, William Klein, Hiroshi Sugimoto e successivamente Wolfgang Tillmans, Thomas Ruff e Jessica Eaton. Parte di questo variegato corpus di opere è presentato nella nostra eccezionale selezione di stampe di fotografia astratta di alta qualità in vendita qui sotto. Siamo orgogliosi di attirare la vostra attenzione su sei dei più straordinari artisti il cui lavoro sta profondamente trasformando sia il medium della fotografia che l'arte astratta stessa. Qui sotto troverete nove stampe di fotografia astratta in vendita della massima qualità che non dovreste perdere!

Richard Caldicott - Senza titolo 153

Richard Caldicott ha guadagnato il riconoscimento mondiale con la sua composizione astratta di colori e forme geometriche che emanano da Tupperware (ri)organizzati e oggettivati, dissolti nella pura astrazione delle sue fotografie. I suoi sforzi continui e audaci per sfidare il canone fotografico non si sono affievoliti nel corso degli anni, poiché la sua arte si è estesa anche al disegno e alla scultura, accentuando la stessa sofisticazione e compostezza. Il lavoro recente di Caldicott rivela il graduale allontanamento dalla staticità modernista verso composizioni che imitano interruzioni e fratture.

In Untitled 153, Caldicott persegue il suo approccio tradizionale alla fotografia analogica per infondere il suo set minimalista di componenti generoso di colore e vivacità. Queste forme, superfici e colori nascono dalla sua esperienza più personale e attirano lo spettatore nel suo universo più intimo. Untitled 153 segue una logica compositiva lineare discernibile e germina in un meraviglioso lavoro astratto che è sia autoesplicativo che parte di un dialogo più ampio. Sottolineando la duplicazione, la replicazione e le sottili variazioni di colore, Caldicott annuncia senza pretese le sue nuove intenzioni estetiche e simboliche che si basano sul minimalismo iconico, sui dipinti Color Field e sulla riappropriazione pop.

Richard Caldicott - Untitled 153, 2000. Stampa C. 61 x 50,8 cm.

Richard Caldicott - Chance/Fall (4), 2010

Il lavoro più recente di Caldicott segna il definitivo allontanamento dalla serenità modernista verso l'abbraccio del dinamismo e della forza. Chance/Fall (4), 2010 mostra strati sovrapposti e fluttuanti di colori scintillanti che emanano vivacità e intensità di energia luminosa e attraente. La sua radianza pellucida attrae lo spettatore mentre si affida fermamente alla trasparenza e alla saturazione. La ripetizione inscritta nella stessa natura della serie rende Caldicott un adottante di un 'atteggiamento seriale' (Derek Horton) e riecheggia il Minimalismo che sposta lo spettatore nel labirinto contemplativo della fotografia astratta.

Richard Caldicott - Chance/Fall (4), 2010, 2010. Stampa C. 127 x 101,6 cm.

Luuk De Haan - Campo di Colore 12

Mescolando tecniche fotografiche storiche e la tecnologia contemporanea del software di grafica digitale Luuk de Haan, un artista visivo olandese, ha sviluppato la sua espressione distintiva. De Haan crea una composizione geometrica utilizzando il software di grafica digitale che fotografa direttamente dallo schermo. Modifica le condizioni fisiche sotto le quali viene scattata la fotografia, enfatizzando l'incertezza e l'elemento erratico della sorpresa che emerge attraverso l'interazione con l'immagine digitale. Le immagini appena emerse catturano l'eloquenza visiva naturale e organica, così come un rigoroso esplorazione grafica di forma, colore, geometria e linea.

Color Field 12 è un esempio straordinario di un'esplorazione meticolosa del colore ispirata a espressionisti astratti come Ellsworth Kelly, Barnett Newman e Kenneth Noland. Quest'opera d'arte suggerisce di essere in flusso, ma un flusso che sfugge a un'interpretazione più precisa e a una rigorosa spiegazione. De Haan rivela opportunamente la sua estetica minimalista e composizioni definite da forme geometriche sicure, linee chiare, superfici lisce che risuonano vivacemente con il suo vocabolario visivo. Il suo lavoro emana un movimento libero e profondità che si riversano evocando un senso di calma sfuggente che evapora nella serenità utopica di colori e forme.

Luuk De Haan - Color Field 12, 2015. Inchiostro UltraChrome HD su carta Hahnemühle. 100 x 72,5 cm.

Luuk De Haan - Non mettere le mani nel tamburo in movimento 11

De Haan mette in mostra il suo talento unico in questo tentativo di tradurre forme bidimensionali in immagini tridimensionali mentre esplora la deformazione e la modifica create dalla macchina fotografica. Seleziona una presentazione di diapositive di due o più immagini che fotografa in un'unica ripresa muovendo e zoomando dentro e fuori l'obiettivo e creando così un'immagine tridimensionale. Queste immagini riescono a catturare il movimento, la geometria e le relazioni dinamiche di colore della loro creazione. Nicht in die Laufende Trommel Greifen (Non Cadere nella Tromba Rotante), un cartello di avvertimento stampato sopra una macchina rotante, ha ispirato de Haan.

Luuk De Haan - Nicht in die Laufende Trommel Greifen 11, 2015. Inchiostro UltraChrome HD su carta Hahnemühle. 59,4 x 42 cm.

Seb Janiak - Gravity liquid 04 (Medio)

Ben esperto in una grande varietà di forme d'arte e mezzi, Seb Janiak si sente a casa oscillando tra fotografia e produzione video. Le sue avventure fotografiche si estendono da questo primo lavoro opaco alle sue ultime fotografie a laser scattate attraverso un prisma. Non offre alcuna lealtà a nessuna scuola o dogma mentre esplora la complessità del mondo che lo circonda. Le sue fotografie sono conosciute per la loro eccezionale incarnazione della tensione nata dalle dicotomie e dagli opposti del nostro mondo. Il suo lavoro si snoda attraverso fantasie frenetiche e fantascienza solo per raggiungere le coste di una natura tormentata e di un'umanità utopica. Janiak è un produttore video e musicale francese celebrato a livello globale per il suo contributo alla fotografia analogica contemporanea.

La gravità liquida 04 (Media) incorpora profondamente l'affermazione metafisica di Janiak secondo cui una forma non può esistere senza un ambiente e che le forme visibili dipendono dalle condizioni che permettono a queste forme di esistere. Per contestare visivamente la sua affermazione metafisica, Janiak ha scelto di concentrare la sua attenzione sulla gravità come forza nascosta che plasma il nostro universo. In questa serie di fotografie, esplora il potere trasformativo che la gravità ha su liquidi e gas. Ha applicato il processo fotografico per congelare la forma, ma poiché l'ambiente è in continua trasformazione, anche questo processo lo è.

Seb Janiak - Gravity liquid 04 (Medium), 2014. Stampa cromogenica. 110 x 86 cm.

Gianfranco Pezzot - III. Inganno del Linguaggio

Gianfranco Pezzot è un artista astratto italiano che è profondamente ispirato dai modi in cui viviamo e influenziamo l'ambiente che ci circonda. I suoi interessi penetrano profondamente attraverso le complesse modalità delle nostre interazioni con il mondo, mentre il suo lavoro diventa sempre più intrecciato con i regni della storia, della politica e dell'economia. In questo modo, Pezzot sta inventando un nuovo linguaggio fotografico contemporaneo che combina varie immagini e mezzi e crea un'immagine complessa a strati, presentata nella sua forma finale come una C-print digitale. III.

La Decezione del Linguaggio è parte della sua serie Dichotomia di un Cervello Umano, dove Pezzot scava a fondo nelle narrazioni che i cervelli costruiscono percependo immagini diverse. Pezzot cerca di fornire un quadro interpretativo per le narrazioni che sono distorte quando le immagini vengono alterate, ristrutturate o combinate con altre immagini. In III. Decezione del Linguaggio combina frammenti di fiori, paesaggi marini e fogli di carta strappati in un assemblaggio che invita a ulteriori interventi artistici. Questo è uno dei suoi tentativi più persuasivi di indagare il ruolo mutevole della fotografia come medium artistico contemporaneo.

Gianfranco Pezzot - III. Inganno del Linguaggio, 2017. Stampa digitale C-Type su carta fotografica Kodak Endura. 240 x 180 cm.

Paul Snell - Intersect # 201701

Un artista tasmaniano, Paul Snell fonde tecniche tradizionali e digitali mentre espande i confini dell'astrazione e del minimalismo. Il suo processo creativo inizia catturando l'oggetto o il luogo con una macchina fotografica tradizionale, seguito da una decodifica digitale. Dopo aver ridotto e semplificato colori e forme, Snell inverte il processo ricodificando l'immagine: questi colori e forme semplificati diventano auto-referenziali in una nuova composizione fino a quando il processo di cattura e creazione è concettualmente e praticamente oscurato. Il risultato finale è presentato nelle sue stampe cromogeniche che disperdono una stampa luminosa e vivida su carta metallica montata su plexiglass. Intersect # 201701 racchiude il lessico visivo distintivo di Snell ispirato alla pittura modernista, in particolare al minimalismo e all'astrazione hard-edge. Descrivendo il suo processo creativo come una ricerca di una "comprensione sensoriale dell'oggetto fisico", Snell riconosce la sostanza materiale del mondo astratto. Questa fotografia incarna la sua infatuazione con le relazioni cromatiche e le realtà spaziali: le loro dinamiche relazioni, l'interazione vibrante e sorprendente. Il suo lavoro include una visione contemplativa persuasiva, quella che confina con il regno metafisico.

Paul Snell - Intersect # 201701, 2017. Stampa cromogenica montata su plexiglass da 4,5 mm. 118 x 118 cm.

Paul Snell - Hover # 201909

L'ultima e profondamente ipnotica opera di Snell utilizza strutture visive ritmiche e armoniose che trasportano lo spettatore nelle profondità del pensiero puro. Crea suggerimenti visivi che traducono la riflessione in uno stato autenticamente meditativo. Hover # 201909 rivela il dinamismo delle relazioni cromatiche di Snell che nasce da una combinazione di aspetti architettonici delle sue composizioni e delle sue superfici vibranti e luminose. L'assenza di metasemantica e rappresentazione trascina lo spettatore nel mezzo della materia estetica primordiale e tonale. In questa esperienza primordiale, lo spettatore è immerso nel colore, nel ritmo e nello spazio che si apre alla sua riflessione interpretativa, liberando così il cammino verso la pura trascendenza.

Paul Snell - Hover # 201909, 2019. Stampa cromogenica montata su plexiglass opaco da 3 mm. 80 x 80 cm.

Tenesh Webber - Boxy

Tenesh Webber, un'artista canadese, è ampiamente acclamata per i suoi audaci tentativi di creare un'intersezione distintiva tra fotografia e scultura. Crea abilmente oggetti bidimensionali sovrapponendo e tagliando il filo da cucito o un disegno a linea ripetitiva sul plexiglass. Questi oggetti vengono utilizzati per creare immagini fotografiche senza macchina fotografica che catturano un elemento di imprevedibilità e incertezza generato dal movimento della mano. Nel suo lavoro più recente, si immerge profondamente nella natura nascosta della fotografia come medium mentre continua a riflettere sulla percezione dello spazio negativo e positivo, del movimento e della completa immobilità.

Boxy è un esempio delle iconiche esplorazioni di Webber sulle sfide e le convenzioni della fotografia tradizionale in bianco e nero. Lei crea una composizione ritmica e intuitiva che cattura sia la tensione che l'equilibrio che si sviluppano tra l'organico e il rettilineo. La sofisticata composizione di Boxy emana le conflittuali visioni macro e micro della natura e il loro rapporto con l'uomo.

Tenesh Webber - Boxy, 2005. Fotografia in bianco e nero. 50,8 x 50,8 cm.

Immagine in evidenza: Richard Caldicott - Senza titolo 153, vista dell'installazione.
Di Jovana Vuković