Cosa ha significato la Section d’Or per il Cubismo e l'Arte Astratta in generale

Il Cubismo emerse dalle menti e dai pennelli di Pablo Picasso e Georges Braque. Ma il merito di aver diffuso la conoscenza del metodo cubista alle masse va indubbiamente al Groupe de Puteaux e alla loro storica mostra cubista del 1912, La Section d'Or. I primi dipinti cubisti apparvero intorno al 1909, causando un'onda d'urto nell'avanguardia parigina, che a sua volta spinse numerosi altri pittori ad adottare le teorie e i principi che Picasso e Braque stavano sviluppando. Picasso e Braque raramente commentavano pubblicamente i loro esperimenti, ma i loro seguaci afferrarono quel poco che condividevano e usarono quelle idee per formulare un movimento concettuale definitivo. Tra i primi convertiti al Cubismo vi furono Albert Gleizes, Jean Metzinger, Robert Delaunay, Henri le Fauconnier, Fernand Léger e i fratelli Duchamp – Marcel Duchamp, Jacques Villon e Raymond Duchamp-Villon. Alcuni di questi artisti esposero insieme al Salon des Indépendants del 1911, dopo di che iniziarono a incontrarsi formalmente nella periferia di Parigi, sia nello studio di Albert Gleizes a Courbevoie, sia a casa dei fratelli Duchamp a Puteaux. Quel secondo luogo d'incontro diede il nome al Groupe de Puteaux, o Gruppo di Puteaux. In questi incontri, il gruppo discuteva a fondo di cosa fosse e cosa non fosse il Cubismo, delineandone sia le radici che gli obiettivi. Nel 1912 avevano una concezione completamente formata del loro metodo, così per segnare il momento organizzarono la prima grande mostra cubista: La Section d'Or. Per accompagnare la mostra, Gleizes e Metzinger pubblicarono “Du Cubism,” la prima – e unica – spiegazione del Cubismo scritta dagli stessi artisti cubisti precoci. L'impatto sia della mostra che del saggio sullo sviluppo della cultura artistica del loro tempo, e su quella di ogni generazione a venire, è impossibile da sottovalutare.

L'Idea d'Oro

Il Gruppo di Puteaux chiamò la loro mostra iniziale “La Section d’Or” in riferimento al “rapporto aureo,” un concetto matematico che risale a più di 2000 anni fa. Il concetto coinvolge valori geometrici che appaiono regolarmente in natura. È una formula oggettiva, ma nel corso dei secoli ha assunto anche alcune attribuzioni mistiche. Gli artisti di Puteaux discutevano frequentemente di formule matematiche, incluso il rapporto aureo, durante i loro incontri. Scelsero il termine come titolo per la loro mostra per ciò che sentivano implicasse. In nessun modo stavano dicendo di aver effettivamente applicato il rapporto aureo nelle loro opere. Erano semplicemente interessati a cosa significasse per le persone l'idea del rapporto aureo. Tuttavia, i critici si affrettarono a cercare prove del rapporto aureo nei dipinti esposti a “La Section d’Or.”

Albert Gleizes - Les Baigneuses (Le Bagnanti), 1912. Olio su tela. 105 x 171 cm. Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris. Rettangolo aureo (dipinto, 1 a 1,618 ± 0,07), griglia del rapporto aureo (griglia dorata/gialla, so1 - so4) e sovrapposizione della griglia 4 : 6. Fonte: wikipedia.

In alcuni dipinti di Juan Gris trovarono tali prove nella disposizione della composizione, e almeno un dipinto di Gleizes aveva dimensioni insolite che corrispondono alla formula. Ma in “Du Cubism” si afferma chiaramente: “Non siamo né geometri né scultori; per noi, linee, superfici e colonne sono solo sfumature della nozione di pienezza. La geometria è una scienza, la pittura è un'arte. Il geometra misura, il pittore assapora.” Per molti spettatori questa spiegazione è insoddisfacente, specialmente se vogliono comprendere il Cubismo in termini specifici. Inizialmente mi era stato insegnato che il Cubismo fosse un modo di esprimere lo spazio quadridimensionale mostrando molteplici prospettive simultanee – e ho scritto così in diversi articoli precedenti. E mentre credo ancora che sia un modo accurato per descrivere molti dipinti cubisti, dopo aver letto “Du Cubism” comprendo il mio errore. Il linguaggio del Cubismo non era definito esplicitamente. Era basato solo in parte sulla logica, e in parte sul sentimento, e si è evoluto nel tempo. L'obiettivo degli artisti cubisti non era definire, ma suggerire. Come scrissero Gleizes e Metzinger, “Alcune forme devono rimanere implicite, affinché la mente dello spettatore sia il luogo scelto della loro nascita concreta.”

Juan Gris - Uomo in un Caffè, 1912. Olio su tela. 127,6 x 88,3 cm. Philadelphia Museum of Art. Esposizione al Salon de la Section d'Or del 1912

Errori dell'Occhio

Anche se non possiamo attribuire un'agenda specifica ai cubisti, possiamo almeno notare l'importanza che attribuivano all'innovazione. “Du Cubism” afferma che l'unica legge dell'arte è la legge del tempo. Gli artisti non devono imitare l'arte del passato. Devono essere del loro tempo e sforzarsi di scoprire da soli cosa significhi. La lotta che i cubisti affrontarono non è diversa, a questo riguardo, dalla lotta che ogni generazione di artisti astratti ha affrontato da allora: è la lotta per superare la differenza tra ciò che il pubblico vede e ciò che il pubblico comprende. Gleizes e Metzinger scrissero, “L'occhio interessa rapidamente la mente nei suoi errori.” In parte si riferivano ai loro stessi dipinti e a come gli spettatori li scansionassero rapidamente con gli occhi per poi saltare a conclusioni con la mente. Speravano che gli spettatori potessero imparare a leggere l'arte astratta lentamente, assorbendo i diversi elementi come parole su una pagina, aspettando che l'intero pezzo fosse letto prima di avventurarsi a comprenderlo.

Jean Metzinger - La Femme au Cheval (Donna con un cavallo), 1911-1912. Olio su tela. 162 x 130 cm. Statens Museum for Kunst, Galleria Nazionale di Danimarca. Pubblicato in Les Peintres Cubistes di Apollinaire del 1913. Esposizione al Salon des Indépendants del 1912.

L'espressione di quella speranza umile è solo un modo in cui “Du Cubism” ha influenzato ogni metodo artistico sviluppato nel secolo passato. Vediamo anche la sua influenza nell'espressione della “parentela tra colore e forma,” dove sono chiare le radici degli insegnamenti di Hans Hofmann; nella sua insistenza che l'arte sia “una fissazione della nostra personalità: incommensurabile, in cui nulla si ripete mai,” dove si nasconde lo spirito dell'Espressionismo Astratto, del Tachisme, di Forma 1 e di molte altre posizioni estetiche; e nel suo abbraccio di “tante immagini dell'oggetto quanti occhi per contemplarlo, tante immagini dell'essenza quanti menti per comprenderla,” dove sentiamo l'appello dell'Arte Concettuale e dell'era Post Internet saturata di immagini. Qualunque futura influenza La Section d’Or, il Gruppo di Puteaux o il Cubismo debbano ancora offrire è forse meglio espressa in una delle frasi finali di “Du Cubism,” dove Gleizes e Metzinger offrirono questo pensiero: “La gente realizzerà finalmente che non c'è mai stata una tecnica cubista, ma semplicemente una tecnica pittorica che pochi pittori esposero con coraggio e diversità.”

Immagine in evidenza: Albert Gleizes - Harvest Threshing (Le Dépiquage des Moissons), 1912. Olio su tela. 269 x 353 cm. National Museum of Western Art, Tokyo

Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo

Di Phillip Barcio