Donne nell'Aastrazione Americana, 1930-1950

Gli artisti astratti americani hanno affrontato molti ostacoli negli anni '30 e '40. Entrando in una disciplina ancora dominata dal realismo e governata da potenti critici d'arte e istituzioni, gli artisti astratti dovevano trovare modi creativi per promuovere il loro lavoro e guadagnare accettazione in un mondo sempre più turbolento. In prima linea c'erano audaci e talentuose artiste che dovevano inoltre navigare in complesse dinamiche sociali e culturali durante i periodi pre e post-bellici. Fino ad oggi, i loro contributi all'astrazione americana precoce sono stati spesso trascurati a favore dei pionieri maschili. Tuttavia, per comprendere appieno la storia dell'arte, dobbiamo riconoscere le donne che hanno spianato la strada per l'astrazione attraverso la loro creatività, estetica e advocacy.

Astrazione precoce

L'astrazione è ampiamente riconosciuta per essere iniziata in Europa alla fine del diciannovesimo secolo, quando alcuni artisti si allontanarono dal realismo ed esplorarono forme, texture e tonalità in maggiore dettaglio. I progressi tecnologici, inclusi l'aumento della comunicazione e dei viaggi, permisero agli artisti europei e americani di scambiare idee più che mai. Allo stesso modo, molti artisti europei in fuga dagli orrori della Prima e della Seconda Guerra Mondiale portarono nuove tecniche e teorie negli Stati Uniti. Questo portò a un gruppo in espansione di artisti americani interessati all'astrazione, molti dei quali avevano visitato artisti in Europa o seguito corsi da rifugiati europei che vivevano negli Stati Uniti. Tuttavia, l'astrazione era particolarmente disprezzata dall'establishment artistico americano, che escludeva gli artisti astratti dalle mostre in gallerie e musei, li metteva sulla lista nera nella stampa e impediva loro di intraprendere carriere fruttuose.

Opportunità per le Donne

Il caos degli anni '30, sorprendentemente, ha spalancato le porte agli artisti astratti in America. In risposta all'alta disoccupazione nella comunità artistica durante la Grande Depressione, il governo degli Stati Uniti ha creato il Works Progress Administration (WPA) Federal Art Project. Artisti di tutti i background (donne e artisti astratti inclusi) sono stati offerti posti retribuiti in progetti artistici sponsorizzati dal governo durante la Depressione e gli anni di guerra. Migliaia di artisti sono stati assunti, inclusi futuri pionieri come Lee Krasner, Dorr Bothwell e Louise Nevelson, per abbellire istituzioni in tutto gli Stati Uniti con murales, dipinti e altri design. Altri artisti, come Irene Rice Pereira, hanno contribuito a stabilire scuole d'arte finanziate a livello federale per fornire corsi d'arte a studenti svantaggiati. Sfruttando questi programmi unici, le artiste sono state in grado di guadagnare un reddito attraverso l'arte e acquisire esperienza fondamentale nell'insegnamento, nella creazione artistica e nel coinvolgimento pubblico. Queste competenze sarebbero state strumentali mentre creavano, gestivano e promuovevano la diversificata disciplina dell'astrazione e le proprie carriere.

Altre donne, tra cui Alice Trumbull Mason, Esphyr Slobodkina e Ray Kaiser (in seguito Eames), aiutarono a creare una nuova organizzazione, American Abstract Artists (AAA), per promuovere l'astrazione al pubblico e fornire spazi espositivi per gli artisti. Fondata nel 1936 a New York City, l'AAA fu formata in risposta alla prima esposizione sull'astrazione del Museum of Modern Art tenutasi nello stesso anno. Questa esposizione, intitolata Cubism and Abstract Art, presentava quasi esclusivamente artisti europei, costituendo un ulteriore rifiuto istituzionale degli artisti astratti americani. Slobodkina scrisse la Storia dell'AAA, ancora pubblicata sul loro sito web oggi, che riassumeva il disperato bisogno di questo gruppo: “Quali erano le circostanze sotto le quali questa unica organizzazione è emersa e ha rapidamente messo radici? . . . L'anno era il 1936. Il luogo – New York City. Il periodo – depressione economica e praticamente totale isolamento del pubblico generale da ogni contatto con le attuali tendenze estetiche avanzate.”

Nel giro di un anno, AAA ha ospitato la sua prima esposizione presso le Squibb Galleries di New York. Sebbene la mostra fosse ben frequentata e ricevesse generalmente feedback positivi dal pubblico, la stampa ha comunque reagito con ostilità. Tuttavia, AAA ha continuato a esporre in molti luoghi locali, guadagnando lentamente una crescente base di ammiratori e collezionisti, anche se la Grande Depressione e la Seconda Guerra Mondiale hanno spento gli animi e alleggerito le tasche. Le donne sono state protagoniste in AAA, occupando il centro della scena nelle esposizioni, scrivendo critiche e ricoprendo ruoli di leadership – inclusi i fondatori Mason e Slobodkina, che hanno entrambi ricoperto cariche come Presidenti di AAA.

Charmion von Wiegand (1896-1983), Senza titolo, c. 1942. Carta incollata, acquerello opaco e penna e inchiostro su carta, 8 1/2 × 8 1/16 in. (21.6 × 20.5 cm). Whitney Museum of American Art, New York; dono di Alice e Leo Yamin 91.84.5. © Eredità di Charmion von Wiegand; Cortesia di Michael Rosenfeld Gallery LLC, New York, NY

Accoglienza critica

Tuttavia, anche se l'astrazione iniziava a guadagnare terreno nella cultura americana, le donne affrontavano ancora difficoltà significative. Nonostante alcuni progressi fatti durante la guerra che permettevano alle donne di lavorare al di fuori della casa, le artiste erano scrutinizzate per fare lavori che non erano strettamente domestici o legati alla guerra. Molte pioniere di questo periodo sono ricordate più per i loro famosi mariti che per i loro contributi all'astrazione, tra cui Ray Kaiser (poi Eames, sposata con Charles Eames), Lee Krasner (sposata con Jackson Pollock) ed Elaine De Kooning (sposata con Willem De Kooning). Tuttavia, la loro influenza artistica sui loro mariti non può essere negata. Basta guardare Kaiser, un'artista altamente qualificata che ha collaborato con suo marito architetto a diversi progetti. Il suo uso di forme organiche e la tensione tra gli spazi è una caratteristica centrale dei loro progetti ed è ciò che ha reso il nome Eames così celebrato. Allo stesso modo, gli sforzi di Krasner per promuovere l'eredità di Pollock dopo la sua prematura morte nel 1956 sono in gran parte il motivo per cui il suo lavoro è così celebrato oggi.

Molte gallerie e musei rifiutarono anche di esporre artiste: il gallerista Samuel Kootz, grande sostenitore dell'Espressionismo Astratto, avrebbe detto che ciò era dovuto al fatto che erano troppo problematiche. D'altra parte, molti critici inizialmente rispondevano favorevolmente alle opere di artiste astratte – fino a quando non scoprivano che la creatrice era una donna. Krasner raccontò che un critico una volta disse del suo lavoro: “Abbiamo scoperto che l'artista era una donna in tempo per controllare il nostro entusiasmo.” Di conseguenza, diverse artiste modificarono i loro nomi per nascondere la loro femminilità. Irene Rice Pereira espose i suoi dinamici dipinti geometrici sotto il nome di I. Rice Pereira. Allo stesso modo, l'artista Dorr Bothwell cambiò legalmente il suo nome da Doris per ottenere una ricezione più favorevole da parte dei critici per le sue opere surrealiste. Detto ciò, molti leader maschili del movimento inquadrarono ancora le opere di queste artiste in relazione alla loro femminilità. Il leggendario Hans Hoffman, che formò molte artiste astratte, una volta disse che il lavoro di Krasner era “così buono che non avresti saputo che era stato fatto da una donna.” Nonostante l'evidente qualità del loro lavoro, le artiste donne venivano costantemente ricordate che la femminilità era uno strumento usato contro di loro per giustificare il rifiuto del mondo dell'arte nei confronti della loro arte.

Libertà nell'Astrazione

L'ironia è, ovviamente, che l'astrazione – con la sua diversità di espressione, mancanza di forme concrete e miriade di soggetti – generalmente non è classificata come maschile o femminile. Guardando un'opera d'arte astratta, uno spettatore avrebbe difficoltà a identificare il sesso dell'artista che l'ha realizzata. Prendiamo, ad esempio, la stampa Labyrinth of Closed Forms di Alice Trumbull Mason del 1945, un conglomerato di forme arrotondate e rettangolari su uno sfondo ombreggiato. L'opera gioca con il bianco e nero, lo spazio bianco e le interazioni tra le forme – nulla dell'opera parla dell'identità di Mason come donna. Anche Elaine De Kooning abbracciò elementi di figurazione all'interno dei suoi colpi di pennello colorati ed eterei proprio come avevano fatto molti artisti impressionisti maschi con la luce qualche decennio prima. Attraverso l'astrazione, le donne potevano sfidare le idee di estetica 'femminile' e rompere i precedenti schemi. Tuttavia, trovare una vera accettazione all'interno della comunità artistica rimase sfuggente – forse fino ad ora.

Ciò che è notevole delle artiste astratte degli anni '30 e '40 è la loro resilienza e il loro impegno per il loro mestiere. Attraverso la catastrofe economica e la guerra globale, hanno trovato modi per rimanere ispirate, coinvolte e attive nel loro campo. Di conseguenza, il loro lavoro e le loro eredità sopravvivono fino ad oggi. Non è troppo tardi per riconoscere i successi di queste persone durante questo periodo straordinario della storia.

Il Museo Whitney d'Arte Americana a New York City ha curato un'esposizione per esplorare il lavoro e i successi di diverse artiste astratte americane durante il periodo pre e post bellico. "Labirinto di Forme: Donne e Astrazione, 1930-1950" sarà visibile fino a marzo 2022.

Di Emelia Lehmann

Immagine in evidenza: Lee Krasner (1908-1984), Natura morta, 1938. Olio su carta, 19 × 24 3/4 in. (48,3 × 62,9 cm). Museo Whitney d'Arte Americana, New York; acquisto in onore di Charles Simon, con fondi forniti dai suoi amici di Salomon Brothers in occasione del suo 75° compleanno, e con fondi di un donatore anonimo e del Comitato di Disegno 90.19. © 2021 The Pollock-Krasner Foundation/Artists Rights Society (ARS), New York