Donne nell'Aastrazione Americana, 1930-1950

Gli artisti astratti americani affrontarono molte difficoltà durante gli anni Trenta e Quaranta. Entrando in una disciplina ancora dominata dal realismo e governata da potenti critici e istituzioni artistiche, gli artisti astratti dovettero trovare modi creativi per promuovere le loro opere e ottenere accettazione in un mondo sempre più turbolento. In prima linea c’erano audaci e talentuose artiste che, oltre a ciò, dovevano destreggiarsi tra complesse dinamiche sociali e culturali durante i periodi pre e post-bellici. Fino ad oggi, i loro contributi alla prima astrazione americana sono stati spesso trascurati a favore dei pionieri maschi. Tuttavia, per comprendere appieno la storia dell’arte, dobbiamo riconoscere le donne che hanno aperto la strada all’astrazione attraverso la loro creatività, estetica e impegno.

La prima astrazione

L’astrazione è ampiamente riconosciuta come iniziata in Europa alla fine del diciannovesimo secolo, quando alcuni artisti si allontanarono dal realismo ed esplorarono forme, trame e toni in modo più dettagliato. I progressi tecnologici, inclusi maggiori comunicazioni e viaggi, permisero agli artisti europei e americani di scambiare idee più che mai. Allo stesso modo, molti artisti europei in fuga dagli orrori della Prima e della Seconda guerra mondiale portarono nuove tecniche e teorie negli Stati Uniti. Ciò portò a un gruppo in crescita di artisti americani interessati all’astrazione, molti dei quali avevano visitato artisti in Europa o seguito corsi tenuti da rifugiati europei residenti negli Stati Uniti. Tuttavia, l’astrazione era particolarmente disprezzata dall’establishment artistico americano, che vietava agli artisti astratti di esporre in gallerie e musei, li inseriva in liste nere sulla stampa e impediva loro di intraprendere carriere fruttuose.

Opportunità per le donne

Il caos degli anni Trenta, sorprendentemente, spalancò le porte agli artisti astratti in America. In risposta all’alto tasso di disoccupazione nella comunità artistica durante la Grande Depressione, il governo degli Stati Uniti creò il Progetto Artistico Federale della Works Progress Administration (WPA). Artisti di ogni provenienza (incluse donne e artisti astratti) ricevettero incarichi retribuiti in progetti artistici sponsorizzati dal governo durante gli anni della Depressione e della guerra. Migliaia di artisti furono assunti, inclusi futuri pionieri come Lee Krasner, Dorr Bothwell e Louise Nevelson, per abbellire istituzioni in tutto il paese con murales, dipinti e altri disegni. Altre artiste, come Irene Rice Pereira, contribuirono a fondare scuole d’arte finanziate dal governo per offrire corsi d’arte a studenti svantaggiati. Approfittando di questi programmi unici, le artiste poterono guadagnare un reddito attraverso l’arte e acquisire esperienza fondamentale nell’insegnamento, nella creazione artistica e nell’impegno pubblico. Queste competenze furono decisive mentre creavano, gestivano e promuovevano la disciplina variegata dell’astrazione e le proprie carriere.

Altre donne, tra cui Alice Trumbull Mason, Esphyr Slobodkina e Ray Kaiser (poi Eames), contribuirono a creare una nuova organizzazione, American Abstract Artists (AAA), per promuovere l’astrazione al pubblico e fornire spazi espositivi agli artisti. Fondata nel 1936 a New York, l’AAA nacque in risposta alla prima mostra sull’astrazione del Museum of Modern Art tenutasi nello stesso anno. Questa mostra, intitolata Cubismo e Arte Astratta, presentava quasi esclusivamente artisti europei – costituendo un ulteriore rifiuto istituzionale degli artisti astratti americani. Slobodkina scrisse la Sintesi Storica dell’AAA, ancora pubblicata sul loro sito web, che riassumeva il disperato bisogno di questo gruppo: “Quali furono le circostanze in cui questa organizzazione unica nacque e rapidamente si radicò? ... L’anno era il 1936. Il luogo – New York. Il periodo – depressione economica e isolamento quasi totale del pubblico generale da ogni contatto con le correnti estetiche avanzate attuali.”

Nel giro di un anno, l’AAA organizzò la sua prima mostra alle Squibb Galleries di New York. Sebbene la mostra fosse ben frequentata e ricevesse generalmente riscontri positivi dal pubblico, la stampa reagì ancora con ostilità. Tuttavia, l’AAA continuò a esporre in molte sedi locali, guadagnando lentamente una base crescente di ammiratori e collezionisti anche mentre la Grande Depressione e la Seconda guerra mondiale affievolivano gli animi e svuotavano le tasche. Le donne furono protagoniste nell’AAA, occupando un ruolo centrale nelle mostre, scrivendo critiche e ricoprendo ruoli di leadership – incluse le fondatrici Mason e Slobodkina, entrambe presidenti dell’AAA.

Charmion von Wiegand (1896-1983), Senza titolo, c. 1942. Carta incollata, acquerello opaco e penna e inchiostro su carta, 21,6 × 20,5 cm. Whitney Museum of American Art, New York; dono di Alice e Leo Yamin 91.84.5. © Patrimonio di Charmion von Wiegand; Cortesia di Michael Rosenfeld Gallery LLC, New York, NY

Accoglienza critica

Tuttavia, anche quando l’astrazione cominciò a guadagnare terreno nella cultura americana, le donne affrontarono ancora notevoli difficoltà. Nonostante alcuni progressi fatti durante la guerra che permisero alle donne di lavorare fuori casa, le artiste furono criticate per svolgere lavori non strettamente domestici o legati alla guerra. Molte pioniere di questo periodo sono ricordate più per i loro mariti famosi che per i loro contributi all’astrazione, tra cui Ray Kaiser (poi Eames, moglie di Charles Eames), Lee Krasner (moglie di Jackson Pollock) ed Elaine De Kooning (moglie di Willem De Kooning). Tuttavia, la loro influenza artistica sui mariti è innegabile. Basta guardare Kaiser, un’artista altamente qualificata che collaborò con il marito architetto in diversi progetti. Il suo uso di forme organiche e la tensione tra gli spazi sono una caratteristica centrale dei loro progetti ed è ciò che rese il nome Eames così celebre. Allo stesso modo, gli sforzi di Krasner per promuovere l’eredità di Pollock dopo la sua prematura morte nel 1956 sono in gran parte la ragione per cui la sua opera è così celebrata oggi.

Molte gallerie e musei rifiutavano inoltre di esporre artiste: il gallerista Samuel Kootz, grande sostenitore dell’Espressionismo Astratto, avrebbe detto che ciò accadeva perché erano troppo complicate da gestire. D’altra parte, molti critici rispondevano inizialmente favorevolmente alle opere di artiste astratte – finché non scoprivano che l’autrice era una donna. Krasner raccontò che un critico una volta disse della sua opera: “Abbiamo scoperto che l’artista era una donna in tempo per frenare il nostro entusiasmo.” Di conseguenza, diverse artiste modificarono i loro nomi per nascondere la loro femminilità. Irene Rice Pereira espose i suoi dipinti geometrici dinamici con il nome I. Rice Pereira. Allo stesso modo, l’artista Dorr Bothwell cambiò legalmente il nome da Doris per ottenere un’accoglienza più favorevole dai critici per le sue opere surrealiste. Detto ciò, molti leader maschi del movimento inquadravano ancora le opere di queste artiste in relazione alla loro femminilità. Il leggendario Hans Hoffman, che formò molte artiste astratte, disse una volta che l’opera di Krasner era “così buona che non si sarebbe detto fosse fatta da una donna.” Nonostante l’evidente qualità delle loro opere, le artiste venivano costantemente ricordate che la femminilità era uno strumento usato contro di loro per giustificare il rifiuto del mondo dell’arte verso la loro arte.

Libertà nell’astrazione

L’ironia è, naturalmente, che l’astrazione – con la sua diversità di espressione, l’assenza di forme concrete e la moltitudine di soggetti – generalmente non è classificata come maschile o femminile. Guardando un’opera astratta, sarebbe difficile per un osservatore identificare il sesso dell’artista che l’ha realizzata. Prendiamo, per esempio, la stampa del 1945 di Alice Trumbull Mason, Labirinto di forme chiuse, un conglomerato di forme arrotondate e rettangolari su uno sfondo sfumato. L’opera gioca con la scala di grigi, lo spazio bianco e le interazioni tra le forme – nulla nell’opera parla dell’identità di Mason come donna. Elaine De Kooning, allo stesso modo, abbracciò elementi di figurazione nelle sue pennellate colorate ed eteree proprio come molti artisti impressionisti maschi avevano fatto con la luce qualche decennio prima. Attraverso l’astrazione, le donne potevano sfidare le idee di estetica ‘femminile’ e uscire dagli schemi precedenti. Tuttavia, trovare una vera accettazione nella comunità artistica rimaneva sfuggente – forse fino ad ora.

Ciò che è notevole delle artiste astratte degli anni Trenta e Quaranta è la loro resilienza e dedizione alla loro arte. Attraverso catastrofi economiche e guerre mondiali, trovarono modi per rimanere ispirate, coinvolte e attive nel loro campo. Di conseguenza, le loro opere e i loro lasciti sopravvivono fino a oggi. Non è troppo tardi per riconoscere i risultati di queste persone in questo periodo straordinario della storia.

Il Whitney Museum of American Art di New York ha curato una mostra per esplorare le opere e i successi di diverse artiste astratte americane durante il periodo pre e post-bellico. “Labirinto di forme: donne e astrazione, 1930-1950” sarà visibile fino a marzo 2022.

Di Emelia Lehmann

Immagine in evidenza: Lee Krasner (1908-1984), Natura morta, 1938. Olio su carta, 48,3 × 62,9 cm. Whitney Museum of American Art, New York; acquisto in onore di Charles Simon, con fondi donati dai suoi amici di Salomon Brothers in occasione del suo 75° compleanno, e con fondi di un donatore anonimo e del Comitato per il Disegno 90.19. © 2021 The Pollock-Krasner Foundation/Artists Rights Society (ARS), New York