L'arte monumentale di Louise Nevelson

Quest'anno ricorre il 30º anniversario della morte di Louise Nevelson, un'artista che ha profondamente influenzato l'arte del XX secolo e il cui lascito risuona ancora oggi. Nevelson è maggiormente conosciuta per i suoi assemblaggi in legno monocromatici. La loro voce estetica unica affonda le radici in parte nella storia dell'arte e in parte nel linguaggio visivo e materiale di New York City, la sua casa adottiva. Le sue strategie compositive si ispirano al Cubismo, che lei paragonava a una religione, e alle teorie astratte formali di Hans Hofmann, che fu il suo maestro per molti anni. La presenza materiale dei suoi assemblaggi esalta gli aspetti scartati della vita cittadina. Come se innescasse una sorta di ecdisi inversa, Nevelson raccoglieva pezzi rotti di mobili e detriti da costruzione dai marciapiedi della città e li trasformava in opere d'arte monumentali. La metamorfosi di detriti profani in arte sacra è innegabile in opere come “Sky Cathedral” (1958), il pezzo che per primo attirò l'attenzione critica su Nevelson. È ancora più profonda nell'installazione a grandezza naturale “Dawn’s Wedding Feast” (1959); un'opera murale circondata da colonne montate a terra e sospese e da due iconici totem di sposa e sposo, questo lavoro non solo consacrò Nevelson come una delle artiste più importanti della sua generazione, ma contribuì anche a pionierizzare il campo dell'arte installativa. Ciò che colpisce particolarmente delle sue opere è che Nevelson riuscì in qualche modo a infondere loro un senso di intimità nonostante la loro scala monumentale. Si prese cura di assicurare che ogni singolo elemento potesse esprimere le sue qualità essenziali all'interno della struttura del tutto. Nel processo creò opere che possono essere apprezzate oggettivamente o che possono invitare gli spettatori a un'esperienza più personale. In celebrazione della vita e dell'opera di questo genio, ecco le mie nove citazioni preferite di Louise Nevelson, ognuna preziosa per il modo in cui illumina il suo lavoro e rivela il funzionamento interiore della sua mente.

1. “Se hai una cornice intorno a te che non si adatta al quadro, allora rompi la cornice.”

Nata nel 1899 a Pereiaslav-Khmelnytskyi nell'attuale Ucraina, Leah Berliawsky emigrò negli Stati Uniti nel 1905 per sfuggire alla persecuzione religiosa. Da bambina perseguì con passione l'arte nonostante lo scoraggiamento dei genitori. Dopo aver sposato Charles Nevelson nel 1920 e aver avuto un figlio due anni dopo, si rese conto di trovarsi ancora nella stessa situazione di quando era bambina, solo che ora era suo marito e la sua famiglia a dirle di abbandonare l'arte per essere una madre e moglie più attenta. Rendendosi conto di trovarsi nella cornice sbagliata, Nevelson lasciò il marito e il figlio nel 1931 e si trasferì per studiare con Hans Hofmann.

2. “Il cubo lo concentra e gli dà la sua vera struttura.”

Nevelson strutturò tutti i suoi assemblaggi attorno alla forma geometrica base del cubo. Non importava quanti pezzi di legno assemblasse né quanto disgiunti potessero sembrare i pezzi messi insieme, i cubi tenevano sempre unita la composizione, sia visivamente che fisicamente.

3. “Il nero racchiude tutti i colori. Non è una negazione.”

La maggior parte delle opere di Nevelson sono monocromi neri. Molti critici fraintendevano il suo uso di questo colore, suggerendo che volesse cancellare le vite passate dei materiali. Invece, lei sosteneva che il nero fosse un colore inclusivo che permetteva a ogni elemento separato dell'opera di conservare la sua essenza fondamentale pur venendo assorbito nello spirito del tutto. Diceva anche che il colore nero rendeva le sue opere “aristocratiche.”

Louise Nevelson - Senza titolo, ca. 1976. Costruzione in legno dipinto di nero. 94 × 36 × 16 3/4 pollici; 238,8 × 91,4 × 42,5 cm. Michael Rosenfeld Gallery, New York. © 2018 Patrimonio di Louise Nevelson/Società dei Diritti degli Artisti (ARS), New York

4. “È molto più diretto farlo come lo faccio io. È immediato, è vero, ed è lì.”

Dopo anni passati a disegnare e dipingere immagini di cose rotte, Nevelson capì che usare direttamente i detriti avrebbe introdotto una verità materiale nel suo lavoro, oltre a conferirgli il residuo emotivo delle associazioni passate con ciò che i materiali erano stati.

5. “È il lavoro e io, non il pubblico e io. Il pubblico è un riflesso.”

Nevelson iniziò a realizzare sculture pubbliche di grande scala negli anni ’70 usando materiali come plastica e acciaio Cor-Ten. I critici mettevano in dubbio il significato delle opere, che avevano un aspetto e una sensazione molto diversi dai suoi assemblaggi in legno. Lei negava le loro critiche, affermando il suo diritto autonomo di artista di creare qualsiasi tipo di opera desiderasse.

Louise Nevelson - Dark Cryptic, 1975. Legno patinato. 12 × 9 × 7 pollici; 30,5 × 22,9 × 17,8 cm. Caviar20, Toronto. © 2018 Patrimonio di Louise Nevelson/Società dei Diritti degli Artisti (ARS), New York

6. “L'unica realtà che riconosco è la mia realtà.”

Nevelson affrontò genitori autoritari, un coniuge controllante, critici sessisti, curatori sprezzanti e spettatori ignoranti. Ignorò organizzazioni sociali come “The Club”, scegliendo invece la vita di un'outsider nel mondo dell'arte. Nonostante tutti coloro che dubitavano e la scoraggiavano, ebbe successo. Questa citazione spiega il perché.

7. “Ci dà un luogo per muoverci attraverso le tre dimensioni, nella quarta e oltre. È davvero un luogo dove si attraversa la materia per arrivare allo spirito.”

Nevelson si definiva non una pittrice né una scultrice, ma un'architetta che costruiva con ombra e luce. Il suo amore per il Cubismo la ispirava a creare sempre opere che premiassero il movimento, un'espressione della quarta dimensione. Era interessata a creare ambienti in cui corpo e mente potessero viaggiare.

Louise Nevelson - Senza titolo, 1985. Legno dipinto di nero. 44 × 22 × 17 1/5 pollici; 111,8 × 55,9 × 43,8 cm. Pace Gallery. © 2018 Patrimonio di Louise Nevelson/Società dei Diritti degli Artisti (ARS), New York

8. “Quando crei, c’è un’energia aggiunta che supera ogni altra cosa.”

Nevelson era un'artista notoriamente riservata e disciplinata. Credeva che le emozioni offerte da cose diverse dal lavoro creativo impallidissero rispetto all'adrenalina che provava nel suo studio. Quando la sua ora famosa installazione “Dawn’s Wedding Feast” debuttò nella mostra “Sixteen Americans” al MoMA, disse che in parte simboleggiava il suo matrimonio con il suo lavoro.

9. “Non è come vivo, è come concludo la mia vita.”

Quando Nevelson era giovane, la sua famiglia la scoraggiava dal diventare artista dicendole che non le avrebbe offerto uno stile di vita comodo. Già allora sapeva che avrebbe potuto trovare pace solo alla fine della sua vita se fosse rimasta fedele a se stessa.

Immagine in evidenza: Louise Nevelson - Bozzetto per Night Wall VI, 1977-1979. Acciaio saldato dipinto di nero. 25 × 27 1/2 × 9 4/5 pollici; 63,5 × 69,8 × 24,8 cm. Pace Gallery. © 2018 Patrimonio di Louise Nevelson/Società dei Diritti degli Artisti (ARS), New York
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio