L'arte monumentale di Louise Nevelson

Quest'anno segna il 30° anniversario della morte di Louise Nevelson, un'artista che ha profondamente influenzato l'arte del XX secolo e il cui lascito risuona ancora oggi. Nevelson è conosciuta principalmente per le sue assemblaggi di legno monocromatici. La loro unica voce estetica è radicata in parte nella storia dell'arte e in parte nel linguaggio visivo e materiale di New York City—la sua casa adottiva. Le sue strategie compositive attingono al Cubismo, che lei paragonava a una religione, e dalle teorie astratte formali di Hans Hofmann, che è stato il suo insegnante per molti anni. La presenza materiale delle sue assemblaggi esalta gli aspetti scartati della vita cittadina. Come se stesse istigando una sorta di ecdisi inversa, Nevelson raccoglieva pezzi rotti di mobili e detriti di costruzione dai marciapiedi della città e li trasformava in opere d'arte monumentali. La metamorfosi di detriti profani in arte sacra è innegabile in opere come “Sky Cathedral” (1958), il pezzo che ha portato per la prima volta Nevelson all'attenzione critica. È ancora più profonda nell'installazione di dimensioni camerali “Dawn’s Wedding Feast” (1959); un'opera a parete circondata da colonne montate a terra e sospese e due iconici totem sposo e sposa, questo pezzo non solo ha stabilito Nevelson come una delle principali artiste della sua generazione, ma ha anche contribuito a pionierare il campo dell'arte installativa. Ciò che è particolarmente commovente delle sue opere è che Nevelson in qualche modo le ha impregnate di un senso di intimità nonostante la loro scala monumentale. Si è presa cura di garantire che ogni singolo elemento potesse esprimere le sue qualità essenziali all'interno della struttura del tutto. Nel processo ha creato opere che possono essere godute oggettivamente, o che possono invitare gli spettatori verso un'esperienza più personale. In celebrazione della vita e dell'opera di questo genio, ecco le mie nove citazioni preferite di Louise Nevelson—ognuna preziosa per il modo in cui chiarisce il suo lavoro e rivela i meccanismi interiori della sua mente.

1. "Se hai una cornice intorno a te che non si adatta all'immagine, allora rompi la cornice."

Nata nel 1899 a Pereiaslav-Khmelnytskyi nell'odierna Ucraina, Leah Berliawsky immigrò negli Stati Uniti nel 1905 per sfuggire alla persecuzione religiosa. Da bambina, perseguì con passione l'arte nonostante il dissuasore dei suoi genitori. Dopo aver sposato Charles Nevelson nel 1920 e aver dato alla luce un figlio due anni dopo, si rese conto di essere ancora nella stessa situazione in cui si trovava da bambina, tranne per il fatto che ora era suo marito e la sua famiglia a dirle di rinunciare alla sua arte per essere una madre e una moglie più attenta. Rendendosi conto di essere nel contesto sbagliato, Nevelson lasciò suo marito e suo figlio nel 1931 e si trasferì per studiare con Hans Hofmann.

2. "Il cubo lo concentra e gli dà la sua vera struttura."

Nevelson ha strutturato tutte le sue assemblaggi attorno alla forma geometrica di base dei cubi. Non importa quanti pezzi di legno assemblasse nell'assemblaggio, né quanto disgiunti potessero apparire i pezzi messi insieme, i cubi tenevano sempre insieme la composizione, sia visivamente che fisicamente.

3. "Il nero racchiude tutti i colori. Non è una negazione."

La maggior parte delle opere di Nevelson sono monochrome nere. Molti critici hanno frainteso il suo uso di questo colore, suggerendo che stesse cercando di eradicare le vite passate dei suoi materiali. Invece, lei sosteneva che il nero fosse un colore inclusivo che permetteva a ciascun elemento separato dell'opera di mantenere la sua essenza fondamentale, pur diventando assorbito nello spirito dell'insieme. Ha anche detto che il colore nero faceva sembrare le sue opere "aristocratiche."

Louise Nevelson - Senza titolo, ca. 1976. Costruzione in legno dipinto di nero. 94 × 36 × 16 3/4 in; 238.8 × 91.4 × 42.5 cm. Michael Rosenfeld Gallery, New York. © 2018 Eredità di Louise Nevelson/Diritto degli Artisti (ARS), New York

4. "È molto più diretto farlo nel modo in cui lo faccio io. È immediato, è vero e c'è."

Dopo aver trascorso anni a disegnare e dipingere immagini di cose rotte, Nevelson si rese conto che utilizzare il detrito stesso avrebbe introdotto una verità materiale nel suo lavoro, oltre a conferirgli il residuo emotivo delle associazioni passate con ciò che i materiali erano stati.

5. "È il lavoro e io, non è il pubblico e io. Il pubblico è un riflesso."

Nevelson iniziò a realizzare sculture pubbliche su larga scala negli anni '70 utilizzando materiali come plastica e acciaio Cor-Ten. I critici misero in discussione il significato dell'opera, che aveva un aspetto e una sensazione molto diversi rispetto alle sue assemblaggi in legno. Lei negò le loro critiche, affermando il suo diritto autonomo come artista di creare qualsiasi tipo di opera volesse.

Louise Nevelson - Dark Cryptic, 1975. Legno patinato. 12 × 9 × 7 in; 30.5 × 22.9 × 17.8 cm. Caviar20, Toronto. © 2018 Eredità di Louise Nevelson/Diritto degli Artisti (ARS), New York

6. "L'unica realtà che riconosco è la mia realtà."

Nevelson ha affrontato genitori controllanti, un coniuge controllante, critici sessisti, curatori sprezzanti e spettatori ignoranti. Ha ignorato organizzazioni sociali come "The Club", optando invece per la vita di un'emarginata del mondo dell'arte. Nonostante tutti coloro che dubitavano e la scoraggiavano, ha avuto successo. Questa citazione spiega perché.

7. "Ci dà un luogo per muoverci attraverso le tre dimensioni, nel quarto e oltre. È davvero un luogo dove si passa attraverso la materia nello spirito."

Nevelson si descriveva non come pittrice né scultrice, ma come un'architetta che costruisce con ombra e luce. Il suo amore per il Cubismo la ispirava a creare sempre opere che premiassero il movimento—un'espressione della quarta dimensione. Era interessata a creare ambienti in cui sia il corpo che la mente potessero viaggiare.

Louise Nevelson - Senza titolo, 1985. Legno dipinto di nero. 44 × 22 × 17 1/5 in; 111.8 × 55.9 × 43.8 cm. Pace Gallery. © 2018 Eredità di Louise Nevelson/Diritto degli Artisti (ARS), New York

8. "Quando crei, c'è un'energia aggiuntiva che supera qualsiasi altra cosa."

Nevelson era un'artista notoriamente riservata e disciplinata. Credeva che le emozioni offerte da cose diverse dal lavoro creativo fossero insignificanti rispetto all'eccitazione che riceveva nel suo studio. Quando la sua ora famosa installazione "Dawn’s Wedding Feast" debuttò nella mostra "Sixteen Americans" al MoMA, disse che in parte simboleggiava il suo matrimonio con il suo lavoro.

9. "Non è come vivo, è come finisco la mia vita."

Quando Nevelson era giovane, la sua famiglia la dissuase dal diventare un'artista dicendole che non le avrebbe offerto uno stile di vita confortevole. Anche allora sapeva che sarebbe stata in pace solo quando fosse morta, se fosse rimasta fedele a se stessa.

Immagine in evidenza: Louise Nevelson - Maquette per Night Wall VI, 1977-1979. Acciaio saldato verniciato di nero. 25 × 27 1/2 × 9 4/5 in; 63,5 × 69,8 × 24,8 cm. Pace Gallery. © 2018 Estate of Louise Nevelson/Artists Rights Society (ARS), New York
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park