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그림
Year: 2023
Edition: Unique
Technique: Oil on linen
Framed: No
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다나 고든의 만화경 같은 구성은 사색적이며 다소 오르픽 큐비즘을 불러일으킨다.
그의 그림은 색상과 구조로 압도적인 존재감을 가지고 있으며, 제스처 곡선, 제약 없는 작은 패턴과 형태가 함께 어우러진다.
Gordon은 색상, 형태 및 선 사이의 시각적 대화에 관심이 있으며, 형태와 그리드 사이의 긴장을 찾고 있습니다.
그는 형태, 인접한 형태, 그리고 형태의 군집을 전체 그림 안에 있는 작은 그림으로 생각한다.
Dana Gordon은 미국의 추상 화가로, 그의 열정적인 작품은 수십 년 동안 의미가 담긴 색상, 형태 및 공간을 창조하기 위해 마크 메이킹과 선의 가능성을 직접 탐구해 왔습니다. 최근 몇 년 동안 그는 액체 서예의 표현 가능성으로 자신의 선을 점점 더 밀어붙였습니다. Gordon에게 "추상화는 인간의 본성과 경험을 의미, 감정, 그리고 시각적 형태의 아름다움을 통해 완전히 표현할 수 있다."
다학제 예술가인 Gordon은 또한 예술에 대해 글을 쓰고, 오페라와 무용을 위한 세트를 디자인했으며, 1968-78년 동안 아방가르드 영화를 만들고 그림을 그렸습니다.
그는 뉴욕시에 살고 일합니다.
교육
Gordon은 1944년 보스턴에서 태어나 시카고에서 자랐습니다. 그는 1967년 이후로 뉴욕시에서 예술 경력을 쌓아왔으며, 1970년대에는 미시간, 매사추세츠, 위스콘신 대학교와 호놀룰루 미술관에서 가르쳤던 해를 제외하고는 그렇습니다.
그 예술가는 1966년 브라운 대학교에서 미술 학사(B.A.)를 받고, 1969년 헌터 대학교에서 미술 석사(M.A.)를 받았습니다. 그는 1960년대 후반에 토니 스미스와 조지 슈가맨의 스튜디오에서 보조로 일했습니다.
1966-67년 동안, Gordon은 시카고의 ID에서 아론 시스킨드와 함께 사진을 공부했습니다. 그림 외에도, Gordon은 1967-78년 동안 아방가르드 영화를 만들었으며, 모던 아트 뮤지엄과 국제 영화 박물관에서 개인 전시회에서 상영되었습니다. 고든의 예술에 대한 글(특히 카미유 피사로에 대한 글)은 코멘터리 매거진, 월스트리트 저널[ii], 뉴욕 선, 예루살렘 포스트, 그리고 페인터스 테이블[iii]에 실렸습니다. Gordon은 1993년 뉴욕의 페인팅 센터의 창립자 중 한 명이었습니다 [iv] 그의 그림은 danagordon.net에서 볼 수 있습니다.
어린 시절, 그 예술가는 탈무드 학자인 외할아버지와 매우 가까웠으며, 젊은 Gordon은 그에게서 사랑이 담긴 영성을 발견했습니다. Gordon은 다섯 살 때 가족과 함께 시카고로 이사했습니다. 그의 어머니는 시카고 미술관에서 인상파 및 후기 인상파 그림을 소개해 주었고, 아버지는 피아노를 연주하는 과학자로서 그에게 클래식 음악과 재즈를 접하게 했습니다. 도시의 놀라운 건물들에 대한 인식을 가지고 성장한 Gordon은 건축가가 되고 싶다는 유혹을 받았습니다.
Dana Gordon은 어린 시절에 그림을 그렸고 시카고 미술학교에서 수업을 들었습니다. 그의 부모는 어린 시절 내내 그의 예술에 대한 감상을 격려했지만, 그가 대학 시절에 예술가가 되기로 결심했을 때, 그들은 완전히 반대했습니다. 그러나 그는 결정을 바꾸지 않았습니다.
기술
그의 경력 초기에, Gordon은 약 10년 동안 형태가 있는 3차원 캔버스를 제작했습니다. 그러나 1970년대 중반에 그는 "다시 시작했다"(그의 표현에 따르면)고 하며, 가장 기본적인 요소에서 직접 그림을 다시 탐구하기 시작했습니다. 그는 주로 마크 메이킹과 선을 그의 주요 수단 또는 진입점으로 사용했습니다.
시리즈마다 결과는 때로는 선형에 더 치우치기도 하고, 때로는 점의 군집으로, 또 다른 때는 윤곽이 그려진 형태로 나타났습니다. 선과 서예의 질은 무한히 얇은 연필 선(형태의 가장자리)에서부터 매우 넓은 붓질, 즉 형태 자체가 될 만큼 넓은 폭에 이르기까지 다양한 범위에 걸쳐 달라졌습니다....
그의 2010-2014년 그림에서, 선 은 형태의 가장자리가 되어, 색상의 완전한 표현을 위한 뚜렷한 영역을 제공합니다. Gordon은 또한 단일 형태, 인접한 형태, 그리고 형태의 군집을 더 큰 전체 그림 안에 있는 작은 그림으로 생각합니다.
그의 작업에서, 예술가는 자연색이나 검은색을 사용하지 않고 오직 스펙트럼 색상만을 사용하여 명확하고 구체적이며 강렬한 작품을 만듭니다. 색상에 대한 접근 방식에 대해 Gordon은 "화가는 작곡가가 순수하고 정확한 음색을 필요로 하는 것처럼 순수한 색이 필요하다"고 말했습니다.
영감
그의 영감에 대해 질문을 받았을 때, 예술가는 "나는 모든 경험과 관찰, 사람들, 도시들, 풍경 그리고 예술에 의해 영감을 받는다. 나는 과거의 위대한 마스터 작품들처럼 가득 차고, 풍부하며, 완전하고 의미 있는 추상화를 만들고 싶다. 내 예술이 깊은 감정과 사고를 자극하고, 기쁨과 즐거움을 주기를 바란다. 본질적으로 그것은 두 가지 질문을 묻고 답한다: 살아 있다는 것은 어떤 느낌인가, 그리고 예술이란 무엇인가."...
Dana Gordon은 젊은 시절 예술적인 환경에 몰두하며 시카고 미술관을 여러 번 방문했습니다. 그러나 그가 창의성을 이해하게 된 초기의 깨달음은 10대 시절에 방문한 재즈 클럽에서 나타났습니다: 마일스 데이비스와 존 콜트레인의 즉흥 연주를 듣고 보는 것은 Gordon이 말하길, "그들이 그것을 하는 동안 예술적 천재들의 창의적 사고 안에 있는 것과 같았다."
1960년대 후반 맨해튼 중심가에 살던 Gordon은 집중적이고 매우 활기찬 예술 세계에 둘러싸여 있었다. 헌터 컬리지에서 회화와 조각을 공부하는 동안 그의 스승들은 토니 스미스, 조지 슈가먼, 아드 레인하르트, 그리고 랄프 험프리 등이었다.
다나는 그들의 작업에 매료되고 영감을 받았는데, 그들은 예술에 대한 완전한 진지함과 헌신, 그리고 최고의 예술적 성취를 보여주었기 때문이다. 동시에 그는 화가 앨리스 닐와 친구가 되었는데, 그녀는 예술과 예술 세계에 대한 다소 다른 관점을 가진 동등하게 진지하고 뛰어난 예술가였다.
그는 약 1년 동안 MoMA에서 일하며 현대 미술의 가장 중요한 작품들을 깊이 있게 살펴볼 수 있었습니다. 이후, Gordon은 호놀룰루 미술관에서 일하며 그곳의 중국 풍경화 및 선화 컬렉션을 연구했습니다.
다나 고든의 작품은 다소 오르피즘 입체파 를 연상시키며, 만화경처럼 다채롭고 사색적입니다. 그림을 그릴 때, Gordon은 색상, 형태 및 선 사이의 시각적 대화에 관심을 가지고 있습니다.
이러한 예술에 대한 이해는 그의 그림뿐만 아니라 그가 여러 출판물에 쓴 에세이에서도 발견되며, 그 에세이는 그의 영감 중 하나인 화가 카미유 피사로에 관한 것이다.
'피사로에 대해 Gordon은 2007년 월스트리트 저널에 "피사로는 대중적으로 첫 번째 인상파로 알려져 있다. 그러나 그의 생애 동안 그는 더 많은 것으로 알려져 있었다. 본질적으로 그는 첫 번째 추상 화가였다. 그는 회화의 기본적인 특성인 색상, 붓질, 물질성, 선, 형태, 구성 등이 그 자체로 의미가 있음을 보여주었고, 물감을 순수한 시각적 시로 변모시켰다."라고 썼다.'
아티스트 성명
"누구나 그림 작업을 시작할 때마다 존재론적 질문에 직면하게 되며, 이것이 궁극적으로 그림을 보는 것과 그리는 것의 가치를 부여합니다. 일반적으로 저는 제가 경험한 모든 것이 제 그림에 영향을 미치도록 하려고 합니다. 그리고 그 과정이 스스로 정리되도록 합니다. 그 과정은 그림과의 대화(종종 논쟁)와 같으며, 정신적이고 육체적입니다."
회화는 지적, 심리적, 감정적 표현의 포괄적이고 개방적인 시각 언어입니다. (그 본질은 진정으로 시각적이며, 내러티브, 문학적, 학문적, 이론적, 정치적 요소는 전혀 없습니다.)
역사적으로 추상화는 모든 형태의 예술에서 파생되지만, 근본적으로 그것은 또한 모든 형태의 예술의 기초가 됩니다. 추상적 형태는 자연에 대한 우리의 관점을 포함하며 자연의 모든 곳에서 발견됩니다.
관련 인용문
뉴 크리테리온의 편집장 제임스 파네로는 수년간 고든의 전시회를 리뷰해왔으며 그의 작업에 대해 다음과 같이 말합니다:
“Dana Gordon은 색상 형태를 그리드 내에 배치하는 특정 추상 구조를 탐구해 왔습니다. 많은 예술가들이 널리 그림을 그리는 반면, Gordon은 깊이 있는 그림을 그립니다. 그는 이 특정한 관용구의 가능성을 이해하는 데 단독으로 헌신해 왔습니다. 그의 작업의 점진적인 진화는 그 자체로 하나의 예술 프로젝트가 되었습니다. 유화의 기본 요소를 검토하는 데 이렇게 사려 깊은 예술가는 몇 명 생각나지 않습니다 (…) 단순한 언어를 소진하기보다는; Gordon은 몇 가지 기본 요소가 어떻게 시각적 흥미의 만화경으로 우리를 매료시킬 수 있는지를 보여주었습니다.”
- 뉴욕시 그리니치 빌리지에 있는 웨스트베스 갤러리는 Gordon에게 3월 19일에 50년 회고전을 열도록 초대했습니다. 갤러리는 "Gordon의 최근 몇 년간 뉴욕과 파리에서의 여러 개인전 이후, 우리는 더 완전한 이야기를 전할 적절한 시점이라고 생각했습니다."라고 썼습니다.
- 제임스 파네로, 미술 비평가이자 The New Criterion의 편집장, 웨스트베스 전시회를 발표했다.[v]
- 2018년 9월 Gordon의 최근 작품이 파리의 갤러리 메타노이아에서 전시되었으며, 이에 대해 아트 크리티컬의 편집자인 데이비드 코헨은 "행운의 파리!"라고 썼습니다. [vi] [vii]
- "MJ Bono, 수집가가 Gordon의 작업에 대해 썼습니다: "당신의 최근 전시회를 Westbeth에서 보았을 때, 당신의 다양한 시리즈를 보며, 여기 모든 가능성을 철저히 탐구하고 다른 도전에 나서는 것을 두려워하지 않는 예술가가 있다는 생각이 들었습니다. 그것이 우리가 모두 해야 할 희망적인 일입니다."
주목할 만한 구별
그는 Pollock-Krasner 재단, Edward Albee 재단, Wisconsin Arts Board 등 여러 보조금과 펠로우십의 수혜자입니다. 1980년에는 Change, Inc.와 Robert Rauschenberg의 재단으로부터 보조금을 받았습니다.
전시회
Dana Gordon의 비평가들의 찬사를 받은 추상화는 1970년대 이후 많은 개인 전시회에서 전시되었습니다.
2019년 3월, 그는 뉴욕시 그리니치 빌리지에 있는 아티스트 운영의 웨스트베스 갤러리에서 40점의 회화를 포함한 50년 회고전을 초대받았다.
2018년 9월 Gordon의 최근 작품이 파리의 갤러리 메타노이아에서 전시되었습니다....
이전에 Gordon은 Sideshow Gallery에서 그의 그림에 대한 개인 전시회를 가졌습니다, (2017[viii], 2013[ix]), Andre Zarre Gallery (1997, 2014[x]), Painting Center (1994), 55 Mercer Gallery (1993, 1994), 그리고 Ericson Gallery (1982) 뉴욕, El Camino Real Boca Raton (2003), 그리고 Adelphi University (1995), 기타 장소[xi]에서. 그의 그림은 또한 Paolo Baldacci, Peder Bonnier, Charles Cowles, Kouros, Janet Kurnatowski, Ledis Flam, Sideshow, Blondie's, 그리고 PS122 갤러리에서 열린 많은 그룹 전시회에도 참여했습니다.
컬렉션
Gordon의 작품은 국내외의 공공 및 개인 컬렉션에 전시되어 있으며, 브루클린 미술관, 필립 모리스 코퍼레이션, 그리스 아메리칸 칼리지 등이 포함됩니다.
갤러리
안드레 자레 갤러리, 뉴욕, NY
사이드쇼 갤러리, 브루클린, NY
비판적 논평
데이비드 코헨, 아트 크리티컬, FB에서, 2018: 럭키 파리.
'제임스 파네로, 화가의 테이블, 2017: 화가의 직관과 철학적 인식을 일치시킨다.... Gordon은 그런 창의적인 독창자 중 한 명이다....'
앤 솔, 맛있는 선, 2017: 이 강력한 그림들은 마음이 약한 사람들을 위한 것이 아니다.
제임스 파네로, 뉴 크리테리온, 2014: 많은 예술가들이 널리 그림을 그리는 반면, Gordon은 깊이 그린다.... Gordon은 "오직 그림만이 할 수 있는 것을 안다."
그레이스 글루크, 뉴욕 타임스, 1997: … 매우 생동감 넘치는 시각적 향연.
'힐튼 크레이머, 아트포럼, 1995: .내가 휘트니 비엔날레에 포함할 아티스트들 중에서.'
조나스 메카스, 편지, 1995: 내가 당신의 스튜디오를 잠깐 방문한 것이, 예술에 대한 나의 믿음을 회복시켜 주었습니다.[xii]
헬렌 해리슨, 뉴욕 타임스, 1994: ...아름다운 그림들, 정교하게 조율된 스펙타클의 통제된 열정으로 가득 차 있다.
발렌틴 타트란스키, 카탈로그 에세이, 1992: 그의 사진을 다시 그리고 또 다시 보세요.
존 러셀, NY 타임스, 1987: ...찾아볼 가치가 충분한…더 많이 볼 수 있으면 좋을 화가.
린다 그로스, L.A. 타임스, 1978: ... 새로운 인식을 추구하는 순수주의자와 개척자를 위한.
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