Blauwe en Abstracte Kunst

Al eeuwenlang is de kleur blauw een bron van fascinatie geweest voor kunstenaars en kunstliefhebbers. Moeilijk en duur om te verkrijgen, werd blauw zelden gezien buiten de kleding van koninklijke personen, religieuze figuren of anderszins rijke elites in de middeleeuwse en renaissancekunst, en zelfs dan werd het spaarzaam gebruikt. Het pigment dat werd gebruikt om blauwe verf te maken, was afgeleid van de halfedelsteen lapis lazuli, die tegen hoge kosten werd geïmporteerd uit een regio in het noorden van Afghanistan. De schaarste van de kleur vestigde snel blauw als een symbool van niet alleen materiële rijkdom, maar ook spiritualiteit. Zelfs toen synthetische pigmenten de kleur toegankelijker maakten, blauw behield zijn status als een krachtige, expressieve en elementaire kleur, die een centrale rol speelde in de kunstgeschiedenis. Het is dan ook nauwelijks verrassend dat in het domein van de abstracte kunst, waar kleur des te krachtiger is door zijn vrijheid van de beperkingen van figuurvorming, blauw enkele van de grootste meesterwerken heeft opgeleverd.

Blauwe naakten

Inderdaad, vanaf het begin van de 20e eeuw was de weg naar abstractie voor veel kunstenaars geplaveid met blauw. De Franse kunstenaar Henri Matisse stond aan de voorhoede van de ontwikkeling van de avant-garde kunst, zijn Blue Nudes een getuigenis van het belang van de kleur in zijn werk. De afbeeldingen, die tot de meest iconische werken van de vroege 20e eeuw behoren, bestaan uit een serie vrouwelijke naakten, herkenbaar hoewel gedeeltelijk geabstraheerd, weergegeven in blauw papier dat op een witte achtergrond is geplakt. Werkend op een manier die de kunstenaar "direct in kleur snijden" noemde, reduceerde Matisse de werken tot hun meest krachtige en elementaire vorm.

Henri Matisse - Blauwe Naakt, 1952

De Blauwe Ruiter

Kort nadat Matisse’s Blue Nudes werden gerealiseerd, ontstond de expressionistische kunstgroep “Der Blaue Reiter” (wat vertaald wordt als “De Blauwe Ruiter”), opgericht door de kunstenaars Franz Marc en Wassily Kandinsky, later vergezeld door Paul Klee, Alexej von Jawlensky en August Macke. De groep was geboren uit de gedeelde fascinatie van het paar voor de kleur blauw en het motief van paard en ruiter, en zag een aantal belangrijke blauw-geïnspireerde werken ontstaan in de korte periode van zijn bestaan. Kandinsky’s levenslange liefdesaffaire met de kleur blauw was gebaseerd op wat hij zag als het emotionele potentieel en de spirituele capaciteiten ervan. Voor Kandinsky, hoe dieper het blauw, “hoe meer het de menselijke verlangens naar het eeuwige wekt”. Inderdaad, diepe tinten blauw punctueren veel van de krachtigste werken van de schilder, en doordrenken de beelden met een numineuze zin en aangrijpendheid die de kunstenaar trachtte over te brengen.

Franz Marc - De Grote Blauwe Paarden, 1911

Yves Klein

Later in de 20e eeuw nam de kleur blauw opnieuw de hoofdrol in, door het werk van de Franse schilder Yves Klein. Klein, wiens carrière werd gekenmerkt door zijn bezorgdheid om kleur in zijn puurste vormen, duwde de grenzen van artistieke creatie met de fabricage van zijn eerste volledig monochrome doeken in 1947. Deze werken, die de artistieke conventie tartten, werden oorspronkelijk in een volledige reeks kleuren gemaakt, maar naarmate de tijd verstreek, raakte de kunstenaar steeds meer gefixeerd op het vinden van een bepaalde tint ultramarijnblauw, waarvan hij geloofde dat deze de kwaliteit van pure ruimte zou vastleggen. Zodra hij de perfecte tint ontwikkelde, bekend als IKB, of International Klein Blue, patenteerde hij de kleur en produceerde hij ongeveer 200 doeken geschilderd met de tint, en ging zelfs zo ver dat hij naakte modellen met de kleur schilderde en hen instrueerde om over een doek te rollen om abstracte en zeer expressieve composities te creëren.

Yves Klein - IKB 191, 1962

Roger Hiorns en Blauwe Abstracte Kunst

Meer dan een halve eeuw nadat Klein zijn eerste IKB-doeken creëerde, blijft de kleur blauw de weg wijzen in het domein van grensverleggende non-figuratieve kunst. Voor de hedendaagse kunstenaar Roger Hiorns was een voormalige sociale huurwoning in Londen het canvas voor zijn blauwe meesterwerk, Seizure, dat werd gemaakt door de kleine kamer te bedekken met kopersulfaatoplossing. Indrukwekkende blauwe kristallen mochten zich vervolgens over elk oppervlak van de ruimte vormen. Het stuk, dat in 2009 werd genomineerd voor de Turner Prize, toont de blijvende kracht van de kleur in de hedendaagse kunst.

Of het nu een symbool is van spiritualiteit of materiële rijkdom, verdriet of kracht, ruimte of leegte, er is geen twijfel dat de kleur blauw als inspiratie heeft gediend voor kunstenaars door de eeuwen heen. Het heeft een blijvende indruk achtergelaten op de geschiedenis van de abstracte kunst; de ooit kostbare tint is gedemocratiseerd maar niet verwaterd, zijn elementaire kracht en expressieve potentieel bieden inspiratie aan kunstenaars van Mondrian tot Malevich, Kandinsky tot Klee, en Picasso tot Pollock. 

Uitgelichte afbeelding: Roger Hiorns - Seizure