Interview met Claude Viallat

De Franse kunstgeschiedenis van de tweede helft van de 20e eeuw zou onvolledig zijn zonder het noemen van een belangrijke figuur in de Franse en internationale kunstscene – Claude Viallat. Deze opmerkelijke maker is een van de grootste Franse abstracte kunstenaars van de afgelopen decennia. Hoewel er periodes waren waarin hij experimenteerde met verschillende stijlen en benaderingen, bleef Claude Viallat trouw aan zijn eigen visuele taal, waarbij hij vaak de conventionele regels en traditionele schildertechnieken doorbrak. Viallat wordt vooral geprezen om zijn beroemde methode waarbij een enkele vorm op doek wordt bevestigd zonder spankaders. Voor de aanstaande solotentoonstelling van Claude Viallat bij Galerie Daniel Templon in Parijs, had IdeelArt, in samenwerking met Art Media Agency, de gelegenheid om een middag door te brengen in het atelier van de kunstenaar in Nîmes, Frankrijk, waar hij woont en werkt, en een exclusief interview te krijgen.

Claude Viallat - Essentie en Negatie

Wat opvalt in Viallat’s carrière is het feit dat hij altijd trouw is gebleven aan zijn eigen regels en normen, ongeacht hoe anderen die zagen. Vroeg in zijn carrière was Viallat lid van de Supports/Surfaces beweging, waar hij samen met andere kunstenaars zich richtte op materialen en creatieve gebaren, waarbij het onderwerp zelf op de achtergrond werd geplaatst. Zijn experimenten met kleur en textuur leidden tot de creatie van een aantal werken waarvoor hij het meest bekend is. Daarnaast schilderde Viallat op verschillende oppervlakken, waaronder gerecyclede materialen, paraplu’s, diverse stoffen, geweven of geknoopte touwen. Claude Viallat, de grote figuur van de hedendaagse abstracte kunst, is nog steeds actief, met een carrière die 50 jaar beslaat. De Parijse Galerie Templon organiseert een tentoonstelling die een nieuw historisch perspectief biedt op werken van deze belangrijke Franse kunstenaar. De tentoonstelling opent op 4 juni en is te zien tot 23 juli 2016.

Je werk speelt sterk in op het paar herhaling-verschil. Herhaling van gebaren, procedures; verschil in materialen, kleuren…

Ik zou zeggen dat mijn werk allereerst gaat over de alledaagse aard van dingen. We zijn allemaal mensen die constant dezelfde gebaren herhalen en we krijgen altijd verschillende situaties uit deze gebaren. Elke dag is een herhaling van hetzelfde die tot verschillende dingen leidt.

Dit is het principe achter mijn werk: als je elke dag dezelfde gebaren uitvoert op vergelijkbare materialen en nog meer op verschillende materialen—, krijg je elke dag heel verschillende resultaten. Ik probeer niets nieuws te bedenken: ik laat dingen op zo’n manier ontstaan dat nieuwheid vanzelf wordt uitgevonden.

Elke dag leef ik, onderga ik, verzamel ik, reflecteer ik, red ik dingen: indrukken, gevoelens, visies. Ik laat dit alles mij voeden. Terwijl ik werk op doeken die niet gecoat of geplakt zijn, zijn materialen belangrijk. Afhankelijk van de vettigheid van een kleur zal het materiaal er anders op reageren: het kan het absorberen, ertegen weerstand bieden, het laten staan zonder het op te zuigen, of aan de andere kant, het opzuigen en verspreiden. Ik onderzoek hoe materialen, stoffen die fluweel, zeildoek, lakens kunnen zijn, een totaal ander effect creëren bij het omgaan met kleur.

Jij’wordt vaak beschreven als een groot colourist.

Ik accepteer de manier waarop kleur zich toont, dat is alles. Een schilder zoekt tonen op zo’n manier dat ze bij elkaar passen. Ik plaats tonen op een stof, een materiaal, en ik accepteer de

Door deze noties van acceptatie, berusting, herhaling van gebaar, kunnen we enkele parallellen trekken met Aziatische filosofieën. Is dit een invloed op jouw werk??

Wat mij interesseert in de filosofie is de inspanning die het kost om te accepteren niet in te grijpen wanneer iets gebeurt. Accepteren wat gebeurt, het onthouden, het daarna analyseren – ook de mogelijkheden zien als men anders had gewerkt, de verschillen uitgedrukt door hetzelfde materiaal. Ik streef ernaar dit alles te onthouden, het te vergeten, en dan opnieuw te beginnen.

Claude Viallat in zijn atelier

 Claude Viallat - Sans titre n°39, 1985, acryl op cover, 220 x 320 cm, 86 5/8 x 126 in

Over Schilderstijl

Zou dit jouw definitie van schilderen zijn?

Er zit iets van dit in. Ik behoor tot een generatie die nadacht over het einde van het schilderen. In de jaren 1950 hoorden we vaak over het concept van het “laatste schilderij”. Kortom, het was nodig een andere manier te bedenken van

Naar mijn mening is anders schilderen een kwestie van mijn beroep in vraag stellen. Waar bestaat het uit? Doeken nemen, ze op frames plaatsen, erop plakken, ze aankleden en dan een reeks kleuren toevoegen om de juiste tonen te vinden. Ik heb geprobeerd een rauw doek over een frame te spannen en te werken met kleuren gemaakt van hete gelatine met universele kleurstoffen. Ik heb ook houtkleuring gebruikt, geprobeerd pigmenten te verdunnen met water, alcohol; ik heb vluchtige kleurstoffen gebruikt die geen zekerheid bieden, of acrylverf.

De eerste monochromen toonden nog steeds een verlangen om doek over een frame te spannen. Maar als het spannen van doek over een frame een schilderij maakte, dan was het nodig om dit mechanisme te ontmantelen door het frame aan de ene kant te leggen, het doek aan de andere kant, waarbij de spanning tussen deze twee elementen een nieuw soort schilderij creëert.

We vonden dit bij Supports/Surfaces. Dezeuze werkte aan het frame zonder doek; Saytour stelde rasters voor op ruwe doeken, dat wil zeggen, hij plaatste het beeld van het frame op het doek; en ik werkte op doek zonder frames, vandaar de deconstructie van het schilderij.

Terugkijkend, hoe zie je deze deconstructie van schilderkunst als medium?

Het was noodzakelijk. Jonge Amerikanen vragen zich nog steeds af over de deconstructie van schilderkunst maar brengen het frame altijd weer op de voorgrond. Het is alsof het verwijderen van het canvas van het frame tegen de kunstgeschiedenis ingaat. Voor mij is het een parallelle geschiedenis die de schilderkunst heeft bevrijd, althans in één richting. Als we naar het internationale toneel kijken, zijn kunstenaars die op ongespannen canvas werken zeldzaam. Amerikanen hebben moeite om van het frame af te komen.

Je werk sluit aan bij het idee, geopperd door Matisse, om aandacht te besteden aan de schilderkunst’s basale object.

Toen Matisse schilderde, verscheen soms het wit van het canvas op de schildering — wat traditioneel als een ketterij werd beschouwd. In mijn werk wordt de stof zelf de mediane Support/Surface, en tegelijkertijd de gemiddelde kleur, met andere woorden, de standaard volgens welke de kleurverdeling wordt georganiseerd, het materiaal ervan. Alles reageert in relatie tot deze standaard. Afhankelijk van de kwaliteit van deze mediane Support/Surface verkrijgen we dingen die een relatie ermee vormen.

Hoe positioneer je jezelf ten opzichte van abstractie?

Mijn schilderkunst is niet zozeer een kwestie van abstractie of figuratie als een systeem dat bestaat uit herhaling van dezelfde vorm. Als ik vormen verander maar niet het systeem, verander ik niets. Ik word me bewust van de vrijheid die ik heb door te volharden in dezelfde vormen en door het paradox van de dagelijkse routine te voelen die wordt belichaamd door de terugkeer van dezelfde vorm. Elke dag construeer ik oneindig verschillende doeken, en dit geeft mij een uiterst brede vrijheid.

Over het algemeen kies ik mijn stoffen niet, mensen brengen ze naar mij toe. Ik probeer te werken met onwaarschijnlijke materialen. Het is vooral het materiaal en de kwaliteit ervan die het grootste deel van mijn werk uitmaken.

Je reisde in de jaren 70 naar de Verenigde Staten en je werd geraakt door Amerindian kunst.

Wat voedt mijn werk? De geschiedenis van de Westerse schilderkunst, natuurlijk, maar ook de geschiedenis van alle schilderkunst: Oosters, Verre Oosten, Australisch, Amerikaans — en met Amerikaans bedoel ik “inheems”. Alle Indiase etniciteiten die op tenten of schilden hebben geschilderd, inspireren mij. Schildschilderingen werden meestal op ronde Supports/Surfaces gemaakt en geladen met totemdieren en de vruchten van heldendaden—vossen- of wolvenstaarten, scalpen…. Kortom, alles wat het verhaal van de krijger vertelt. Het Indiase schild is niet alleen defensief, het is ook een symbolisch beeld van de krijger. Het schild is rond, meestal gemaakt van een wilgentak die in een hoepel is gebogen en gebonden. Met andere woorden, de primaire cirkel. Dit is het primaire beeld van het ronde frame; net zoals de boog het meest extreme beeld is van het canvas gespannen op een frame — een snaar gespannen op hout. Deze twee objecten zijn fundamenteel.

Evenzo was de prehistorie het tijdperk van de eerste picturale voorstellingen. En wat was de eerste picturale voorstelling? Een menselijke afdruk; met andere woorden, iemand gleed uit, viel in de modder, en drukte toen zijn hand op de wand van een grot. De handeling van uitglijden en het onderdompelen van een hand in modder resulteerde in een geladen hand die zich vervolgens op de wand ontlaadde… Terwijl de modder opdroogde, ontstond het beeld van de hand: dit was het eerste portret. De Ander werd voorgesteld door een deel van zichzelf, een spoor, een afdruk. Na dit eerste beeld werd de voorstelling complexer doordat de mens een tegenbeeld van zijn hand creëerde door verf uit zijn mond over de hand te spuwen. De rechterhand was een omgekeerde linkerhand. De handeling van spuwen over de hand verbreedde en vernauwde tegelijkertijd het perspectief. Al op dat moment lagen er oneindige mogelijkheden ten grondslag aan de voorstelling.

Je werk lijkt gerelateerd aan reflectie over essentie, over oorsprong.

Dat is wat ik probeer te doen. De cirkel, de ring, het schild en de boog zijn primaire elementen. In de geschiedenis is er kennis over een bepaald aantal gebaren of systemen die zowel elementair als primair zijn. Bijvoorbeeld de wig die dingen optilt of blokkeert, om te voorkomen dat iets rolt. De loodlijn is een touw en een steen, tegelijkertijd is het een bullroarer — een muziekinstrument —, een manier om iets te wegen, om de verticale te bepalen. Al deze elementen zitten in dit touw en deze steen. Er is ook de wurggreep of de hefboomweegschaal... Dit zijn universele, primaire systemen. Wat mij interesseert, namelijk in beeldhouwkunst, is hergebruik of het bevragen van al deze eenvoudige, universele systemen.

Vormen jouw sculpturen een universele grammatica?

Het zijn objecten die precair zijn, niet vastzitten, die in hun precariteit worden gelaten en geen zekerheid bieden. Maar de kunstgeschiedenis is ook de geschiedenis van de kunstmarkt, en dit zijn geen kenmerken die traditioneel door de markt worden gewaardeerd. Ze bieden geen zekerheid.

De studio van Claude Viallat

 

Claude Viallat studio

Over de kunstmarkt en Supports/Surfaces

Doordat je zo productief bent, gaat je werk tegen de markt in. Wat is jouw relatie met de markt?

Al mijn werk heeft als doel kunst te demythologiseren. Sommige elementen kenmerken traditioneel de markt, zoals de handtekening van de kunstenaar of zeldzaamheid. Ik ga daar tegenin. Mijn werk is productief en ik hecht evenveel belang aan een geschilderde draad als aan een geschilderd doek. Alle schilderelementen vormen samen schilderkunst. Een draad van een schilderij is een schilderij met dezelfde waarde als het doek. Ik kan een doek signeren maar niet een draad, dus waarom zou ik het doek signeren als ik de draad niet kan signeren?

Dan is er de status van mooie materialen, een mooi beroep, evenals de zekerheid van materialen en de sacralisatie van het doek. Al mijn werk gaat hier ook tegenin. Ik heb plezier in het werken en ik zie niet in waarom ik mezelf dat plezier zou moeten ontzeggen — en vooral in naam van wat. Misschien lijden mijn doeken eronder, maar ik niet. De rest is een zaak voor de handelaar, dat gaat mij niet aan.

Misschien ben ik pretentieus. Ik maak nooit fouten omdat ik niets nastreef. Ik creëer, en ik accepteer wat ik creëer. Voor mij hebben alle doeken dezelfde waarde.

Heeft u alle intenties om controle te hebben opgegeven?

Het moeilijkste is accepteren dat we niet beheersen wat we van dag tot dag doen. Het is een vorm van zelfbeheersing om te accepteren dat je niet beheerst wat je doet. De beste manier om mijn werk te veranderen is niet weten wat ik ga doen, mezelf dwingen te ontdekken, analyseren wat ik net heb gedaan en voorspellen wat ik zou kunnen doen. Voor mij betekent dit bewust blijven van alle mogelijkheden die ik heb overwogen en ze dan niet nodig hebben omdat het werk zijn resultaat uit zichzelf geeft.

Supports/Surfaces is in de Verenigde Staten herontdekt. Hoe voelt u zich daarbij?

Dat het werk van Supports/Surfaces in de Verenigde Staten is aangekomen en dat Amerikaanse schilders dezelfde vragen stellen als wij destijds — maar op hun eigen manier — lijkt mij volkomen normaal.

Zo werkt het. Begin jaren 70 toonde ik een net op de Parijse Biënnale. Het gebeurde dat een Amerikaanse schilder en een Japanse schilder hetzelfde deden, tegelijkertijd, ook al kenden we elkaar niet. Via hun eigen culturen kwamen ze tot dit beeld op basis van verschillende logica’s. Ik vind dat fascinerend.

Maar als schilderen verandert, raakt dit niet primair het beeld — kunstenaars zien alleen het beeld, dit is de blinde vlek van ons tijdperk. Wijziging van het beeld betreft het schilderen niet omdat het schilderen zelf interessant is. De fundamentele vraag is: "Wat is schilderen?"

Uitgelichte afbeelding: Claude Viallat in zijn atelier

Art Media Agency (AMA) nam deel aan het uitvoeren van dit interview. AMA is een internationaal persbureau, gericht op de kunstmarkt. AMA produceert elke week meer dan 300 artikelen, die alle aspecten van de kunstwereld behandelen, waaronder galeries, veilinghuizen, beurzen, stichtingen, musea, kunstenaars, verzekeringen, verzending en cultuurbeleid.

Afbeeldingen uit het Claude Viallat atelier ©IdeelArt