Interview met Claude Viallat

De Franse kunstgeschiedenis van de tweede helft van de 20e eeuw zou onvolledig zijn zonder een belangrijke figuur in de Franse en internationale kunstscene te vermelden – Claude Viallat. Deze opmerkelijke maker is een van de grootste Franse abstracte kunstenaars van de afgelopen decennia. Hoewel er periodes waren waarin hij experimenteerde met verschillende stijlen en benaderingen, bleef Claude Viallat trouw aan zijn eigen visuele taal, waarbij hij vaak de conventionele regels en traditionele schildertechnieken overtrad. Viallat wordt in het bijzonder geprezen om zijn beroemde methode waarbij een enkele vorm op het doek wordt bevestigd zonder enige stretchers. Voor de aanstaande solo-expositie van Claude Viallat in Galerie Daniel Templon in Parijs, had IdeelArt, in samenwerking met Art Media Agency, de gelegenheid om een middag door te brengen in de studio van de kunstenaar in Nîmes, Frankrijk, waar hij woont en werkt, en een exclusief interview te krijgen.

Claude Viallat - Essentie en Negatie

Wat opvalt in Viallat's carrière is het feit dat hij altijd trouw is gebleven aan zijn eigen regels en normen, ongeacht hoe anderen deze waarnamen. Vroeg in zijn carrière was Viallat lid van de Supports/Surfaces-beweging, waar hij samen met andere kunstenaars zich richtte op materialen en creatieve gebaren, waarbij het onderwerp zelf op de achtergrond kwam. Zijn experimenten met kleur en textuur leidden tot de creatie van een aantal werken waarvoor hij het meest bekend is. Daarnaast schilderde Viallat op verschillende oppervlakken, waaronder gerecyclede materialen, paraplu's, verschillende stoffen, geweven of geknoopte touwen. Claude Viallat, de grote figuur van de hedendaagse abstracte kunst, is nog steeds actief, met een carrière die 50 jaar beslaat. De Parijse Galerie Templon organiseert een tentoonstelling die een nieuw historisch perspectief biedt op werken van deze belangrijke Franse kunstenaar. De tentoonstelling opent op 4 juni en is te zien tot 23 juli 2016.

Je werk speelt een grote rol in het paar herhaling-verschil. Herhaling van gebaren, procedures; verschil in materialen, kleuren…

Ik zou zeggen dat mijn werk vooral gaat over de alledaagse aard van dingen. We zijn allemaal mensen die voortdurend dezelfde gebaren herhalen en we krijgen altijd verschillende situaties uit deze gebaren. Elke dag is een herhaling van hetzelfde dat resulteert in verschillende dingen.

Dit is het principe achter mijn werk: als je elke dag dezelfde gebaren maakt op vergelijkbare materialen en nog meer op verschillende materialen, zul je heel verschillende resultaten verkrijgen. Ik probeer niet iets nieuws uit te vinden: ik laat dingen komen op een manier dat nieuwheid zichzelf uitvindt.

Elke dag leef ik, dien ik, verzamel ik, reflecteer ik, red ik dingen, indrukken, gevoelens, visies. Ik laat al deze dingen mij voeden. Terwijl ik werk aan doeken die niet gecoat of geplakt zijn, zijn materialen significant. Afhankelijk van de vetheid van een kleur, zal het materiaal er anders op reageren: het kan het absorberen, ertegen weerstand bieden, het laten staan zonder het in te laten trekken, of anderzijds, het inlaten trekken en diffuus maken. Ik verken de manier waarop materialen, stoffen die fluweel, zeildoek, lakens kunnen zijn, een geheel ander effect creëren bij het omgaan met kleur.

Jij’wordt vaak beschreven als een geweldige kleurist.

Ik accepteer de manier waarop kleur zich toont, dat is alles. Een schilder zoekt naar tonen op een manier om ze te matchen. Ik plaats tonen op een stof, een materiaal, en ik accepteer de

Door deze noties van acceptatie, berusting, herhaling van gebaar, kunnen we enkele parallellen trekken met Aziatische filosofieën. Is dit een invloed voor jouw werk??

Wat mij in de filosofie interesseert, is de inspanning die nodig is om te accepteren niet in te grijpen wanneer er iets gebeurt. Accepteren wat er gebeurt, het onthouden, het daarna analyseren – ook de mogelijkheden zien als men anders had gewerkt, de verschillen die door hetzelfde materiaal worden uitgedrukt. Ik streef ernaar dit alles uit mijn hoofd te leren, het te vergeten en dan opnieuw te beginnen.

Claude Viallat in zijn studio

 Claude Viallat -  Zonder titel n°39, 1985, Acryl op omslag, 220 x 320 cm, 86 5/8 x 126 in

Over Schilderstijl

Zou dit jouw definitie van schilderen zijn?

Hier zit iets van dit in. Ik behoor tot een generatie die nadacht over het einde van de schilderkunst. In de jaren vijftig hoorden we vaak over het concept van de "laatste schilderij". Kortom, het was nodig om een andere manier van te inventariseren.

Naar mijn mening is anders schilderen een kwestie van mijn beroep in twijfel trekken. Waaruit bestaat het? Doeken nemen, ze op frames zetten, ze plakken, aankleden en dan een scala aan kleuren toevoegen om de juiste tinten te vinden. Ik heb geprobeerd een rauw doek over een frame te spannen en te werken met kleuren gemaakt van warme gelatine met universele kleurstoffen. Ik heb ook houtkleurstoffen gebruikt, geprobeerd pigmenten te verdunnen met water, alcohol; ik heb vluchtige kleurstoffen gebruikt die geen zekerheid bieden, of acrylverf.

De eerste monochromen toonden nog steeds de wens om canvas over een frame te spannen. Maar als het spannen van canvas over een frame een schilderij maakte, dan was het noodzakelijk om dit mechanisme te ontmantelen door het frame aan de kant te zetten, het canvas aan de andere kant, met de spanning tussen deze twee elementen die een nieuw type schilderij creëerde.

'We vonden dit met Supports/Surfaces. Dezeuze werkte aan het frame zonder een doek; Saytour vertegenwoordigde raster op ruwe doeken, dat wil zeggen, hij plaatste het beeld van het frame op het doek; en ik werkte op doek zonder frames, vandaar de deconstructie van de schilderij.'

Terugkijkend, hoe zie je deze deconstructie van schilderkunst als medium?

Het was noodzakelijk. Jonge Amerikanen vragen zich nog steeds af over de deconstructie van schilderkunst, maar brengen altijd het frame weer naar de voorgrond. Het is alsof het van het frame afhalen van het doek indruist tegen de kunstgeschiedenis. Voor mij is het een parallelle geschiedenis die de schilderkunst heeft bevrijd, althans in één richting. Als we naar de internationale scène kijken, zijn kunstenaars die werken met ongespannen doeken zeldzaam. Amerikanen hebben moeite om van het frame af te komen.

Jouw werk sluit aan bij het idee, dat door Matisse is geopperd, om interesse te tonen in de schilderkunst.’het basisobject.

"Wanneer Matisse schilderde, verscheen soms het wit van het doek op het schilderij - wat traditioneel als een ketterij werd beschouwd. In mijn werk wordt de stof zelf de mediane ondersteuning, en tegelijkertijd de gemiddelde kleur, met andere woorden, de standaard volgens welke de kleurverdeling is georganiseerd, zijn materiaal. Alles reageert in relatie tot deze standaard. Afhankelijk van de kwaliteit van deze mediane ondersteuning, verkrijgen we dingen die een relatie met het vormen."

Hoe positioneer je jezelf ten opzichte van abstractie?

Mijn schilderij is niet zozeer een kwestie van abstractie of figuration, maar een systeem dat bestaat uit herhaling van dezelfde vorm. Als ik vormen verander maar niet de systemen, dan verander ik niets. Ik word me bewust van de vrijheid die ik heb door vast te houden aan dezelfde vormen en door de paradox van de dagelijkse routine te voelen die belichaamd wordt door de herhaling van dezelfde vorm. Elke dag constructeer ik oneindig verschillende doeken, en dit geeft me een extreem brede vrijheid.

In het algemeen kies ik mijn stoffen niet, mensen brengen ze naar me toe. Ik probeer te werken met onwaarschijnlijke materialen. Het is vooral het materiaal en de kwaliteit ervan die de kern van mijn werk vormen.

Je reisde in de jaren 70 naar de Verenigde Staten en je was geraakt door de Amerindische kunst.

Wat voedt mijn werk? De geschiedenis van de westerse schilderkunst, natuurlijk, maar ook de geschiedenis van alle schilderkunst: oosterse, verre oosterse, Australische, Amerikaanse - en met Amerikaans bedoel ik "inheems". Alle Indiase etniciteiten die op tenten of schilden hebben geschilderd inspireren me. Schildschilderkunst werd meestal gedaan op ronde ondergronden, en volgeladen met totemdieren en de vruchten van exploits - vossen- of wolvenstaarten, schalpen.... Kortom, alles wat het verhaal van de krijger vertelt. Het Indiase schild is niet alleen defensief, het is ook een symbolisch beeld van de krijger. Het schild is rond, meestal gemaakt van een wilgentak die in een hoepel is gebogen en gebonden. Met andere woorden, de primaire cirkel. Dit is het primaire beeld van het ronde frame; net zoals de boog het meest extreme beeld is van het canvas dat op een frame is gespannen - een snaar gespannen op hout. Deze twee objecten zijn fundamenteel.

Evenzo was de prehistorie het tijdperk van de eerste picturale representaties. En wat was de eerste picturale representatie? Een menselijke afdruk; met andere woorden, iemand gleed uit, viel in de modder, en zette toen zijn hand op de muur van een grot. De daad van uitglijden en het onderdompelen van een hand in de modder resulteerde in een beladen hand die zich vervolgens op de muur ontlaadde… Toen de modder opdroogde, creëerde het de afbeelding van de hand: dit was het eerste portret. De Ander werd vertegenwoordigd door een deel van zichzelf, een spoor, een afdruk. Na dit eerste beeld werd representatie complexer doordat de mens een tegenbeeld van zijn hand creëerde door verf uit zijn mond over de hand te spugen. De rechterhand was een omgedraaide linkerhand. De daad van spugen over de hand verbreedde en versmalde zowel het perspectief. Al waren er oneindige mogelijkheden die aan representatie ten grondslag lagen.

Je werk lijkt te maken te hebben met reflectie op essentie, op oorsprongen.

Dat is wat ik probeer te doen. De cirkel, de hoepel, het schild en de boog zijn primaire elementen. In de geschiedenis is er kennis over een bepaald aantal gebaren of systemen die zowel elementair als primair zijn. Bijvoorbeeld de wig die dingen omhoog tilt of blokkeert, om te voorkomen dat iets rondrolt. De loodlijn is een touw en een steen, tegelijkertijd is het een bullroarer - een muziekinstrument - een manier om iets te wegen, om de verticale te bepalen. Al deze elementen zijn vervat in dit touw en deze steen. Er is ook de garrotte of de weegschaal... Dit zijn universele, primaire systemen. Wat mij interesseert, namelijk in sculptuur, is hergebruik of het in vraag stellen van al deze eenvoudige, universele systemen.

Vormen jouw sculpturen een universele grammatica?

Het zijn objecten die precair, onvast zijn, die in hun precairheid worden achtergelaten en geen zekerheid bieden. Maar de geschiedenis van de kunst is ook de geschiedenis van de kunstmarkt, en dit zijn geen kenmerken die traditioneel door de markt worden gewaardeerd. Ze bieden geen zekerheid.

De Studio van Claude Viallat

 

Claude Viallat studio

Over de Kunstmarkt en Ondersteuningen/Oppervlakken

Zo productief zijn, gaat jouw werk tegen de markt in. Wat is jouw relatie met de markt?

Al mijn werk is erop gericht om kunst te ontdoen van mythes. Sommige elementen kenmerken traditioneel de markt, zoals de handtekening van de kunstenaar of zeldzaamheid. Ik ga daartegenin. Mijn werk is prolifiek en ik hecht evenveel belang aan een geschilderde draad als aan een geschilderd doek. Alle schilderelementen vormen schilderkunst. Een draad van een schilderij is een schilderij in dezelfde zin als het schilderij. Ik kan een doek ondertekenen maar geen draad, dus waarom zou ik het doek ondertekenen als ik de draad niet kan ondertekenen?

Dan is er de status van mooie materialen, een mooi beroep, evenals de veiligheid van materialen en de sacralisatie van het canvas. Al mijn werk gaat hier ook tegenin. Ik heb plezier in werken en ik zie niet in waarom ik mezelf dit plezier zou moeten ontzeggen - en vooral in naam van wat. Misschien lijden mijn doeken eronder, maar ik niet. De rest is een zaak voor de dealer, het gaat mij niet aan.

Misschien ben ik pretentieus. Ik maak nooit fouten omdat ik niets zoek. Ik creëer, en ik accepteer wat ik creëer. Voor mij hebben alle doeken dezelfde belangrijkheid.

Heb je alle intenties om te controleren afgezworen?

Het moeilijkste is te accepteren dat we niet meester zijn over wat we dagelijks doen. Het is een vorm van zelfbeheersing om te accepteren dat we niet meester zijn over wat we doen. De beste manier om mijn werk te veranderen is niet te weten wat ik ga doen, mezelf te dwingen om te ontdekken, te analyseren wat ik net heb gedaan en te voorspellen wat ik zou kunnen doen. Voor mij betekent dit bewust te blijven van alle mogelijkheden die ik heb overwogen en ze dan niet nodig te hebben omdat het werk zijn resultaat vanzelf oplevert.

'Supports/Surfaces is opgegraven in de Verenigde Staten. Wat vind je hiervan?'

Dat het werk van Supports/Surfaces in de Verenigde Staten is aangekomen en dat Amerikaanse schilders dezelfde vragen stellen als wij destijds deden - maar op hun eigen manier - lijkt me volkomen normaal.

Dit is hoe dingen werken. Aan het begin van de jaren 70 toonde ik een net op de Parijse Biënnale. Het gebeurde dat een Amerikaanse schilder en een Japanse schilder hetzelfde deden, op hetzelfde moment, ook al kenden we elkaar niet. Via hun eigen culturen kwamen ze tot dit beeld op basis van verschillende logica's. Ik vind dit fascinerend.

Maar als schilderkunst verandert, heeft dit niet primair invloed op het beeld - kunstenaars zien alleen het beeld, dit is de blinde vlek van onze tijd. Wijziging van het beeld heeft geen betrekking op schilderkunst omdat het de schilderkunst zelf is die interessant is. De basisvraag is: "Wat is schilderkunst?"

Uitgelichte afbeelding: Claude Viallat in zijn studio

Art Media Agency (AMA) heeft deelgenomen aan het afnemen van dit interview. AMA is een internationale nieuwsorganisatie, gericht op de kunstmarkt. AMA produceert meer dan 300 artikelen per week, die alle aspecten van de kunstwereld bestrijken, waaronder galerieën, veilinghuizen, beurzen, stichtingen, musea, kunstenaars, verzekeringen, verzending en cultureel beleid.

Afbeeldingen van Claude Viallat studio ©IdeelArt