Joanne Freeman Interview

Elegante witte doeken versierd met slechts een paar zorgvuldig ontworpen lussen in verschillende kleuren, die een bepaalde ritme van rust en harmonie uitstralen. Het less-is-more principe is duidelijk zichtbaar in het werk van Joanne Freeman. Met slechts een paar effectieve lijnen weet ze een impactvolle visie op te bouwen en de kijker te boeien. IdeelArt had een unieke kans om Joanne Freeman een paar vragen te stellen over haar werk, creatieve proces en leven als kunstenaar. We bespraken haar gedachten over haar werk, hoe ze de relatie tussen de maker en de kunst, en tussen de kunst en de kijker waarneemt. Dus, geniet van ons korte, maar inzichtelijke interview met de zeer charmante Joanne Freeman. 

Je hebt gestudeerd aan een universiteit in Madison, Wisconsin, lesgegeven in Massachusetts, op verschillende plaatsen in de VS en internationaal geëxposeerd, en je woont en werkt in New York City. Kun je praten over de manieren waarop je werk wordt beïnvloed door een gevoel van plaats?

Mijn werk wordt sterk beïnvloed door de plaats. Zoals eerder vermeld, woon en werk ik in New York City, en dat visuele en culturele klimaat heeft een sterke impact op mijn werk. Ik ben altijd verrast wanneer ik vertrek en weer terugkom, door wat ik opmerk. De tijd weg geeft me altijd een vernieuwd perspectief en een frisse blik. Reizen doet hetzelfde, wanneer ik in een andere omgeving ben, sta ik open voor dingen die anderen misschien als alledaags beschouwen door vertrouwdheid. Ik kan veel van de invloeden op het werk vertellen, soms direct terwijl ik het creëer en soms veel later wanneer ik het bekijk.

Hoe wordt jouw werk beïnvloed door jouw eigen lichamelijkheid?

Mijn proces in de studio is fysiek zwaar, vooral naarmate de schaal van de schilderijen toeneemt. De harde lijnen in de schilderijen worden gemaakt door de beweging van mijn arm van de ene rand van het canvas naar de andere. De grootte van zowel de externe ondersteuningen als de interne lijnen is relatief aan zowel het proces als de verhoudingen van mijn lichaam.

Je werkt soms op ronde oppervlakken. Gezien de fysieke aard van de gebaren die je maakt, hoe ontwikkelt je verbinding met het oppervlak zich wanneer je geconfronteerd wordt met een cirkelvormige ruimte?

De gebaren worden meer beheerst en gecontroleerd wanneer ze worden gecombineerd met een cirkelvormige ruimte. Ze zijn meer opzettelijk en draaien om de cirkelvorm van het doek na. Waar ik in de grotere rechthoekige schilderijen grote veegbewegingen uitvoer die van de randen aflopen en oneindigheid suggereren, centreren de cirkelvormige stukken zich op zichzelf, waardoor de vorm en rand van het oppervlak worden benadrukt, wat bijdraagt aan het objectiveren van de schilderij.

"Een deel van het werk dat je maakt, houdt in dat je je toegang tot het oppervlak beperkt door gebieden af te plakken. Hoe varieert je emotionele/intellectuele toestand wanneer je met zo'n werk geconfronteerd wordt, in tegenstelling tot wanneer je volledige vrijheid hebt om het hele oppervlak te benaderen?"

Ik denk dat je verwijst naar mijn werken op papier waar ik gebieden afplak en vormen van kleur creëer, in tegenstelling tot mijn schilderijen, die meer open lijken. Het proces is eigenlijk vrij vergelijkbaar tussen de twee media en is eigenlijk vrij intuïtief. Ik plaats ofwel een lijn of een vorm op het oppervlak en bouw daarop voort. Bij de schilderijen is de compositie meer vast en hebben mijn opties meer te maken met kleurkeuzes. De monochrome kleur die ik in de tekeningen gebruik, stelt me in staat om meer te spelen met compositie. Hoe dan ook, ik heb de taal vereenvoudigd, grenzen gesteld en mijn keuzes beperkt, wat paradoxaal genoeg voor meer vrijheid zorgt.

"Je hebt genoemd dat je beïnvloed bent door het werk van reductieve kunstenaars. Kun je een paar van de kunstenaars noemen wiens werk je bewondert, en praten over de vragen die ze je hebben geholpen te vinden of te beantwoorden."

Ik kijk naar het werk van veel kunstenaars, enkele die in me opkomen zijn: Paul Feeley, Morris Louis, Kenneth Noland, Mary Heilmann, Carla Accardi en Ellsworth Kelly. Ik bewonder het werk van kunstenaars wiens werk minimaal en monumentaal lijkt, maar tegelijkertijd het handgemaakte en speelse viert. Het is een beetje een Catch-22, het proces van reductieve schilderkunst, omdat je veel werk en overkill moet doorlopen om tot een eenvoudige eerlijke uitspraak te komen. Ik vraag me af wat mijn reacties zijn op het werk van mijn voorgangers, en probeer het vertrouwen te vinden om meer te zeggen met minder.

Wat ervaar je intellectueel tijdens de fysieke handeling van reductieve beeldvorming?

Ik probeer reflexief te handelen in de studio door kritische beoordelingen te beheersen en te proberen oordelen viscerally te maken, gebaseerd op de informatie die voor me ligt. De canonisatie van kunstenaars en de krachtige invloeden van de kunstgeschiedenis kunnen leiden tot een situatie die aan mij is beschreven als het Mona Lisa-syndroom, waarbij de mythologie van een werk een eerlijke reactie erop overschaduwt. Ik heb een reductieve visuele taal geïnternaliseerd die voor mij werkt op basis van zijn kunsthistorische precedenten; Russische Constructivisme, De Bauhaus School, Neo-Plasticisme, en minder voor de hand liggend, de vroege christelijke kunst van Giotto en Fra Angelico, in het Convent van San Marco. Deze leerstellingen, samen met de invloeden van meer hedendaagse kunstenaars, zijn altijd bij me in de studio. Hopelijk leidt deze geleerde gemeenschappelijke taal tot een unieke interpretatie.

Wat hoop je dat de kijker zal ervaren wanneer hij jouw werk tegenkomt?

Vreemd genoeg, omdat ik zo betrokken ben bij het proces van het creëren van mijn werk, kan ik moeite hebben om het op dat moment echt te zien. Ik heb de ervaring gehad om mijn werk een paar jaar later in iemands huis of in de context van een andere instelling te zien. Op dat moment is het altijd fijn om te denken: "oh wauw, dat werkt". Ik hoop hetzelfde voor een kijker.

Joanne Freeman

Uitgelichte afbeelding: Foto genomen van Joanne Freeman's ''Covers'' serie op Art on Paper, Kathryn Markel booth, Pier 36, New York, NY. 4-6 maart - Met dank aan de kunstenaar.