Joanne Freeman Interview

Elegante witte doeken versierd met slechts enkele zorgvuldig ontworpen lussen in verschillende kleuren, die een zekere ritme van rust en harmonie uitstralen. Het minder is meer-principe is duidelijk zichtbaar in de werken van Joanne Freeman. Met slechts een paar doeltreffende lijnen slaagt zij erin een krachtige visie op te bouwen en de kijker te boeien. IdeelArt had een unieke kans om Joanne Freeman een paar vragen te stellen over haar werk, creatieve proces en leven als kunstenaar. We bespraken haar gedachten over haar werk, hoe zij de relatie tussen de maker en de kunst, en tussen de kunst en de kijker ervaart. Geniet dus van ons korte, maar inzichtelijke interview met de zeer charmante Joanne Freeman.

Je hebt gestudeerd in Madison, Wisconsin, colleges gegeven in Massachusetts, breed geëxposeerd in de VS en internationaal, en je woont en werkt in New York City. Kun je vertellen op welke manieren je werk wordt beïnvloed door een gevoel van plaats?

Mijn werk wordt sterk beïnvloed door de plaats. Zoals gezegd, ik woon en werk in New York City, en dat visuele en culturele klimaat heeft een grote invloed op mijn werk. Ik ben altijd verrast als ik vertrek en terugkom, door wat ik opmerk. De tijd weg geeft me altijd een vernieuwd perspectief en een frisse blik. Reizen doet hetzelfde; in een andere omgeving sta ik open voor dingen die anderen misschien alledaags vinden door vertrouwdheid. Ik kan veel invloeden op het werk benoemen, soms direct tijdens het maken en soms pas later bij het bekijken ervan.

Hoe wordt je werk beïnvloed door je eigen lichamelijkheid?

Mijn proces in het atelier is lichamelijk inspannend, vooral naarmate de afmetingen van de schilderijen toenemen. De scherpe lijnen in de schilderijen worden gemaakt door de zwaai van mijn arm van de ene naar de andere kant van het doek. De grootte van zowel de buitenste steunpunten als de binnenste lijnen is gerelateerd aan zowel het proces als de verhoudingen van mijn lichaam.

Je werkt soms op ronde oppervlakken. Gezien de fysieke aard van de gebaren die je maakt, hoe ontwikkelt je verbinding met het oppervlak zich wanneer je geconfronteerd wordt met een cirkelvormige ruimte?

De gebaren worden meer ingehouden en gecontroleerd wanneer ze samengaan met een cirkelvormige ruimte. Ze zijn bewuster draaiend en imiteren de ronde vorm van het doek. Waar ik bij de grotere rechthoekige schilderijen grote zwaaien maak die over de randen heen lopen en oneindigheid suggereren, richten de ronde stukken zich op zichzelf, waarbij de vorm en rand van het oppervlak worden benadrukt, wat bijdraagt aan het objectiveren van het schilderij.

Een deel van het werk dat je maakt bestaat uit het beperken van je toegang tot het oppervlak door delen af te plakken. Hoe varieert je emotionele/intellectuele toestand wanneer je geconfronteerd wordt met zo’n werk, in vergelijking met wanneer je volledige vrijheid hebt om het hele oppervlak te benaderen?

Ik denk dat je verwijst naar mijn werken op papier waarbij ik delen afplak en kleurvlakken creëer, in tegenstelling tot mijn schilderijen, die meer open lijken. Het proces is eigenlijk vrij gelijk tussen de twee media en is behoorlijk intuïtief. Ik plaats een lijn of vorm op het oppervlak en bouw daar verder op. Bij de schilderijen is de compositie meer vastgelegd en hebben mijn keuzes meer te maken met kleur. De monochrome kleur die ik in de tekeningen gebruik, stelt me in staat meer met compositie te spelen. Hoe dan ook, ik heb de taal teruggebracht, grenzen gesteld en mijn keuzes beperkt, wat paradoxaal genoeg meer vrijheid geeft.

Je hebt genoemd dat je beïnvloed bent door het werk van reductieve kunstenaars. Kun je een paar kunstenaars noemen wiens werk je bewondert, en vertellen over de vragen die zij je hebben geholpen te vinden of te beantwoorden?

Ik bekijk veel werk van kunstenaars, enkele die bij me opkomen zijn: Paul Feeley, Morris Louis, Kenneth Noland, Mary Heilmann, Carla Accardi en Ellsworth Kelly. Ik bewonder het werk van kunstenaars waarvan het werk minimalistisch en monumentaal lijkt, maar tegelijkertijd het handgemaakte en speelse viert. Het is een beetje een paradox, het proces van reductief schilderen, omdat je veel werk en overdaad moet doorlopen om tot een eenvoudige, eerlijke uitdrukking te komen. Ik bevraag mijn reacties op het werk van mijn voorgangers en probeer het vertrouwen te vinden om meer te zeggen met minder.

Wat ervaar je intellectueel tijdens de fysieke handeling van reductief beeldmaken?

Ik probeer reflexief te handelen in het atelier door kritische beoordelingen te beheersen en te proberen oordelen te vellen op een instinctieve manier, gebaseerd op de informatie die voor me ligt. De canonisering van kunstenaars en de krachtige invloeden van de kunstgeschiedenis kunnen leiden tot een situatie die mij is beschreven als het Mona Lisa-syndroom, waarbij de mythologie van een werk een eerlijke reactie erop overschaduwt. Ik heb een reductieve beeldtaal geïnternaliseerd die voor mij werkt op basis van haar kunsthistorische voorgangers; Russisch Constructivisme, De Bauhausschool, Neo-Plasticisme, en minder voor de hand liggend, de vroege christelijke kunst van Giotto en Fra Angelico, in het klooster van San Marco. Deze leerstellingen, samen met de invloeden van meer hedendaagse kunstenaars, zijn altijd bij me in het atelier. Hopelijk leidt deze geleerde gemeenschappelijke taal tot een unieke interpretatie.

Wat hoop je dat de kijker zal ervaren bij het ontmoeten van je werk?

Vreemd genoeg, omdat ik zo betrokken ben bij het proces van het maken van mijn werk, kan ik het moeilijk vinden het op het moment zelf echt te zien. Ik heb de ervaring gehad mijn werk jaren later te zien in iemands huis of in de context van een andere instelling. Op dat moment is het altijd fijn om te denken: “oh wauw, dat werkt”. Ik hoop hetzelfde voor een kijker.

Joanne Freeman

Afbeelding in de spotlight: Foto genomen van Joanne Freeman's ''Covers'' serie bij Art on Paper, Kathryn Markel stand, Pier 36, New York, NY. 4-6 maart - Met dank aan de kunstenaar