De Inhoud en Emotie in de Kunst van Grace Hartigan

Grace Hartigan (1922 – 2008) is niet goed behandeld door de zelfbenoemde schrijvers van de kunstgeschiedenis. Gedurende haar carrière werd ze verkeerd begrepen en verkeerd bestempeld, uitgesloten van de stroming waar ze van hield en ondergebracht bij een die ze verafschuwde. Ondanks dat alles, of misschien juist daardoor, is Hartigan een prachtig voorbeeld—een kunstenaar die trouw bleef aan haar persoonlijke visie in plaats van zich aan te passen aan de trends en verwachtingen van de bredere cultuur. Beschouwd als een “Tweede Generatie Abstract Expressionist,” werd Hartigan onlangs vereeuwigd in het boek 9th Street Women, van Mary Gabriel, dat het verhaal vertelt van vijf vrouwen—Hartigan, Lee Krasner, Elaine de Kooning, Joan Mitchell en Helen Frankenthaler—die in de jaren 1950 het middelpunt vormden van de New York School. Elk van deze vijf vrouwen ontwikkelde een eigen visuele taal die aanzienlijk bijdroeg aan de ontwikkeling en afbakening van het Abstract Expressionisme. Toch was Hartigan, zelfs onder deze pioniers, uniek. Vroeg in haar carrière werden haar puur abstracte schilderijen als buitengewoon erkend door museumconservatoren zoals Alfred Barr en Dorothy Miller, die Hartigan opnamen in verschillende grote tentoonstellingen. Toch begon Hartigan het gevoel te krijgen dat er iets ontbrak in haar abstracte composities. Rond de tijd dat haar carrière op gang kwam en de beroemde kunstcriticus Clement Greenberg haar aanprees als een van de meest getalenteerde abstracte kunstenaars in Amerika, week Hartigan heel licht af van pure abstractie. Ze begon studies te maken van werken van Oude Meesters en voegde figuratieve elementen uit het hedendaagse leven toe aan haar abstracte composities. Voor Hartigan vertegenwoordigde de vermenging van figuur en abstractie een meer perfecte mengeling van inhoud en emotie. “Ik heb mijn onderwerp gevonden,” verklaarde ze, “het gaat over dat wat vulgair en vitaal is in het Amerikaanse moderne leven, en de mogelijkheden van de overstijging daarvan naar het schone.” Wat voor Hartigan een doorbraak was, was echter een teleurstelling voor Greenberg en de anderen die haar abstracte werk ooit hadden geprezen, en zij trokken onmiddellijk hun steun in. Hartigan bleef echter vasthouden aan de primairheid van haar eigen visie. Daarbij verbrak ze mogelijk haar relatie met roem, beroemdheid en patriarchale kunstgeschiedenis; maar ze bewees dat waarheid en schoonheid te vinden zijn in verzet.

De Buitenstaander Binnenin

Geboren in een arm arbeidersgezin in Newark, New Jersey, in 1922, begon Hartigan niet met de bedoeling kunstenaar te worden. Sterker nog, op haar negentiende probeerde ze met haar eerste echtgenoot naar Alaska te vluchten om daar als pioniers te gaan wonen. Zelfs nadat ze een succesvolle kunstenaar was geworden, beweerde ze nooit natuurlijk talent te hebben gehad. “Ik had gewoon genialiteit,” grapte ze. Haar eerste professionele artistieke ervaring kwam tijdens de Tweede Wereldoorlog, toen ze zichzelf ondersteunde als technisch tekenaar terwijl haar eerste echtgenoot in de oorlog vocht. In 1945, nadat ze kennismaakte met het werk van Henri Matisse, raakte ze geïnspireerd om een carrière als beeldend kunstenaar na te streven en verhuisde ze naar de Lower East Side van New York City. Daar werd Hartigan onderdeel van een professioneel en sociaal gezelschap dat pioniers van het Abstract Expressionisme omvatte zoals Mark Rothko, Lee Krasner en Adolph Gottlieb.

Grace Hartigan - Proefdruk voor Untitled uit Folder, Vol. I, Nr. I, 1953. Zeefdruk. Compositie (onregelmatig): 19,1 × 26,8 cm; blad: 22 × 28,7 cm. Proefdruk buiten de oplage van 500. MoMA Collectie. Geschenk van Daisy Aldan. © 2019 Grace Hartigan

De intense, ruwe penseelstreken en biomorfe vormen in haar vroege schilderijen weerspiegelen de interesse die ze deelde met die schilders in zowel abstractie als de surrealistische techniek van automatisch tekenen. Toch paste Hartigan nooit helemaal bij haar tijdgenoten. Esthetisch maakte ze zich zorgen dat ze te veel leende van de ideeën van anderen. Economisch moest ze doeken verzamelen die door andere kunstenaars waren weggegooid en spandraden maken van resthout. Sociaal voelde Hartigan zich een buitenstaander die werkte tussen voornamelijk mannelijke kunstenaars. Ze signeerde veel van haar vroege schilderijen met de naam George Hartigan—een knipoog naar vrouwelijke schrijvers uit de 19e eeuw Mary Ann Evans, die de schrijversnaam George Eliot gebruikte, en Amantine Lucile Aurore Dupin, die de schrijversnaam George Sand hanteerde, wat weerspiegelde dat ze zich niet helemaal geaccepteerd voelde door de door mannen gedomineerde New York School.

Grace Hartigan - Voorbereidende tekening voor Ter nagedachtenis aan mijn gevoelens, 1967. Inkt op acetate. 35,4 x 28 cm. MoMA Collectie. Geschenk van de kunstenaar. © 2019 Grace Hartigan

Een Geïsoleerd Licht

Misschien hielp haar gevoel van zichzelf als buitenstaander Hartigan om de critici te negeren toen zij haar afwezen omdat ze persoonlijke verhalende inhoud in haar schilderijen bracht. Maar er is geen twijfel dat hun misverstand over haar ontwikkeling Hartigan deed lijden. Ze beschreef haar rijpe werk ooit als “emotionele pijn herinnerd in kalmte.” Uiteindelijk wees ze New York af en verhuisde naar Baltimore, waar ze vier decennia lang leiding gaf aan de Hoffberger School of Painting, de afstudeerafdeling van het Maryland Institute College of Art—een opleiding die voor haar was opgericht en rond haar lessen was opgebouwd. Terugkijkend lijkt het absurd dat critici dachten dat het toevoegen van figuratieve verwijzingen in haar werk Hartigan uitsloot van de erfenis van het Abstract Expressionisme. De energie, intuïtie en tastbare materialiteit die zo essentieel zijn voor die stroming, bleven altijd duidelijk aanwezig in haar werk. Het was ook niet zo dat ze abstractie volledig losliet; ze raakte er gewoon van overtuigd dat haar puur abstracte schilderijen iets misten als ze geen herkenbare verwijzing naar haar echte leven bevatten.

Grace Hartigan - Het Perzisch Jasje, 1952. Olie op doek. 146 x 121,9 cm. MoMA Collectie. Geschenk van George Poindexter. © 2019 Grace Hartigan

De grootste belediging voor Hartigan kwam laat in haar leven, toen een hele nieuwe generatie zelfbenoemde kunsthistorici haar omarming van figuurkunst twijfelachtig herinterpreteerde als een mijlpaal op weg naar de Pop Art, alsof zij op de een of andere manier de opkomst van die stroming had geïnspireerd. Hartigan verafschuwde deze associatie; voor haar stond Pop Art alleen voor de verering van uiterlijkheden, terwijl haar werk ging over het overbrengen van de onderliggende waarheid en emotie achter het leven. Het zou veel nauwkeuriger zijn om Hartigan een pionier te noemen in het Neo-Expressionisme, met zijn ruwe, schilderachtige houding; of Feministische Kunst, gezien het gezaghebbende zelfvertrouwen waarmee ze het patriarchale vrouwenhaat in de kunstwereld trotseerde. Toch denk ik dat de beste manier om haar nalatenschap te herinneren is om haar helemaal geen etiketten op te plakken. Hartigan was uniek. Haar voorbeeld bewijst dat de beste manier om een inclusieve, vooruitstrevende, creatieve kunstwereld te bevorderen niet is om vast te houden aan stromingen, maar om experimenten te omarmen en esthetische afwijking te verwelkomen.

Afbeelding in de spotlight: Grace Hartigan - Untitled uit Folder vol. I, nr. I, 1953. Zeefdruk uit een tijdschrift met drie zeefdrukken. Compositie (onregelmatig): 17,9 x 25,5 cm; blad: 18,9 x 26,5 cm. Oplage 500. MoMA Collectie. © 2019 Grace Hartigan
Alle afbeeldingen uitsluitend ter illustratie gebruikt
Door Phillip Barcio