De Inhoud en Emotie in de Kunst van Grace Hartigan

Grace Hartigan (1922 – 2008) is niet goed behandeld door de zelfbenoemde schrijvers van de kunstgeschiedenis. Gedurende haar carrière werd ze verkeerd begrepen en verkeerd gelabeld, uitgesloten van de beweging waar ze van hield en samengevoegd met een beweging die ze verafschuwde. Ondanks dat alles, of misschien juist daardoor, is Hartigan een geweldig rolmodel—een kunstenaar die trouw bleef aan haar persoonlijke visie in plaats van zich aan te passen aan de trends en verwachtingen van de bredere cultuur. Beschouwd als een "Tweede Generatie Abstract Expressionist," werd Hartigan recentelijk vereeuwigd in het boek 9th Street Women, door Mary Gabriel, dat het verhaal vertelt van vijf vrouwen—Hartigan, Lee Krasner, Elaine de Kooning, Joan Mitchell, en Helen Frankenthaler—die in de jaren vijftig centraal stonden in de New York School. Elke van deze vijf vrouwen ontwikkelde een onderscheidende visuele taal die aanzienlijk bijdroeg aan de ontwikkeling en afbakening van Abstract Expressionisme. Toch was Hartigan, zelfs onder deze pioniers, uniek. Vroeg in haar carrière werden haar puur abstracte schilderijen erkend als buitengewoon door museumcuratoren zoals Alfred Barr en Dorothy Miller, die Hartigan opnamen in verschillende belangrijke tentoonstellingen. Hartigan begon echter te voelen dat er iets ontbrak in haar abstracte composities. Juist op het moment dat haar carrière van de grond kwam, en de beroemde kunstcriticus Clement Greenberg aan het werk ging om haar te prijzen als een van de meest getalenteerde abstractisten in Amerika, week Hartigan iets af van pure abstractie. Ze begon studies te schilderen van de werken van Oude Meesters en voegde figuratieve elementen uit het hedendaagse leven toe aan haar abstracte composities. Voor Hartigan vertegenwoordigde de mengeling van figuur en abstractie een perfectere mix van inhoud en emotie. "Ik heb mijn onderwerp gevonden," verklaarde ze, "het betreft datgene wat vulgair en vitaal is in het moderne Amerikaanse leven, en de mogelijkheden van zijn transcendentie naar het mooie." Wat een doorbraak was voor Hartigan, was echter een teleurstelling voor Greenberg en de anderen die ooit haar abstracte werk hadden geprezen, en ze gaven onmiddellijk hun steun op. Hartigan bleef echter vasthouden aan de primairheid van haar eigen visie. In het proces heeft ze misschien haar relatie met roem, beroemdheid en patriarchale kunstgeschiedenis verbroken; maar ze bewees dat waarheid en schoonheid te vinden zijn in verzet.

De Buitenstaander Insider

Geboren in een arm, arbeidersgezin in Newark, New Jersey, in 1922, begon Hartigan niet met de bedoeling om een kunstenaar te worden. In feite probeerde ze op 19-jarige leeftijd met haar eerste echtgenoot naar Alaska te vluchten om daar een boerderij te stichten. Zelfs nadat ze een succesvolle kunstenaar was geworden, beweerde ze nooit enige natuurlijke talenten te hebben gehad. "Ik had gewoon genialiteit," grapte ze. Haar eerste professionele artistieke ervaring kwam tijdens de Tweede Wereldoorlog, toen ze zichzelf ondersteunde als mechanisch illustrator terwijl haar eerste echtgenoot in de oorlog vocht. In 1945, nadat ze in aanraking was gekomen met het werk van Henri Matisse, raakte ze geïnspireerd om een carrière als beeldende kunstenaar na te streven en verhuisde ze naar de Lower East Side van New York City. Daar werd Hartigan onderdeel van een professioneel en sociaal netwerk dat Abstract Expressionistische pioniers omvatte zoals Mark Rothko, Lee Krasner, en Adolph Gottlieb.

Grace Hartigan - Proef voor Untitled uit Map, Vol. I, Nr. I, 1953. Zeefdruk. Compositie (onregelmatig): 7 1/2 × 10 9/16" (19,1 × 26,8 cm); blad: 8 11/16 × 11 5/16" (22 × 28,7 cm). Proef buiten de editie van 500. MoMA Collectie. Gift van Daisy Aldan. © 2019 Grace Hartigan

De intense, rauwe penseelstreken en biomorfe vormen in haar vroege schilderijen weerspiegelen de interesse die ze deelde met die schilders in zowel abstractie als de surrealistische techniek van automatisch tekenen. Hartigan paste echter nooit volledig in bij haar tijdgenoten. Esthetisch maakte ze zich zorgen dat ze te veel leende van de ideeën van anderen. Economisch moest ze doeken verzamelen die door andere kunstenaars waren weggegooid en strekbalken bouwen van schroot. Sociaal voelde Hartigan zich een buitenstaander die werkte tussen voornamelijk mannelijke kunstenaars. Ze signeerde veel van haar vroege schilderijen met de naam George Hartigan—een knipoog naar 19e-eeuwse vrouwelijke schrijvers Mary Ann Evans, die onder het pseudoniem George Eliot schreef, en Amantine Lucile Aurore Dupin, die het pseudoniem George Sand gebruikte, wat weerspiegelt dat ze zich niet volledig geaccepteerd voelde door de door mannen gedomineerde New York School.

Grace Hartigan - Voorbereidend tekeningen voor In Memory of My Feelings, 1967. Inkt op acetaat. 13 15/16 x 11" (35,4 x 28 cm). MoMA Collectie. Gift van de kunstenaar. © 2019 Grace Hartigan

Een geïsoleerd licht

Misschien hielp haar gevoel van zichzelf als een buitenstaander Hartigan om de critici te negeren toen ze haar afwezen voor het introduceren van persoonlijke narratieve inhoud in haar schilderijen. Maar er is geen twijfel dat hun misverstand over haar evolutie Hartigan deed lijden. Ze beschreef haar volwassen werk ooit als "emotionele pijn herinnerd in rust." Uiteindelijk wees ze New York in ruil daarvoor af, en verhuisde naar Baltimore waar ze vier decennia lang de Hoffberger School of Painting leidde, de graduate afdeling van het Maryland Institute College of Art—een programma dat voor haar werd opgericht en gebouwd rond haar lessen. Terugkijkend lijkt het absurd dat critici zouden denken dat de toevoeging van figuratieve verwijzingen in haar werk Hartigan uitsloot van de erfenis van het Abstract Expressionisme. De energie, intuïtie en viscerale materialiteit die zo essentieel zijn voor die beweging, bleven altijd evident in haar werk. Het was ook niet zo dat ze abstractie volledig verliet; ze raakte gewoon overtuigd dat haar puur abstracte schilderijen iets misten als ze geen enkele herkenbare verwijzing naar haar echte leven bevatten.

Grace Hartigan - De Perzische Jas, 1952. Olieverf op doek. 57 1/2 x 48" (146 x 121,9 cm). MoMA Collectie. Gift van George Poindexter. © 2019 Grace Hartigan

De ultieme belediging voor Hartigan kwam laat in haar leven, toen een hele nieuwe generatie zelfbenoemde kunsthistorici haar omarming van figuration dubieus herformuleerde als een mijlpaal op de weg naar Pop Art, alsof ze op de een of andere manier de opkomst van die beweging had geïnspireerd. Hartigan betreurde deze associatie; voor haar vertegenwoordigde Pop Art alleen de fetishisering van verschijningen, terwijl haar werk ging over het communiceren van de onderliggende waarheid en emotie achter het leven. Het zou veel nauwkeuriger zijn om Hartigan een pionier in Neo-Expressionisme te noemen, met zijn rauwe, schilderachtige houding; of Feministische Kunst, gezien het autoritaire zelfvertrouwen waarmee ze de patriarchale misogynie van het kunstveld het hoofd bood. Echter, ik denk dat de beste manier om haar nalatenschap te herinneren is om haar niet te belasten met enige labels. Hartigan was uniek. Haar voorbeeld bewijst dat de beste manier om een inclusieve, progressieve, creatieve kunstwereld te bevorderen niet is om vast te houden aan bewegingen, maar om experimentatie te omarmen en esthetische afwijking te verwelkomen.

Uitgelichte afbeelding: Grace Hartigan - Ongecategoriseerd uit Map vol. I, nr. I, 1953. Zeefdruk uit een tijdschrift met drie zeefdrukken. Compositie (onregelmatig): 7 1/16 x 10 1/16" (17,9 x 25,5 cm); blad: 7 7/16 x 10 7/16" (18,9 x 26,5 cm). Editie 500. MoMA Collectie. © 2019 Grace Hartigan
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio