10 søramerikanske abstrakte kunstnere å følge med på i 2025

Søramerikansk abstrakt kunst opplever en bemerkelsesverdig renessanse, drevet av enestående markedsvalidering og global institusjonell anerkjennelse.

Denne gjenoppblomstringen er ikke bare en kuratorisk trend; den kvantifiseres av de stigende auksjonsprisene for midtårhundrets mestere som Lygia Pape og Hélio Oiticica, og sementeres av representasjonen av historiske bo og samtidsutøvere ved elitegallerier som Hauser & Wirth, Pace og David Zwirner.

Samtidig har museer fra Getty til Museum of Modern Art gjennomført seriøse vitenskapelige revurderinger av bevegelser som Neo-koncretisme og kinetisk kunst, og flyttet dem fra periferien til sentrum av global kunsthistorie.

De ti kunstnerne som fremheves her er arvtakere og innovatører av denne revitaliserte tradisjonen, og utnytter dens kraftfulle visuelle språk for å utforske samtidige spørsmål om identitet, materialitet og sted.

Ad Minoliti (Argentina)

Ad Minoliti (f. 1980) har vokst frem som en av de mest innovative stemmene innen samtidskunst i søramerikansk abstraksjon, og skaper det de kaller "post-geometriske" verk som bruker "geometri og farge for å bygge ikke-binære spekulative fiksjoner." Deres store utstilling "Manifestación pluriversal" ved Contemporary Art Museum St. Louis (september 2024-februar 2025) har introdusert amerikanske publikum for deres særegne tilnærming til abstraksjon som sosial praksis.

Minolitis arbeid trekker på Argentinas rike tradisjon innen geometrisk abstraksjon samtidig som det fullstendig nytenker dens muligheter. Deres "candy palettes" og lekne formelle undersøkelser skaper det The Guardian beskrev som "non-binary geometry": abstrakte verk som utfordrer tradisjonell binær tenkning gjennom rent visuelle midler. Nylige prosjekter har utforsket temaer som queerness, feminisme og spekulative fremtider, og viser hvordan abstrakt kunst kan engasjere seg i samtidige sosiale spørsmål.

Deres utstilling "Nature is Queer" (2024) og deltakelse i "The Feminist School of Painting" ved Galerie Crèvecoeur demonstrerer deres økende internasjonale anerkjennelse. Minolitis arbeid representerer en ny generasjon søramerikanske kunstnere som bruker abstraksjon for å forestille alternative fremtider og utfordre etablerte sosiale strukturer.

Bruno Dunley (Brasil)

Bruno Dunley (f. 1984, Petrópolis) har etablert seg som det kritikere kaller en "malers maler": en kunstner hvis arbeid viser dyp forståelse for maleriets grunnleggende egenskaper samtidig som det driver mediet inn i nye territorier. Hans nylige separatutstilling "Pequenas Alegrias" (Små gleder) ved Nara Roesler Rio de Janeiro (april-juni 2024) viste hans modne tilnærming til abstraksjon som en prosess av konstant revisjon og forbedring.

Dunleys malerier åpenbarer seg sakte, bygget opp gjennom lag av påføring, redigering og visking. Hans tilbakeholdne gester skaper verk som synes å sveve mellom representasjon og ren abstraksjon, med former som antyder landskap, arkitektur eller ren følelse avhengig av betrakterens perspektiv. Kritikere har bemerket hans arbeidets forhold til både Alfredo Volpis geometriske undersøkelser og de mer maleriske tilnærmingene til samtidskunstnere i Europa som Luc Tuymans.

Hans utstilling i 2023, "Clouds" ved Nara Roesler New York, utforsket abstraksjon som "en abstrakt hendelse," og undersøkte hvordan naturfenomener kan oversettes til rent formelle undersøkelser.

For øyeblikket representert av Nara Roesler, fortsetter Dunley å utvikle en unikt brasiliansk tilnærming til samtidsmaling som hedrer landets modernistiske arv samtidig som den forblir grundig samtidsaktuell.

Cristina Ghetti (Argentina/Spania)

Argentinskfødte Cristina Ghetti (f. 1969) arbeider fra Valencia, Spania, hvor hun har utviklet en særegen tilnærming til geometrisk abstraksjon som bygger bro mellom Op Art, geometrisk abstraksjon og kinetisk kunst. Med en master i visuell kunst og multimedia og en doktoravhandling med tittelen "Post Medial Geometry" fullført ved Polytechnic University of Valencia, bringer Ghetti både kunstnerisk intuisjon og akademisk grundighet til sin praksis.

Hennes malerier benytter strenge geometriske systemer som skaper subtile perseptuelle skift, og får statiske komposisjoner til å virke som om de pulserer og puster. Innenfor tradisjonen av Op Art skaper Ghettis serielle fargestrukturer det hun beskriver som "visuell musikk": mønstre som ser ut til å generere sine egne akustiske egenskaper gjennom rent visuelle midler. Hennes teknikk innebærer å lage digitale komposisjoner som lurer sinnet til å oppfatte bevegelse og dybde, som hun deretter oversetter til akrylmaling på lerret.

Ghettis arbeid har blitt vist omfattende, inkludert på MACBA Buenos Aires, Argentinas ambassade i Washington DC, og Frost Art Museum i Miami. Hennes arbeid inngår i permanente samlinger, inkludert Nasjonalmuseet for samtidskunst og design i San José, Costa Rica, og det kommunale museet for plastisk kunst Eduardo Sívori i Buenos Aires, noe som viser hennes fortsatte tilknytning til den søramerikanske kunstscenen til tross for hennes base i Spania.

Daniela Marin (Venezuela/Peru)

Venezuelanskfødte Daniela Marin (f. 1977) har etablert seg som en av de mest engasjerende stemmene i samtidsabstraksjon i Sør-Amerika fra sitt base i Lima, Peru. Som utdannet ved den prestisjetunge Altos de Chavón School of Design, skaper Marin verk som pulserer med arkitektonisk presisjon samtidig som de opprettholder en nesten musikalsk rytme i sine fargerelasjoner.

Hennes malerier demonstrerer det som kan kalles "konstruktiv lyrikk": hvert lerret bygget gjennom metodisk lagdeling av geometriske former som på en eller annen måte overskrider sine matematiske opprinnelser for å oppnå noe dypt emosjonelt. Lysstyrken hun oppnår gjennom sin nøye fargeorkestrering har trukket sammenligninger til de store venezuelanske kinetiske kunstnerne, men hennes arbeid forblir tydelig samtidskunst i sin konseptuelle strenghet.

For øyeblikket representert av IdeelArt, reflekterer Marins arbeid den tverrkulturelle dialogen mellom hennes venezuelanske arv og hennes adopterte peruanske hjem, og skaper abstraksjoner som taler til den bredere latinamerikanske erfaringen med migrasjon og kulturell syntese.

Francisca Aninat (Chile)

Den chilenske kunstneren Francisca Aninat har utviklet en av de mest distinkte tilnærmingene til abstrakt maleri i samtidskunst i Sør-Amerika. Hennes prosess, som bokstavelig talt river malte lerreter fra hverandre og setter dem sammen igjen gjennom søm, skaper verk som fungerer både som malerier og tekstilobjekter, og utfordrer tradisjonelle grenser mellom medier.

Hennes nylige separatutstilling "Hills in the Distance" hos Bendana-Pinel i Paris (til juli 2024) viste hvordan hennes revne og sydd lerreter skaper det hun kaller "taktil abstraksjon." Hvert verk blir en meditasjon over minner, traumer og helbredelse, hvor den fysiske handlingen med reparasjon blir sentral for verkets mening.

Aninats prosess trekker oppmerksomhet til maleriets grunnleggende materialitet samtidig som den skaper verk som taler til bredere temaer som fragmentering og rekonstruksjon—temaer som resonnerer sterkt i konteksten av Chiles komplekse politiske historie. Hennes arbeid finnes i samlinger inkludert Cambridge Universitys Women's Art Collection, og hun fortsetter å utvikle sin unike tilnærming til abstraksjon som både visuell og fysisk opplevelse.

Jaime Gili (Venezuela/UK)

Den London-baserte venezuelanske kunstneren Jaime Gili har brukt tiår på å utvikle en særegen tilnærming til geometrisk abstraksjon som feirer "kinetismen og optimismen i midten av århundrets modernistiske kunst, arkitektur og design" samtidig som den forblir grundig samtidsrelevant. Hans hard-edge malerier med høy kromatisk intensitet skaper det en kritiker beskrev som "elektrisk geometri i bevegelse."

Gilis arbeid trekker eksplisitt på Venezuelas rike tradisjon for kinetisk og geometrisk kunst, men gir nytt liv til disse historiske referansene for samtidige publikum. Hans malerier, trykk og offentlige kunstverk viser hvordan latinamerikanske modernistiske tradisjoner kan revitaliseres uten å bli bare nostalgiske. Nylige arbeider har i økende grad engasjert seg i den politiske situasjonen i hjemlandet hans, ved å bruke abstrakte midler for å ta opp konkrete sosiale realiteter.

Etter å ha bodd og arbeidet i Storbritannia siden 1996, representerer Gili den globale rekkevidden til søramerikansk abstrakt kunst. Hans arbeid finnes i store samlinger og fortsetter å påvirke yngre kunstnere som utforsker skjæringspunktet mellom geometrisk abstraksjon og politisk engasjement.

Johanna Unzueta (Chile)

Johanna Unzueta (f. 1974, Santiago) skaper det man kan kalle "varm minimalisme"—geometriske abstraksjoner som bruker naturlige materialer og håndlagde prosesser for å lage verk som føles både systematiske og dypt menneskelige. Hun arbeider mellom New York og Berlin, og har utviklet en særegen praksis som kombinerer filt, tre og tegning til sammensatte systemer.

Hennes nylige utstilling "Naturalist" hos Casey Kaplan (2024) viste hennes modne tilnærming til abstraksjon som et middel for å utforske forholdet mellom naturlige og konstruerte miljøer. Hennes filtarbeider, spesielt, demonstrerer hvordan tradisjonelle håndverksteknikker kan brukes til å skape sofistikerte abstrakte komposisjoner som taler til både urfolks tekstiltradisjoner og samtidsminimalisme.

Unzuetas arbeid tar for seg "begreper som arbeid, produktivitet og fremgang" gjennom håndlagde prosesser som bevisst bremser kunstnerisk produksjon. Hennes geometriske komposisjoner, skapt gjennom intuitiv uttrykk fremfor matematiske systemer, resulterer i verk som føles både samtidige og tidløse. Hun er også aktiv innen redaksjonell design og kunstnerpublikasjoner, noe som reflekterer hennes brede engasjement i visuell kultur.

Marina Perez Simão (Brasil)

Marina Perez Simão (f. 1980, Vitória) står som en av Brasils mest anerkjente samtidsabstrakte malere, med 2025 som et vendepunkt for hennes internasjonale anerkjennelse. Hennes store institusjonelle utstilling "Tuning Fork" ved Instituto Tomie Ohtake (august-oktober 2025) representerer hennes første store museumsutstilling i Brasil, mens hennes deltakelse i "Horizontes - Peintures brésiliennes" ved Fondation Cartier i Paris (april-oktober 2023), har introdusert hennes arbeid for europeiske publikum.

Representert av både Pace Gallery og Mendes Wood DM, skaper Simão malerier som svever på kanten av landskap uten å bli helt representasjonelle. Hennes mettede fargeområder ser ut til å oppløses i ren atmosfære, og skaper verk som fungerer like mye som følelsesmessige opplevelser som visuelle. Hennes prosess, basert på akkumulering og sammenstilling av minner og bilder, resulterer i malerier som føles både dypt personlige og universelt gjenklangfulle.

Nylige utstillinger inkluderer "Diffusion" på Mendes Wood DM Paris (2024) og "ZWIELICHT" på G2 Kunsthalle i Leipzig, som viser hennes økende internasjonale tilstedeværelse. Hennes arbeid representerer en tydelig brasiliansk tilnærming til abstraksjon, en som omfavner både landets rike modernistiske arv og dens samtidige globale posisjon.

Marina Weffort (Brasil)

Marina Weffort (f. 1980, São Paulo) representerer det fremste innen brasiliansk tekstilabstraksjon, og skaper verk som eksisterer i skjæringspunktet mellom maleri, skulptur og håndverk. Representert av Galeria Luisa Strina, et av Brasils mest prestisjefylte samtidskunstgallerier, arbeider Weffort med maleri, tegning, objekter og installasjoner for å undersøke forholdet mellom materiale, prosess og mening.

Hennes minimale tekstilabstraksjoner bruker kuttet og vevd stoff for å skape gitterlignende strukturer som ser ut til å puste med lys. Disse verkene utfordrer tradisjonelle hierarkier mellom billedkunst og håndverk, og viser hvordan tekstilteknikker kan brukes til å skape sofistikerte abstrakte komposisjoner som taler til både brasilianske kulturtradisjoner og samtidskunstnerisk internasjonal diskurs.

Wefforts praksis reflekterer en bredere trend innen samtidskunst i Brasil mot materiell eksperimentering og prosessbasert arbeid. Hennes undersøkelser av forholdet mellom ulike medier resulterer i verk som føles både konseptuelt grundige og sanselig tiltalende, og representerer en ny generasjon brasilianske kunstnere som utvider mulighetene for abstrakt kunst.

Martin Reyna (Argentina)

Martin Reyna har etablert seg som en mester i det som kan kalles "flytende geometri." Han arbeider primært i akvarell, et medium som ofte blir avfeid i seriøs abstrakt diskurs, og skaper store verk hvor tyngdekraften blir hans primære komposisjonelle verktøy. Hans vertikale vasker renner nedover papiret med kontrollert spontanitet, og skaper atmosfæriske effekter som antyder både naturlige fenomener og ren kromatisk opplevelse.

Basert mellom Buenos Aires og Paris, bygger Reynas arbeid bro mellom den gestuelle friheten i abstrakt ekspresjonisme og fargefeltundersøkelsene til kunstnere som Helen Frankenthaler, men med en tydelig søramerikansk sensibilitet. Hans malerier fremkaller ofte de vidstrakte landskapene i de argentinske pampas, men forblir resolutt ikke-representasjonelle.

Kunstnerens nylige arbeid har fått oppmerksomhet for sin sofistikerte forståelse av hvordan akvarellens iboende uforutsigbarhet kan utnyttes til å skape verk med overraskende strukturell integritet. Hvert stykke leses som en visuell partitur, med fargerelasjoner som ser ut til å generere sin egen interne musikk.

Hans arbeid var nylig gjenstand for en museumsutstilling, "The Sound of Color," ved Venezuelas MACA-Zulia, som bekrefter hans plass innenfor den bredere konteksten av latinamerikansk abstraksjon.

For tiden representert av IdeelArt, fortsetter Reyna å utvikle sin unike tilnærming til abstraksjon gjennom flytende medier. 

+   +   +

Disse ti kunstnerne representerer mangfoldet og vitaliteten i samtidskunst innen søramerikansk abstrakt kunst, hvor hver av dem bringer et unikt perspektiv til den pågående dialogen mellom abstraksjon og identitet, tradisjon og innovasjon.

Det som forener dem er ikke en delt stil eller tilnærming, men snarere en forpliktelse til å presse abstrakt kunst inn i nye territorier samtidig som de forblir knyttet til de rike kulturelle tradisjonene i deres region. Etter hvert som søramerikansk kunst fortsetter å få internasjonal anerkjennelse, er disse kunstnerne posisjonert til å spille avgjørende roller i å definere hva abstraksjon betyr i det 21. århundre.

Deres arbeid viser at søramerikansk abstrakt kunst ikke bare følger internasjonale trender, men aktivt former dem, og skaper nye muligheter for hvordan abstrakt kunst kan engasjere seg med samtidige sosiale, politiske og kulturelle realiteter samtidig som den opprettholder sitt grunnleggende engasjement for formell innovasjon og estetisk opplevelse.

Av Francis Berthomier

Utvalgt bilde: Double Wave  av Cristina Ghetti (2017, detalj). Alle bilder med tillatelse fra kunstnerne.

Kjøp kunstverk fra søramerikanske kunstnere på IdeelArt