De mest kjente maleriene til Pablo Picasso (og noen abstrakte arvinger)

Det er ingen enkel oppgave å tallfeste de mestberømte Pablo Picasso-maleriene. Pablo Picasso (også kjent under sitt fulle dåpsnavn, Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno de los Remedios Crispín Cipriano de la Santísima Trinidad Ruíz y Picasso!) er oppført i Guinness rekordbok som historiens mest produktive profesjonelle maler. Han skapte mellom 1 300 og 1 900 malerier fra tiden da han tok sine første kunsttimer som 7-åring, og frem til han døde 91 år gammel. Det mest bemerkelsesverdige er imidlertid ikke antallet Picasso-malerier, men hvor mange som regnes som mesterverk. I erkjennelsen av at ingen toppliste over Picasso kan være ukontroversiell, inkluderer vårt beskjedne forsøk berømte verk fra hver av hans mange faser og kaster lys over hele hans imponerende karriere.

Og vi bestemte oss for å gjøre oppgaven litt mer kompleks: Picasso var for det meste figurativ maler. Han malte mennesker, okser, gitarer og kriger. Likevel la hans radikale nyskaping det direkte grunnlaget for den abstrakte kunsten som fulgte. I denne artikkelen utforsker vi denne linjen ved å sette hvert av hans ikoniske mesterverk sammen med et «Contemporary Echo», en abstrakt kunstner fra IdeelArt-porteføljen hvis verk gjenspeiler den spesifikke ånden, teknikken, komposisjonen eller følelsesmessige tyngden i Picassos original. Selv om det å knytte et portrett av en tenåring fra 1905 til et abstrakt maleri fra 2026 er en tolkningsøvelse snarere enn en direkte videreføring, mener vi at disse sammenstillingene avdekker en fascinerende dialog mellom moderne kunsts historie og dens levende, pustende fremtid.

Den blå perioden (1901 - 1904) 

Denne epoken har fått navnet sitt etter de blå nyansene som går igjen i så mange av Picassos malerier fra denne tiden. Picasso selv knyttet valget om å male utelukkende i blått til depresjonen han følte etter at vennen Carlos Casagemas døde. Casagemas skjøt seg selv i hodet på en kafé i Paris. Et av de mest elskede verkene fra denne perioden er Den gamle gitaristen (1903). Det viser en eldre, avmagret mann i fillete klær, sammenkrøket over gitaren sin på Barcelonas gater.

Pablo Picasso - Den gamle gitarspilleren, 1903. The Art Institute of Chicago. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Dette maleriet er mer enn et portrett av fattigdom; det er en dyp meditasjon over kunstens trøst. Figurens forlengede lemmer og kantete positur avslører Picassos inngående studium av den spanske mesteren El Greco, og knytter moderne lidelse til kunsthistorisk tradisjon. Gitaren, det eneste elementet i maleriet som skiller seg litt fra den gjennomgående blåfargen, symboliserer kunsten som en livline, en kilde til varme og overlevelse i en kald verden.

Picasso var ikke en abstrakt kunstner, men blåperioden hans bygger på et prinsipp som definerer abstraksjon: at fargen i seg selv er en følelse. Han brukte blått til å skape en atmosfære av stillhet og ettertanke.

I dag tar den skotske kunstneren Eric Cruikshank denne tankegangen til sin ytterste konsekvens. Der Picasso brukte tiggerfiguren til å formidle tristhet, spør Cruikshank om fargen alene er nok til å bære følelsens tyngde. Gjennom en streng, subtraktiv prosess for å fjerne sine egne penselstrøk skaper Cruikshank «slør» av atmosfæriske farger som, i likhet med Picassos blåfarge, fanger det unnvikende minnet om en følelse snarere enn et bokstavelig bilde av verden. Han beviser at du ikke trenger en gitar for å male en sang.

Eric Cruikshank - P076, 2024

Den rosa perioden (1904 – 1906) 

I 1904 forelsket Picasso seg i Fernande Olivier, og endret retningen på stilen sin på to grunnleggende måter. For det første sluttet han, i overgangen fra sorg til romantikk, å male i blåtoner og gikk over til nyanser av rosa, oransje og jordfarger. For det andre gikk han bort fra omhyggelige gjengivelser av menneskekroppen og over til mer stiliserte menneskefremstillinger. Det mest berømte eksempelet fra denne perioden er Gutt med pipe.

Pablo Picasso - Garçon à la Pipe (Gutt med pipe), 1905. Helen Birch Bartlett Memorial Collection. 1926.253. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Motivet er «P’tit Louis», en lokal tenåringsstreifer som ofte besøkte Picassos atelier i Montmartre. Selv om maleriet beholder en følelse av melankoli, markerer rosekransen og den blomstrete bakgrunnen et brudd med den blå periodens fortvilelse. Guttens blikk er distansert, nesten mystisk, og pipen han holder, plassert merkelig i hånden, fungerer som et symbol på bohemliv og selvrefleksjon. Dette verket markerer et avgjørende øyeblikk der Picasso begynner å prioritere stemning og lyrikk fremfor streng realisme, og skaper et bilde av ungdommelig skjørhet som både er tidløst og hjemsøkende.

I sin rosa periode beveget Picasso seg forbi enkel gjengivelse for å fange en stemning - en følelse av skjørhet og poesi som eksisterte mellom motivet og betrakteren.

I dag forfølger den Paris-baserte kunstneren Macha Poynder en lignende poetisk ambisjon gjennom abstraksjon. Inspirert av filosofien om at «farger er lyder», bygger hun komposisjoner som fungerer som visuelle akkorder. Akkurat som Picasso brukte rosafargen til å endre det følelsesmessige toneleiet i arbeidet sitt fra fortvilelse til skjør varme, bruker Poynder lagvise fargestrøk og lyriske, kalligrafiske linjer for å skape «vinduer der det synlige og det usynlige berører hverandre». Arbeidene hennes viser at det «poetiske» i kunsten ikke handler om motivet, men om selve overflatens resonans.

Macha Poynder  - Vi er alle fønikser, selv om vi ikke vet det - 2020

Den afrikanske perioden (1907 – 1909) 

Påvirket av iberiske skulpturer og afrikanske masker frigjorde Picasso seg fullstendig fra det tradisjonelle perspektivet. Samtidig ble han inspirert av flatheten i Paul Cézannes senere verker, som døde i 1906. I denne perioden med raske eksperimenter reduserte Picasso malerienes visuelle språk betydelig og beveget seg stadig mer mot abstraksjon. Det mest betydningsfulle maleriet fra denne perioden er Les Demoiselles d'Avignon, som regnes som protokubistisk, ettersom det inneholder alle de grunnleggende elementene som senere skulle definere denne stilen.

Maleriet skildrer fem nakne kvinner på et bordell, med kropper oppsplittet i skarpe, hakkete plan som ser ut til å skjære gjennom rommet de befinner seg i. 

Pablo Picasso - Les Demoiselles d'Avignon, 1907. Museum of Modern Art, New York. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Dette var ikke bare en ny stil; det var en aggressiv handling mot fortidens «høflige» kunst. De to figurene til høyre har maskelignende ansikter som er skremmende fremmede for den vestlige skjønnhetskanonen. Ved å slå sammen figuren med bakgrunnen og vise flere synsvinkler samtidig malte Picasso ikke bare en scene, han demonterte måten vi ser virkeligheten på. Denne radikale dekonstruksjonen la det direkte grunnlaget for kubismen.

Den amerikanske maleren Susan Cantrick er en moderne arvtaker til denne intellektuelle tradisjonen. Verkene hennes benytter det kritikere har kalt «en kubists fremgangsmåte, der rommet dekomponeres og gjenskapes». I likhet med Picasso forener hun skarpkantede arkitektoniske strukturer med flytende, gestuelle strøk og skaper et «hybridt» visuelt språk. Men der Picasso splittet opp menneskekroppen, splittet Cantrick opp selve persepsjonshandlingen og bryter lerretet ned i «digitale og analoge» lag for å avdekke den komplekse, fragmenterte måten vi bearbeider informasjon på i den moderne verden.

Susan Cantrick - SBC 227 - 2019 - ©the artist

Kubisme og collage (1908 – 1912) 

I tillegg til å finne opp Kubismen, som knuste renessansens tradisjon med ettpunktsperpektiv, Picasso og hans samtidige Georges Braque begynte samtidig å eksperimentere med å tilføre «virkelige» rester til lerretene sine. Dette grepet utfordret selve definisjonen av hva et maleri kunne være. Et av de mest kjente verkene fra denne perioden er Stilleben med stolsetefletting (1912). 

Pablo Picasso - Stilleben med stolsetefletting, 1912. Musée Picasso. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Dette lille, ovale verket regnes av mange som den første kunstneriske collagen. Picasso limte et stykke oljeklut med et mønster av stolsetefletting direkte på lerretet og rammet det inn med et stykke tau. Ved å innlemme masseproduserte, industrielle materialer i en «høy kunst»-komposisjon visket Picasso ut grensen mellom kunst og objekt, virkelighet og illusjon. Det var et konseptuelt sprang som åpnet døren for alt fra dadaisme til popkunst og beviste at gatens materialer hørte hjemme på museet.

Picassos introduksjon av tau og oljeduk beviste at maleriet ikke trengte å være flatt. Det kunne være en fysisk konstruksjon laget av selve verden.

Den britiske kunstneren Anthony Frost fører denne arven videre med visceral energi. I stedet for å male illusjoner av tekstur bygger han overflatene sine ved hjelp av de rå materialene fra kystmiljøet sitt - seilduk, fruktnett, strie og pimpstein. På samme måte som Picasso brukte tau til å ramme inn komposisjonen, bruker Frost industrielt nett og gummi til å skape relieffaktige lag som stikker ut fra lerretet. Arbeidene hans er en direkte videreføring av collagerevolusjonen: en påminnelse om at kunst ikke bare er et bilde å se på, men et fysisk objekt som skal oppleves.

Anthony Frost - Crackloud - 2018 - ©kunstneren

Nyk lassisisme (1918 - 1928) 

I 1918, kort tid før slutten på første verdenskrig, giftet Picasso seg med sin første kone, Olga Khokhlova, en ballerina ved Ballets Russes. Etterkrigstiden førte til en «tilbakevending til orden» i kunstverdenen over hele Europa, og Picasso fulgte etter ved midlertidig å bevege seg bort fra kubismens fragmentering mot en monumental, skulpturell stil inspirert av den franske mesteren Ingres.

Et perfekt eksempel er Portrait of Olga in an Armchair (1918).

Pablo Picasso - Portrait d'Olga dans un fauteuil (Portrait of Olga in an Armchair), 1918. Musée Picasso Paris, Paris, France. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Dette maleriet er en mesterklasse i spenning. Picasso gjengir Olgas ansikt med fotografisk, porselensaktig presisjon og følger strenge klassiske regler. Likevel lar han resten av lerretet være i en bevisst «non-finito»-tilstand (ufullført). Lenestolen er et flatt, grafisk mønster, og kjolen løses opp i en rå, lineær skisse mot den tomme bakgrunnen. Ved å sette ekstrem realisme opp mot bart lerret hevder Picasso at et maleri ikke er et vindu inn til virkeligheten, men en konstruert overflate der det ferdige og det uferdige kan eksistere side om side.

I dette portrettet viste Picasso at et tomt rom ikke er «ingenting»: det er et aktivt designelement. Han brukte den rå linjen til å definere kjolens volum uten å fylle det inn.

Den franske kunstneren Marie de Lignerolles bygger sin kunstneriske praksis på nettopp dette prinsippet. Arbeidene hennes utforsker begrepene «motform» og «tomrom», der det tomme rommet behandles som et «nærvær i fraværet». I likhet med Picassos behandling av Olgas kjole bruker de Lignerolles linjen som et primært strukturelt verktøy, slik at papirets hvite flate får like stor betydning som fargen. Hun viser at det i kunsten ofte er like viktig hva man utelater, som hva man tar med.

Marie de Lignerolle - Méditerranée - 2024 - ©kunstneren

Surrealisme (1928 - 1948) 

På slutten av 1920-tallet og begynnelsen av 1930-tallet, påvirket av den surrealistiske bevegelsen og sitt lidenskapelige forhold til Marie-Thérèse Walter, begynte Picasso å forvrenge menneskefiguren på radikalt nye måter. Denne perioden resulterte i noen av hans mest sensuelle og psykologisk ladede verk.

To sentrale eksempler fra denne perioden er Figurer ved havet (1931) og Drømmen (1932) (se toppbildet).

Pablo Picasso - Figurer ved havet, 1931. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

I Figurer ved havet er to figurer som er låst i et kyss, redusert til glatte, biomorfe former som ligner mer på værbitte steiner eller knokler enn menneskelig anatomi. Det er en grotesk, men øm skildring av begjær, der det bokstavelige fjernes for å avdekke en psykologisk sannhet. På samme måte fremstiller Drømmen Marie-Thérèse i en tilstand av erotisk henførelse, med ansiktet delt av en fallisk profil og kroppen gjengitt i myke, buede linjer som gjenspeiler underbevissthetens flytende karakter. Til sammen viser disse verkene Picassos mesterlige bruk av biomorfisme, der kroppen forvandles til et landskap av underlige, myke former for å uttrykke drømmenes og begjærets skjulte verden.

Picasso brukte disse surrealistiske, organiske formene til å vise hvordan underbevisstheten forvrenger virkeligheten og gjør menneskekroppen til noe flytende og cellulært.

Den samtidskunstneren Daniela Marin utforsker det samme «indre landskapet». Maleriene hennes er fulle av «livlige, protozoiske former» og slyngende former som speiler de organiske, biologiske kurvene i Picassos surrealistiske figurer. Ved å balansere spenning med naturlig harmoni antyder Marin en verden der mikroskopisk liv og menneskelige følelser flettes sammen, og viderefører den surrealistiske tradisjonen med å vende blikket innover for å finne naturens former. 

Daniela Marin - Bario Tropico XI - 2023 - ©kunstneren

Guernica (1937) 

Fra 1936 til 1939 var Spania preget av borgerkrig mellom nasjonalistiske og republikanske styrker. Nasjonalistene var alliert med fascistiske makter i Tyskland og Italia. Våren 1937 bombet tyske og italienske fly den baskiske landsbyen Guernica etter anmodning fra de spanske nasjonalistene. Dette var første gang et moderne luftvåpen angrep en ubevæpnet sivilbefolkning. Tidligere samme år hadde de spanske republikanerne bestilt et veggmaleri av Picasso til verdensutstillingen i Paris i 1937. Verket Picasso skapte til utstillingen var et svar på bombingen: Det var Guernica.

Pablo Picasso - Guernica, 1937. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Guernica regnes som Picassos mesterverk og skildrer en marerittaktig scene med forvridde kropper og skrikende dyr blant ruiner i byen. Estetisk kombinerer verket kubismens fragmentering med surrealismens marerittlogikk. Ved å begrense paletten til skarp svart, hvitt og grått fremkalte Picasso den rå umiddelbarheten i avisfotografiet og visket ut grensen mellom kunst og journalistikk. Det er fortsatt den ultimate antikrigserklæringen, et bevis på at kunst kan være et våpen mot brutalitet.

Picasso malte Guernica for å sikre at verden ikke kunne se bort fra en massakre. Han beviste at kunstneren har en moralsk plikt til å være vitne til ødeleggelse.

Den tyske kunstneren Reiner Heidorn viderefører denne formen for «visuelt vitnesbyrd» inn i det 21. århundret, men flytter fokuset fra krigens ødeleggelser til ødeleggelsen av planeten. Ved hjelp av sin karakteristiske «Dissolutio»-teknikk skaper Heidorn massive, oppslukende oljemalerier som tar for seg klimaendringer og det oppløsende forholdet mellom menneskeheten og naturen. Akkurat som Picasso brukte muralformatet til å konfrontere betrakteren med volden i sin tid, bruker Heidorn størrelse og intense, oppløsende teksturer til å konfrontere oss med vår tids «økologiske vold» og krever at vi ikke vender blikket bort fra naturens forsvinning.

Reiner Heidorn - Nattplanter - 2025 - ©kunstneren

Etter andre verdenskrig

Frem til sin død i 1973 fortsatte Picasso å lage kunst, og vendte ofte tilbake til metodene og stilene han hadde utforsket tidligere i livet. Etter andre verdenskrig flyttet Picasso til Sør-Frankrike og gikk inn i sin siste, produktive fase. Han var blitt verdens mest berømte nålevende kunstner og fikk i oppdrag å skape alt fra store offentlige verk til vanlige husholdningsartikler. I 1953 møtte han kvinnen som skulle bli hans andre kone, Jacqueline Roque. Picasso var 72 år på dette tidspunktet; Jacqueline var 27. Han malte henne mer enn noen annen kvinne i sitt liv: over 400 ganger på bare 20 år. Et slående eksempel på denne besettelsen er Jacqueline med blomster (1954).

Pablo Picasso - Jacqueline med blomster, 1954. Musée Picasso, Paris, Frankrike. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

I dette portrettet forlater Picasso de myke kurvene til sine tidligere elskerinner til fordel for en stiv, hieratisk stil. Jacqueline er fremstilt med en langstrakt hals og store, stirrende øyne (hennes kjennetegn), som minner om en moderne sfinks. Malingen er påført med en ny følelse av hastverk og hurtighet, og foregriper den rå, «uutviklede» stilen i hans siste år. På den tiden avfeide kritikere disse sene verkene som skriblerier laget av en senil gammel mann; i dag anerkjennes de som forløpere til nyekspresjonismen og hylles for sin villskap og frihet.

I portrettene av Jacqueline sluttet Picasso å prøve å være «perfekt». Han malte med en rå, grafisk hurtighet og prioriterte bildets umiddelbare virkning fremfor raffinert teknikk.

Samtidskunstneren Tommaso Fattovich viderefører denne samme hektiske energien. Selv om de er rent abstrakte, deler komposisjonene hans i «Abstract Punk» Picassos sene portretters strukturelle tetthet og grafiske kraft. Fattovich bygger bildene sine raskt, lag på lag, og skaper en sentral «tilstedeværelse» på lerretet som føles nesten figurativ i sin tyngde. I likhet med Picassos tvangsmessige gjentakelse av Jacquelines ansikt drives Fattovichs verk av et tvangspreget behov for å sette spor på lerretet, noe som resulterer i kunst som føles mindre som et bilde og mer som en plutselig, ubestridelig hendelse.

Tommaso Fattovich - Villjordbær - 2025 - ©the artist

En arv uten ende

Picasso sa en gang: «Kunst er ikke anvendelsen av en skjønnhetskanon, men det instinktet og hjernen kan forestille seg hinsides enhver kanon.» Denne nådeløse drivkraften til å gå forbi, til å fragmentere figuren, demontere perspektivet og male det ubevisste, er hans egentlige arv. Den tok ikke slutt da han døde i 1973. Den spredte seg og utviklet seg til nye former og nye spørsmål.

De samtidskunstnerne som presenteres sammen med disse mesterverkene, fra Eric Cruikshanks atmosfæriske monokromer til Tommaso Fattovichs punkenergi, er et bevis på denne levende arven. De minner oss om at kunsthistorien ikke er en serie avsluttede kapitler, men en kontinuerlig, åpen samtale. Enten det er gjennom stillheten i én enkelt farge eller kaoset i en ødelagt overflate, lever oppfinnsomhetens ånd som definerte Picassos århundre, videre i vårt.

Av Phillip Barcio (2016) Redigert av Francis Berthomier (2026).

Hovedbilde: Pablo Picasso - Le Rêve (Drømmen), 1932. Olje på lerret. 130 cm × 97 cm. Privat samling. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York. Alle bilder brukes kun til illustrasjonsformål

Relaterte kunstverk