De mest kjente maleriene til Pablo Picasso (og noen abstrakte arvinger)
Det er ingen enkel oppgave å kvantifisere de mest berømte Pablo Picasso-maleriene. Pablo Picasso (ellers kjent under sitt fulle dåpsnavn, Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno de los Remedios Crispín Cipriano de la Santísima Trinidad Ruíz y Picasso!) er oppført i Guinness rekordbok som historiens mest produktive profesjonelle maler. Han skapte mellom 1 300 og 1 900 malerier i perioden fra hans første kunsttimer som 7-åring til hans død som 91-åring. Det mest bemerkelsesverdige er imidlertid ikke antallet Picasso-malerier, men hvor mange som regnes som mesterverk. Med erkjennelsen av at ingen Picasso-topp-liste kan være uten kontrovers, inkluderer vårt ydmyke forsøk berømte verk fra hver av hans mange faser, og kaster lys over hele hans imponerende karriere.
Og vi bestemte oss for å tilføre en liten dose kompleksitet til oppgaven: Picasso var, for det meste, en figurativ maler. Han malte mennesker, okser, gitarer og kriger. Likevel la hans radikale innovasjoner det direkte grunnlaget for den abstrakte kunsten som fulgte. I denne artikkelen søker vi å utforske denne arven ved å pare hvert av hans ikoniske mesterverk med en "Samtidsklang", en abstrakt kunstner fra IdeelArt sin liste hvis arbeid resonerer med den spesifikke ånden, teknikken, komposisjonen eller den emosjonelle tyngden i Picassos original. Selv om det å koble et portrett av en tenåring fra 1905 til et abstrakt maleri fra 2026 er en øvelse i tolkning snarere enn direkte etterfølgelse, mener vi disse paringene avslører en fascinerende dialog mellom historien til moderne kunst og dens levende, pustende fremtid.
Den blå perioden (1901 - 1904)
Denne epoken er oppkalt etter de blå nyansene som preger så mange av Picassos malerier fra denne tiden. Picasso selv tilskrev sitt valg om å male kun i blått til depresjonen han følte etter døden til sin venn Carlos Casagemas, som skjøt seg selv i hodet på en kafé i Paris. Et av de mest elskede verkene fra denne perioden er The Old Guitarist (1903). Det skildrer en eldre, avmagret mann i fillete klær, som sitter sammenkrøket over gitaren sin på gatene i Barcelona.
Pablo Picasso - Den gamle gitaristen, 1903. The Art Institute of Chicago. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York
Dette maleriet er mer enn et portrett av fattigdom; det er en dyp meditasjon over trøsten i kunsten. Figurens forlengede lemmer og kantete holdning avslører Picassos dype studie av den spanske mesteren El Greco, som knytter moderne lidelse til kunsthistorisk tradisjon. Gitaren, det eneste elementet i maleriet som skiller seg litt fra den gjennomgående blåfargen, symboliserer kunsten som en livline, en kilde til varme og overlevelse i en kald verden.
Picasso var ikke en abstrakt kunstner, men hans blå periode bygger på et prinsipp som definerer abstraksjon: at fargen i seg selv er en følelse. Han brukte blått for å skape en atmosfære av stillhet og ettertanke.
I dag tar den skotske kunstneren Eric Cruikshank denne logikken til sin ytterste konsekvens. Der Picasso stolte på figuren av tiggeren for å formidle tristhet, spør Cruikshank om farge alene er nok til å bære vekten av følelsen. Ved å bruke en streng, subtraktiv prosess for å fjerne sine egne penselstrøk, skaper Cruikshank "slør" av atmosfærisk farge som, som Picassos blå, fanger det unnvikende minnet av en følelse snarere enn et bokstavelig bilde av verden. Han beviser at du ikke trenger en gitar for å male en sang.
Eric Cruikshank - P076, 2024
Den rosa (pink) perioden (1904 – 1906)
I 1904 forelsket Picasso seg i Fernande Olivier, og endret retningen på sin stil på to grunnleggende måter. For det første, i en overgang fra sorg til romantikk, sluttet han å male i blåtoner og gikk over til nyanser av rosa, oransje og jordfarger. For det andre beveget han seg bort fra nøye gjengivelser av menneskekroppen mot mer stiliserte menneskelige skildringer. Det mest kjente eksempelet fra denne perioden er Gutt med pipe.
Pablo Picasso - Garçon à la Pipe (Gutt med pipe), 1905. Helen Birch Bartlett Memorial Collection. 1926.253. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York
Motivet er "P’tit Louis," en lokal tenåringsomstreifer som ofte besøkte Picassos studio i Montmartre. Mens maleriet beholder en følelse av melankoli, signaliserer kransen av roser og det blomstrete bakteppet et brudd med fortvilelsen i Blåperioden. Gutten har et distansert, nesten mystisk blikk, og pipen han holder, plassert merkelig i hånden, fungerer som et symbol på bohemliv og introspeksjon. Dette verket markerer et avgjørende øyeblikk hvor Picasso begynner å prioritere stemning og lyrikk over streng realisme, og skaper et bilde av ungdommelig skjørhet som er både tidløst og hjemsøkende.
I sin Rosaperiode beveget Picasso seg utover enkel representasjon for å fange et humør—en følelse av skjørhet og poesi som eksisterte mellom motivet og betrakteren.
I dag følger Paris-baserte kunstner Macha Poynder en lignende poetisk ambisjon gjennom abstraksjon. Påvirket av filosofien om at "farger er lyder," bygger hun komposisjoner som fungerer som visuelle akkorder. Akkurat som Picasso brukte fargen rosa for å skifte den emosjonelle tonen i arbeidet sitt fra fortvilelse til skjør varme, bruker Poynder lagdelte fargevasker og lyriske, kalligrafiske linjer for å skape "vinduer hvor det synlige og usynlige berører hverandre." Hennes arbeid beviser at det "poetiske" i kunst ikke handler om motivet, men om resonansen i selve overflaten.
Macha Poynder - Vi er alle Føniks, selv om vi ikke vet det - 2020
Afrikansk periode (1907 – 1909)
Påvirket av iberiske skulpturer og afrikanske masker frigjorde Picasso seg helt fra tradisjonelt perspektiv. Samtidig ble han inspirert av flatheten i de senere verkene til Paul Cézanne, som døde i 1906. I denne perioden med rask eksperimentering reduserte Picasso det visuelle språket i maleriene sine betydelig, og beveget seg stadig mer mot abstraksjon. Det mest betydningsfulle maleriet fra denne perioden er Les Demoiselles d'Avignon, som regnes som proto-kubistisk, da det inneholder alle de essensielle elementene som til slutt skulle definere denne stilen.
Maleri viser fem nakne kvinner i et bordell, kroppene deres er brutt opp i skarpe, taggete flater som ser ut til å skjære gjennom rommet de befinner seg i.
Pablo Picasso - Les Demoiselles d'Avignon, 1907. Museum of Modern Art, New York. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York
Dette var ikke bare en ny stil; det var en aggressiv handling mot den "høflige" kunsten fra fortiden. De to figurene til høyre har maskeaktige ansikter som er skremmende fremmede for den vestlige skjønnhetskanonen. Ved å smelte figuren sammen med bakgrunnen og vise flere synsvinkler samtidig, malte Picasso ikke bare en scene, han demonterte måten vi ser virkeligheten på. Denne radikale dekonstrueringen la det direkte grunnlaget for kubismen.
Den amerikanske maleren Susan Cantrick er en moderne arving til denne intellektuelle linjen. Hennes arbeid bruker det kritikere har kalt "midlene til en kubist som dekomponerer og gjenskaper rom." Som Picasso kombinerer hun hardkantede arkitektoniske strukturer med flytende, gestuelle merker, og skaper et "hybrid" visuelt språk. Men der Picasso brøt opp menneskekroppen, bryter Cantrick opp selve persepsjonsakten, og deler lerretet i "digitale og analoge" lag for å avsløre den komplekse, fragmenterte måten vi bearbeider informasjon på i den moderne verden.
Susan Cantrick - SBC 227 - 2019 - ©kunstneren
Kubisme & Collage (1908 – 1912)
I tillegg til å oppfinne Kubisme, som knuste renessansens tradisjon med ettpunktsperspektiv, Picasso og hans samtidige Georges Braque begynte samtidig å eksperimentere med å legge til "virkelige" gjenstander på lerretene sine. Dette utfordret selve definisjonen av hva et maleri kunne være. Et av de mest kjente verkene fra denne perioden er Stilleben med stolestoff (1912).
Pablo Picasso - Stilleben med stolestoff, 1912. Musée Picasso. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York
Dette lille, ovale verket regnes bredt som det første fine-art collage. Picasso limte et stykke oljeklut med et mønster av stolestoff direkte på lerretet og rammet det inn med et tau. Ved å inkorporere masseproduserte, industrielle materialer i en "høy kunst"-komposisjon, visket Picasso ut skillet mellom kunst og objekt, virkelighet og illusjon. Det var et konseptuelt sprang som åpnet døren for alt fra dadaisme til popkunst, og beviste at materialene fra gaten hørte hjemme i museet.
Picassos introduksjon av tau og oljeklut beviste at maleri ikke måtte være flatt. Det kunne være en fysisk konstruksjon laget av selve verden.
Den britiske kunstneren Anthony Frost fører denne arven videre med en visceral energi. I stedet for å male illusjoner av tekstur, bygger han sine overflater med råmaterialene fra sitt kystmiljø—seilduk, fruktnett, jute og pimpstein. Akkurat som Picasso brukte tau for å ramme inn komposisjonen sin, bruker Frost industrielt nett og gummi for å skape relieflignende lag som stikker ut fra lerretet. Hans arbeid er en direkte etterkommer av kollasjerevolusjonen: en påminnelse om at kunst ikke bare er et bilde å se på, men et fysisk objekt å oppleve.
Anthony Frost - Crackloud - 2018 - ©kunstneren
Nyklassisisme (1918 - 1928)
I 1918, kort tid før slutten av første verdenskrig, giftet Picasso seg med sin første kone, Olga Khokhlova, en ballerina med Ballets Russes. Etterkrigstiden brakte en "Return to Order" over kunsten i Europa, og Picasso fulgte etter, og beveget seg midlertidig bort fra kubismens fragmentering mot en monumental, skulpturell stil inspirert av den franske mesteren Ingres.
Et perfekt eksempel er Portrait of Olga in an Armchair (1918).
Pablo Picasso - Portrait d'Olga dans un fauteuil (Portrait of Olga in an Armchair), 1918. Musée Picasso Paris, Paris, Frankrike. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York
Dette maleriet er en mesterklasse i spenning. Picasso gjengir Olgas ansikt med fotografisk, porselensaktig presisjon, og følger strenge klassiske regler. Likevel lar han resten av lerretet være i en tilstand av bevisst "non-finito" (ufullstendig). Lenestolen er et flatt grafisk mønster, og kjolen oppløses til en rå, lineær skisse mot den tomme bakgrunnen. Ved å sette ekstrem realisme opp mot bart lerret, hevder Picasso at et maleri ikke er et vindu inn i virkeligheten, men en konstruert overflate hvor det ferdige og det uferdige kan eksistere side om side.
I dette portrettet viste Picasso at et tomrom ikke er "ingenting": det er et aktivt designelement. Han brukte den rå linjen for å definere volumet av kjolen uten å fylle den inn.
Den franske kunstneren Marie de Lignerolles bygger sin praksis rundt dette eksakte prinsippet. Hennes arbeid utforsker konseptene "motform" og "tomrom", og behandler tomrom som en "tilstedeværelse i fravær." Som Picasso sin behandling av Olgas kjole, bruker de Lignerolles linjen som et primært strukturelt verktøy, og lar papirets hvithet ha like stor vekt som fargen. Hun beviser at i kunst er det du utelater ofte like viktig som det du inkluderer.
Marie de Lignerolle - Méditerranée - 2024 - ©kunstneren
Surrealisme (1928 - 1948)
På slutten av 1920-årene og tidlig på 30-tallet, påvirket av den surrealistiske bevegelsen og hans lidenskapelige affære med Marie-Thérèse Walter, begynte Picasso å forvrenge den menneskelige figuren på radikalt nye måter. Denne epoken ga noen av hans mest sensuelle og psykologisk ladede verk.
To viktige eksempler fra denne perioden er Figures at the Seaside (1931) og The Dream (1932) (se toppbildet).
Pablo Picasso - Figures at the Seaside, 1931. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York
I Figures at the Seaside er to figurer låst i et kyss redusert til glatte, biomorfe former som ser mer ut som værbitte steiner eller bein enn menneskelig anatomi. Det er en grotesk, men likevel øm skildring av begjær, som fjerner det bokstavelige for å avsløre en psykologisk sannhet. På samme måte skildrer The Dream Marie-Thérèse i en tilstand av erotisk drømmeri, ansiktet hennes delt av en fallisk profil, kroppen gjengitt i myke, buede linjer som gjenspeiler det underbevisstes flyt. Sammen viser disse verkene Picassos mestring av biomorfisme, hvor kroppen blir et landskap av merkelige, myke former for å uttrykke drømmenes og begjærets skjulte verden.
Picasso brukte disse surrealistiske, organiske formene for å vise hvordan det underbevisste sinnet forvrenger virkeligheten, og forvandler den menneskelige form til noe flytende og cellulært.
Samtidskunstner Daniela Marin utforsker dette samme "indre landskapet." Hennes malerier er levende med "livfulle, protozoiske former" og sirkulære figurer som speiler de organiske, biologiske kurvene til Picassos surrealistiske figurer. Ved å balansere spenning med naturlig harmoni antyder Marin en verden der mikroskopisk liv og menneskelig følelse flettes sammen, og fører videre den surrealistiske tradisjonen med å se innover for å finne naturens former.
Daniela Marin - Bario Tropico XI - 2023 - ©kunstneren
Guernica (1937)
Fra 1936 til 1939 var Spania i en borgerkrigstilstand mellom nasjonalistiske og republikanske styrker. Nasjonalistene var alliert med fascistiske makter i Tyskland og Italia. Våren 1937 bombet tyske og italienske fly den baskiske landsbyen Guernica på forespørsel fra spanske nasjonalister. Dette var første gang en moderne luftstyrke angrep en ubevæpnet sivilbefolkning. Tidligere det året hadde de spanske republikanerne bestilt Picasso til å male et veggmaleri til Verdensutstillingen i Paris i 1937. Verket Picasso skapte for utstillingen svarte på bombingen: det var Guernica.
Pablo Picasso - Guernica, 1937. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York
Bredt ansett som Picassos mesterverk, skildrer Guernica en marerittaktig scene med forvridde kropper og skrikende dyr midt i urbane ruiner. Estetisk blander det fragmenteringen av kubismen med marerittlogikken til surrealisme. Ved å begrense paletten til skarp svart, hvit og grå, fremkalte Picasso den rå umiddelbarheten i avisfotografi, og visket ut skillet mellom billedkunst og journalistikk. Det forblir det ultimate anti-krigsbudskapet, bevis på at kunst kan være et våpen mot brutalitet.
Picasso malte Guernica for å sikre at verden ikke kunne se bort fra et massedrap. Han beviste at kunstneren har en moralsk plikt til å være vitne til ødeleggelse.
Den tyske kunstneren Reiner Heidorn bærer denne arven av "visuell vitnesbyrd" inn i det 21. århundre, men hans fokus skifter fra krigens ødeleggelse til planetens ødeleggelse. Ved å bruke sin signaturteknikk "Dissolutio" skaper Heidorn massive, immersive oljemalerier som tar opp klimaendringer og det oppløsende forholdet mellom menneskeheten og naturen. Akkurat som Picasso brukte veggmaleriformatet for å konfrontere betrakteren med volden i sin tid, bruker Heidorn skala og intense, oppløsende teksturer for å konfrontere oss med vår tids "økologiske vold", og krever at vi ikke ser bort fra forsvinningen av den naturlige verden.
Reiner Heidorn - Nightplants - 2025 - ©kunstneren
Etter andre verdenskrig
Frem til sin død i 1973 fortsatte Picasso å lage kunst, ofte ved å vende tilbake til metodene og stilene han hadde utforsket tidligere i livet. Etter andre verdenskrig flyttet Picasso til Sør-Frankrike og gikk inn i sin siste, produktive fase. Han hadde blitt verdens mest berømte levende kunstner og fikk oppdrag for å lage alt fra store offentlige verk til vanlige husholdningsartikler. I 1953 møtte han kvinnen som skulle bli hans andre kone, Jacqueline Roque. Picasso var 72 år gammel da; Jacqueline var 27. Han malte henne mer enn noen annen kvinne i sitt liv: over 400 ganger på bare 20 år. Et slående eksempel på denne besettelsen er Jacqueline med blomster (1954).
Pablo Picasso - Jacqueline med blomster, 1954. Musée Picasso, Paris, Frankrike. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York
I dette portrettet forlater Picasso de myke kurvene til sine tidligere elskerinner til fordel for en stiv, hieratisk stil. Jacqueline er avbildet med en langstrakt hals og brede, stirrende øyne (hennes signaturtrekk), som ligner en moderne Sfinks. Malingen er påført med en ny følelse av hastverk og fart, som varsler den rå, "utviklingsløse" stilen fra hans siste år. På den tiden avfeide kritikere disse sene verkene som klotter fra en senil gammel mann; i dag blir de anerkjent som forløpere til Neo-ekspresjonismen, feiret for sin villskap og frihet.
I sine portretter av Jacqueline sluttet Picasso å prøve å være "perfekt." Han malte med en rå, grafisk hastighet, og prioriterte det umiddelbare inntrykket av bildet over raffinert teknikk.
Samtidskunstner Tommaso Fattovich kanaliserer denne samme frenetic energien. Selv om han er rent abstrakt, deler hans "Abstract Punk"-komposisjoner den strukturelle tettheten og grafiske kraften i Picassos sene portretter. Fattovich bygger bildene sine raskt, lag på lag, og skaper en sentral "tilstedeværelse" på lerretet som føles nesten figurativ i sin tyngde. Som Picassos obsessive gjentakelse av Jacquelines ansikt, drives Fattovichs arbeid av et tvangsmessig behov for å merke lerretet, noe som resulterer i kunst som føles mindre som et bilde og mer som en plutselig, ubestridelig hendelse.
Tommaso Fattovich - Wild Strawberry - 2025 - ©kunstneren
En arv uten ende
Picasso sa en gang, "Kunst er ikke anvendelsen av en skjønnhetskanon, men det instinktet og hjernen kan forestille seg utover enhver kanon." Denne ustoppelige drivkraften til å gå utover, å bryte opp figuren, å demontere perspektivet, å male det ubevisste, er hans sanne arv. Den tok ikke slutt med hans død i 1973. Den spredte seg, og utviklet seg til nye former og nye spørsmål.
De samtidskunstnerne som vises sammen med disse mesterverkene, fra Eric Cruikshank’s atmosfæriske monokromer til Tommaso Fattovich’s punk-energi, er bevis på denne levende arven. De minner oss om at kunsthistorien ikke er en serie lukkede kapitler, men en kontinuerlig, åpen samtale. Enten det er gjennom stillheten i en enkelt farge eller kaoset i en ødelagt overflate, er oppfinnelsens ånd som definerte Picassos århundre levende og godt i vårt.
Av Phillip Barcio (2016) Redigert av Francis Berthomier (2026).
Utvalgt bilde: Pablo Picasso - Le Rêve (Drømmen), 1932. Oljemaleri på lerret. 130 cm × 97 cm. Privat samling. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York. Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål
Relaterte kunstverk
