Tre mestere av fargen blå i samtidskunst

Når du ser fargen blå, hva føler du da? Vil du beskrive det som noe annet enn det du føler når du hører ordet blå, eller leser ordet blå på en side? Er informasjonen som formidles av en fargetone annerledes enn informasjonen som formidles av navnet? Uansett hva du føler, er det mulig at følelsen er universell? Eller betyr fargen blå forskjellige ting for forskjellige mennesker? Og hva med dyr? Knytter de farge til følelser, eller bruker de fargemottakerne sine bare for å overleve? Disse spørsmålene har forvirret fargestudenter i århundrer, og på noen måter er vi ikke nærmere å svare på dem i dag enn vi var for hundre år siden. Men en bok nylig utgitt av Phaidon Press tar oss litt nærmere en forståelse av farge, i det minste slik det gjelder kunst. Skrevet av Stella Paul, en tidligere kurator ved Los Angeles County Museum of Art og tidligere programleder ved Metropolitan Museum of Art i New York, fremhever Chromaphilia: The Story of Color in Art 240 individuelle kunstverk. Ikke bare kaster hennes grundige utforskning av farge nytt lys over de utallige måtene ti distinkte fargekategorier har blitt brukt av kunstnere gjennom historien, den utforsker også hvordan farge krysser med vitenskap, følelser, estetikk og andre områder av menneskelig kultur. I dag ønsker vi å ta en nærmere titt på arbeidet til noen av kunstnerne Paul nevner i boken for å illustrere bredden og kraften til fargen blå: Helen Frankenthaler, Pablo Picasso og Yves Klein.

Å se farge

En av de merkelige tingene med farge er hvor ofte to personer kan se på det samme objektet samtidig på samme sted og likevel hevde at objektet de ser på har en annen farge. Vi undrer oss, «Hvordan kan det være? Er ikke farge objektiv?» Men det korte svaret er nei. Farge er ofte subjektiv. Årsaken har noe å gjøre med vitenskapen bak hvordan mennesker ser farge. Mennesker (og de fleste andre dyr som ser farge) er trikromater. Det betyr at mottakerne i menneskeøyne oppfatter tre grunnleggende bølgelengder som tilsvarer farge. Du har kanskje hørt om RGB-fargemodellen som brukes av noen skrivere. Initialene RGB står for Rød, Grønn og Blå. Det er fargemodellen som mest tilsvarer menneskelig syn. Selvfølgelig er ikke rød, grønn og blå de eneste fargene menneskeøyne kan oppfatte. Faktisk kan de fleste mennesker oppfatte så mange som syv millioner distinkte nyanser. Men hver av disse forskjellige nyansene tolkes i hjernen etter at øynene først har oppfattet den som en kombinasjon av rød, grønn og blå.

I tillegg har ikke fargen vi oppfatter et objekt å være bare med objektet selv å gjøre. Ja, vi kunne analysere materialet et objekt er laget av og komme til en viss forståelse av hvilken farge det materialet sannsynligvis har basert på dets kjemiske sammensetning. Men den kjemiske sammensetningen av et stoff er ikke den eneste faktoren som avgjør hvilken farge vi oppfatter det som. Grunnen til at mennesker kan oppfatte farge i det hele tatt, er på grunn av lys. Og lys kan også være farget, i så fall kan det endre fargen øynene våre ser når de ser på en overflate. Videre kan ett sett øyne også være mer følsomt, eller bare annerledes følsomt, for lys enn et annet sett øyne, noe som gjør at måten to hjerner tolker farge på også kan være forskjellig. I bunn og grunn kan det samme som gjør at vi ser farge også endre vår oppfatning av farge. Derfor kan det noen ganger virke som om det å snakke om farge er subjektivt, og å krangle om hvilken farge noe har kan virke direkte tåpelig.

Helen Frankenthaler - Moveable Blue, 1973, akryl på lerret, © 2014 Helen Frankenthaler Foundation, Inc, Artists Rights Society (ARS), New York

Fargen blå

Likevel varierer ikke de forskjellene folk ser når de ser på noe som har en bestemt farge vanligvis så dramatisk som for eksempel at én person ser rødt og en annen ser blått. Vanligvis er variasjonen mer subtil, som at én person ser himmelblått og en annen ser akvamarin. Men det som kan variere mye, er bredden av andre ting hjernene våre oppfatter når vi ser på en bestemt farge, utover dens fysiske egenskaper. Som åpningssetningen i kapitlet om fargen blå i Chromaphilia: The Story of Color in Art påpeker, «Det finnes mange slags blått – alle samme nyanse, men med utallige variasjoner i utseende, virkning, opprinnelse og mening.»

Utseende har vi allerede dekket. Men det morsomme begynner virkelig når vi vurderer «virkning, opprinnelse og mening.» Når det gjelder virkning, kan én person se fargen blå og bli rolig. En annen kan bli trist ved synet av noe blått. Mye av hvordan vi reagerer på farge har å gjøre med våre tidligere erfaringer med fargen. Opprinnelse er en annen fascinerende betraktning, siden hver variasjon av fargen blå kommer fra en grunnleggende forskjellig blanding av elementer. Variasjoner i blått malingspigment kan komme fra forskjellige kombinasjoner av bindemidler og mineraler. Variasjoner i blått lys kan ha å gjøre med forskjellige partikler i luften. Og når det gjelder mening, er det der ting virkelig blir kompliserte. Hver enkelt, hver gruppe og hver kultur utvikler sitt eget særegne forhold til fargen blå. Derfor, når man bruker fargen blå i et kunstverk, er det bokstavelig talt umulig å vite hvilken slags mening som vil bli oppfattet når kunstverket endelig blir sett. For å utforske hvor ville variasjonene mellom oppfatningen av blått kan være i kunsten, kan man se på arbeidet til de tre kunstnerne nevnt i Chromaphilia: The Story of Color in Art: Yves Klein, Helen Frankenthaler og Picasso.

Pablo Picasso - Mor og barn, 1902, olje på lerret

Blått i Yves Kleins verk

Når det gjelder kunst fra 1900-tallet og fargen blå, er det ingen kunstner som raskere dukker opp i de fleste sinn enn Yves Klein. Legenden sier at som ung mann hang Klein på stranden med vennene sine, kunstneren Arman og den franske komponisten Claude Pascal. De delte verden mellom seg. Arman valgte jorden. Pascal valgte skrevne symboler. Og Klein valgte himmelen, og rakte straks opp hånden og signerte navnet sitt i luften. Fra det øyeblikket ble farge viktig for Klein. En av hans tidligste utstillinger viste monokromatiske lerreter malt i ulike rene farger. Men da publikum ikke forsto hva han prøvde å uttrykke, innså han at han måtte forenkle og bruke bare én farge for å få fram poenget sitt. Han startet dermed en prosess med å utvikle sin egen signaturnyanse.

Som Stella Paul forklarer i Chromaphilia: The Story of Color in Art: «[Klein] arbeidet med Edouard Adam, en fargehandler i Paris som konsulterte med kjemikere hos Rhone-Poulenc, for å lage et syntetisk bindemiddel... Resultatet var Rhodopas M60A, som kunne tynnes til ulike viskositetsnivåer med etanol og etylacetat. Dette bindemiddelet bevarer pigmentets magiske glød...Klein bestilte sin egen spesialtilpassede syntetiske maling med dette nye bindemiddelet, som han patenterte som IKB (International Klein Blue); fra 1957 brukte han dette pigmentet nesten utelukkende.» Klein brukte International Klein Blue til å lage sine ikoniske monokromatiske blå lerreter og flere monumentale offentlige installasjoner. Han brukte det også til å lage noen av sine mest innflytelsesrike verk: performance-stykker der nakne modeller dekket seg med IKB og deretter presset kroppene sine i ulike konfigurasjoner mot lerretene.

Yves Klein - Anthropométrie de l' époque bleue, 1960, © Yves Klein Archives

Blått i Helen Frankenthalers verk

Den abstrakte maleren Helen Frankenthaler var en annen mesterlig forkjemper for fargen blå på 1900-tallet. Frankenthaler oppfant en maleteknikk kalt soak-stain. Teknikken innebærer å helle maling direkte på overflaten av ugrunnede, ustrukne lerreter som ligger på gulvet, og deretter la malingen trekke inn i fibrene og spre seg over overflaten av seg selv. Frankenthaler utførte opprinnelig denne teknikken med oljemaling, men lærte snart at oljemaling raskt ødelegger rått lerret. Hun ble derfor en tidlig forkjemper for akrylmaling, som ikke har samme nedbrytende effekt på lerret. Det akrylmaling har, derimot, er livfulle, lysende egenskaper når det gjelder fargetone. Ved å helle ulike rene nyanser direkte på lerretene kunne Frankenthaler styre malingsstrømmene på måter som utforsket fargerelasjoner på nye måter, uten konseptuell innblanding fra elementer som linje, form, tekstur eller figur.

I Chromaphilia: The Story of Color in Art gir Stella Paul særlig oppmerksomhet til maleriet Mountains and Sea, som Helen Frankenthaler malte i 1952. Det regnes som det første lerretet Frankenthaler laget med sin soak-stain-teknikk. Paul sier om verket: «Etter å ha kommet tilbake til New York-studioet sitt fra et opphold i Nova Scotia, husket Frankenthaler senere at hun hadde internalisert det kanadiske landskapet, som ikke bare hadde festet seg i hennes sinn, men også i skulderen og håndleddet hennes. Med dette bakteppet av sinn og kropp skapte hun en lyrisk, pastoral abstraksjon for å fremkalle et minne om et sted gjennom farge.» Frankenthaler konseptualiserte prosessen med å helle malingen som en måte å oversette noe internalisert i kroppen hennes til noe eksternalisert på lerretet. Maleriet bruker nesten utelukkende nyanser av rødt, grønt og blått, hvor de ulike blåtonene skiller seg mest ut som en abstrakt, snarere enn figurativ, fremstilling av havet.

Helen Frankenthaler - Blue Current (Harrison 134), 1987, © 2014 Helen Frankenthaler Foundation, Inc, Artists Rights Society (ARS), New York

Blått i Picassos verk

Farge var av største betydning for Pablo Picasso, spesielt i de tidlige fasene av hans karriere som kunstner. Ofte klassifiseres hans arbeid fra denne tiden etter farge, som i hans Roseperiode og hans Blåperiode. Disse klassifiseringene har åpenbart noe å gjøre med de dominerende pigmentene han brukte i maleriene sine på den tiden, men de relaterer seg også til omstendighetene i hans personlige liv, som angivelig påvirket motivene han valgte å skildre med disse ulike nyansene. Hans Roseperiode, for eksempel, varte omtrent fra 1904 til 1906. Den sammenfalt med begynnelsen av hans forhold til hans elskerinne Fernande Olivier, og hans flytting til Montmartre-området i Paris. Arbeidet hans fra Roseperioden besto av glade bilder av ting som harlekin og sirkus. Det var på slutten av Roseperioden at Picasso malte sitt banebrytende verk, det rosa-tonede Les Demoiselles d’Avignon, som ofte regnes som forløperen til kubismen.

Blåperioden for Picasso kom før Roseperioden, og varte omtrent fra 1901 til 1904. Det var en tid i hans liv preget av bevissthet om depresjon og sorg. Picasso uttalte en gang: «Jeg begynte å male i blått da jeg fikk vite om Casagemas’ død.» Uttalelsen viser til hans kjære venn Carlos Casagemas, som skjøt seg i hodet på en kafé i Paris mens Picasso var ute av byen. Da Picasso kom tilbake til Paris, bodde og arbeidet han i Casagemas’ studio, hvor han begynte å male nesten monokromatiske komposisjoner i blått. Som Stella Paul påpeker i Chromaphilia: The Story of Color in Art, «Den gjennomtrengende blåfargen i The Old Guitarist er den materielle uttrykksformen for noe trist, utstøtt og marginalisert. En skumringsstemning av lavt humør kastes over motivets unaturlige blåfargede hud, klær og det omgivende rommet. De kantete bevegelsene og de forlengede lemmer og trekkene til denne nedstemte, blinde musikeren forsterker inntrykkene som etableres av den insisterende blå fargen.» Men som vi kan se fra disse tre eksemplene, Yves Klein, Helen Frankenthaler og Pablo Picasso, formidler ikke blått alltid tristhet, like lite som det alltid refererer til himmelen eller havet. Det potensielle spekteret av nyanser vi mener når vi sier blått, virker uendelig. Likeledes er det potensielle spekteret av følelser, stemninger, sammenhenger og betydninger vi kan hente ut av fargen like stort.

Pablo Picasso - Frokost for en blind mann, 1903, olje på lerret

Forsidebilde: Yves Klein - Untitled Blue Monochrome, 1960, foto © Yves Klein Archive
Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål
Av Phillip Barcio