Tre mestere av fargen blå i samtidskunst

Når du ser fargen blå, hva føler du? Ville du beskrevet det som noe annet enn det du føler når du hører ordet blå, eller leser ordet blå på en side? Er informasjonen som formidles av en nyanse forskjellig fra informasjonen som formidles av navnet? Uansett hva du føler, er det mulig at følelsen er universell? Eller betyr fargen blå forskjellige ting for forskjellige mennesker? Og hva med dyr? Knyter de farge til følelser, eller bruker de sine fargemottakere kun for overlevelse? Disse spørsmålene har mystifisert studenter av farge i århundrer, og på noen måter er vi ikke nærmere å svare på dem i dag enn vi var for hundre år siden. Men en bok nylig publisert av Phaidon Press tar oss litt nærmere en forståelse av farge, i det minste når det gjelder kunst. Skrevet av Stella Paul, en tidligere kurator ved Los Angeles County Museum of Art og tidligere programdirektør ved Metropolitan Museum of Art i New York, Chromaphilia: The Story of Color in Art fremhever 240 individuelle kunstverk. Ikke bare kaster hennes omfattende utforskning av farge nytt lys over de utallige måtene ti distinkte fargekategorier har blitt brukt av kunstnere gjennom historien, men den utforsker også spekteret av måter farge krysser med vitenskap, følelser, estetikk og andre områder av menneskelig kultur. I dag ønsker vi å ta en dypere titt på arbeidet til noen av kunstnerne Paul nevner i boken for å illustrere spekteret og kraften til fargen blå: Helen Frankenthaler, Pablo Picasso og Yves Klein.

Å se farge

En av de merkelige tingene med farge er hvor ofte to personer kan se på det samme objektet samtidig på samme sted og fortsatt hevde at objektet de ser på har en annen farge. Vi lurer på, “Hvordan kan det være? Er ikke farge objektiv?” Men det korte svaret er nei. Farge er ofte subjektiv. Årsaken har noe å gjøre med vitenskapen bak hvordan mennesker ser farge. Mennesker (og de fleste andre dyr som ser farge) er trikromater. Det betyr at reseptorene i menneskers øyne oppfatter tre grunnleggende bølgelengder som tilsvarer farge. Du har kanskje hørt om RGB-fargemodellen som brukes av noen skrivere. Initialene RGB står for Rød, Grønn og Blå. Det er fargemodellen som mest nært tilsvarer menneskelig syn. Åpenbart er ikke rød, grønn og blå de eneste fargene menneskers øyne kan oppfatte. Faktisk kan de fleste mennesker oppfatte så mange som syv millioner distinkte nyanser. Men hver av de forskjellige nyansene tolkes i hjernen etter at øynene først oppfatter den som en kombinasjon av rød, grønn og blå.

I tillegg har fargen vi oppfatter et objekt å være ikke bare med objektet selv å gjøre. Ja, vi kan analysere materialet et objekt er laget av og komme til en viss forståelse av hvilken farge det materialet sannsynligvis har basert på dets kjemiske sammensetning. Men den kjemiske sammensetningen av et stoff er ikke den eneste faktoren som påvirker hvilken farge vi oppfatter det å være. Grunnen til at mennesker i det hele tatt kan oppfatte farge, er på grunn av lys. Og lys kan også være farget, i så fall kan det endre fargen øynene våre ser når de ser på en overflate. Videre kan ett sett med øyne også være mer sensitive, eller bare forskjellig sensitive, for lys enn et annet sett med øyne, noe som gjør at måten to hjerner tolker farge også kan være forskjellig. I bunn og grunn kan det samme som lar oss se farge også endre vår oppfatning av farge. Derfor kan det å snakke om farge noen ganger virke subjektivt, og å krangle om hvilken farge noe er kan virke direkte latterlig.

Helen Frankenthaler - Moveable Blue, 1973, akryl på lerret, © 2014 Helen Frankenthaler Foundation, Inc, Artists Rights Society (ARS), New York

Fargen blå

Likevel varierer ikke de variasjonene forskjellige mennesker ser når de ser på noe som har en bestemt farge, vanligvis så dramatisk som, for eksempel, at en person ser rødt og en annen ser blått. Normalt er variasjonen mer subtil, som at en person ser himmelblått og en annen ser akvamarin. Men det som kan variere mye, er omfanget av andre ting hjernene våre oppfatter når vi ser på en bestemt farge, utover dens fysiske egenskaper. Som åpningssetningen i kapitlet om fargen blå i Chromaphilia: The Story of Color in Art bemerker, “Det finnes mange typer blått - alle med samme nyanse, men med uendelige variasjoner av utseende, effekt, opprinnelse og mening.”

Utseende har vi allerede dekket. Men moroa begynner virkelig når vi vurderer "effekt, opprinnelse og mening." Når det gjelder effekt, kan en person se fargen blå og bli rolig. En annen kan bli trist ved synet av noe blått. Så mye av hvordan vi reagerer på farge har å gjøre med våre tidligere erfaringer med fargen. Opprinnelse er en annen fascinerende betraktning, siden hver variasjon av fargen blå kommer fra en fundamentalt forskjellig blanding av elementer. Variasjoner i blå malingpigmenter kan komme fra forskjellige kombinasjoner av bindemidler og mineraler. Variasjoner i blått lys kan ha å gjøre med forskjellige partikler i luften. Og når det gjelder mening, er det der ting virkelig blir kompliserte. Hver enkelt, hver gruppe og hver kultur utvikler sitt eget idiosynkratiske forhold til fargen blå. Derfor, når man bruker fargen blå i et kunstverk, er det bokstavelig talt umulig å si hvilken type mening som vil bli oppfattet når kunstverket endelig blir sett. For å utforske hvor ville variasjonene mellom oppfatningen av blått kan være i kunst, vurder arbeidet til de tre kunstnerne nevnt i Chromaphilia: The Story of Color in Art: Yves Klein, Helen Frankenthaler og Picasso.

Pablo Picasso - Mor og barn, 1902, olje på lerret

Blått i verkene til Yves Klein

Når det gjelder kunst fra 20. århundre og fargen blå, er det ingen kunstner som raskere dukker opp i de fleste sinn enn Yves Klein. Legenden sier at da han var ung, hang Klein på stranden med vennene sine, kunstneren Arman og den franske komponisten Claude Pascal. De tre delte verden mellom seg. Arman valgte jorden. Pascal valgte skrevne symboler. Og Klein valgte himmelen, og hevet straks hånden opp og signerte navnet sitt i luften. Fra det øyeblikket var farge viktig for Klein. En av hans tidligste utstillinger inneholdt monokromatiske lerret malt i ulike rene farger. Men da publikum ikke forsto hva han prøvde å uttrykke, innså han at han måtte forenkle, og bruke bare én farge for å få frem poenget sitt. Han begynte dermed på en prosess med å utvikle sin egen signaturfarge.

Som Stella Paul forklarer i Chromaphiliaa: The Story of Color in Art: “[Klein] jobbet med Edouard Adam, en parisisk fargeleverandør som konsulterte med kjemikere hos Rhone-Poulenc, for å lage en syntetisk bindemiddel... Resultatet var Rhodopas M60A, som kunne tynnes til ulike viskositetsnivåer med etanol og etylacetat. Dette bindemidlet bevarer den magiske luminescensen til pigmentet...Klein bestilte sin egen tilpassede syntetiske maling ved hjelp av dette nye bindemidlet, som han patenterte som IKB (International Klein Blue); fra 1957 og fremover brukte han dette pigmentet nesten utelukkende.” Klein brukte International Klein Blue til å lage sine ikoniske monokromatiske blå lerret og flere monumentale offentlige installasjoner. Han brukte det også til å skape det som ble noen av hans mest innflytelsesrike verk: performance-stykker der nakne modeller dekket seg selv med IKB og deretter presset kroppene sine i ulike konfigurasjoner mot lerret.

Yves Klein - Anthropométrie fra den blå epoken, 1960, © Yves Klein Arkiv

Blå i verkene til Helen Frankenthaler

Den abstrakte maleren Helen Frankenthaler var en annen mesterlig, 20. århundre forkjemper for fargen blå. Frankenthaler var oppfinneren av en maleteknikk kalt soak-stain. Teknikken innebærer å helle maling direkte på overflaten av uprimet, ustrekt lerret som er spredd ut på gulvet, og deretter la malingen suge inn i fibrene og spre seg over overflaten av seg selv. Frankenthaler utførte opprinnelig denne teknikken med oljemaling, men lærte snart at oljemaling raskt nedbryter rått lerret. Hun ble dermed en tidlig forkjemper for akrylmaling, som ikke har den samme nedbrytende effekten på lerret. Det akrylmaling derimot har, er levende, lysende kvaliteter når det gjelder nyanse. Ved å helle forskjellige rene nyanser direkte på lerretene sine, kunne Frankenthaler styre malingsstrømmene på måter som utforsket fargeforhold på nye måter, uten konseptuell innblanding fra elementer som linje, form, tekstur eller form.

I Chromaphilia: The Story of Color in Art legger Stella Paul særlig vekt på maleriet Mountains and Sea, som Helen Frankenthaler malte i 1952. Det regnes som det første lerretet Frankenthaler laget ved å bruke sin soak-stain-teknikk. Paul sier om verket: “Etter å ha returnert til studioet sitt i New York etter et opphold i Nova Scotia, husket Frankenthaler senere at hun hadde internalisert det kanadiske landskapet, som hadde blitt forankret ikke bare i tankene hennes, men også i skulderen og håndleddet hennes. Med den bakgrunnen av sinn og kropp, skapte hun en lyrisk, pastoral abstraksjon for å kalle frem et minne om et sted gjennom farge.” Frankenthaler konseptualiserte prosessen med å helle malingen som en måte å oversette noe internalisert i kroppen hennes til noe eksternalisert på lerretet. Maleriet bruker nesten utelukkende nyanser av rødt, grønt og blått, hvor de ulike nyansene av blått skiller seg mest ut som en abstrakt, snarere enn figurativ, manifestasjon av havet.

Helen Frankenthaler - Blue Current (Harrison 134), 1987, © 2014 Helen Frankenthaler Foundation, Inc, Artists Rights Society (ARS), New York

Blått i Picassos verk

Farge var av største betydning for Pablo Picasso, spesielt i de tidlige fasene av hans karriere som kunstner. Ofte blir verkene hans fra denne tiden klassifisert etter farge, som i hans Roseperiode og hans Blå periode. Disse klassifiseringene har åpenbart noe å gjøre med de dominerende pigmentene han brukte i maleriene sine på den tiden, men de relaterer seg også til omstendighetene i hans personlige liv, som angivelig påvirket emnene han valgte å skildre med disse forskjellige nyansene. Hans Roseperiode, for eksempel, strakte seg omtrent fra 1904 til 1906. Den sammenfalt med begynnelsen av hans forhold til kjæresten Fernande Olivier, og hans flytting til Montmartre-området i Paris. Verkene hans fra Roseperioden besto av glade bilder av ting som harlekinere og sirkuser. Det var på slutten av hans Roseperiode at Picasso malte sitt banebrytende verk, det rosa-hued Les Demoiselles d’Avignon, som ofte blir nevnt som forgjengeren til kubismen.

Den blå perioden for Picasso foregikk før hans rosa periode, og strakte seg fra omtrent 1901 til 1904. Det var en tid i hans liv preget av en bevissthet om depresjon og tristhet. Picasso uttalte en gang: "Jeg begynte å male i blått da jeg fikk vite om Casagemas' død." Bemerkningen refererer til hans kjære venn Carlos Casagemas, som skjøt seg selv i hodet på en kafé i Paris mens Picasso var ute av byen. Da Picasso kom tilbake til Paris, bodde og arbeidet han i Casagemas' studio, hvor han begynte å male nesten monokromatiske komposisjoner i blått. Som Stella Paul påpeker i Chromaphilia: The Story of Color in Art, "The pervasive blue of The Old Guitarist is the material expression of something sad, disenfranchised, and marginal. A twilight mood of low spirits is cast over the subject's unnatural blue-tinted flesh, his garments, and the ambient encompassing space. The angular gestures and attenuated limbs and features of this downcast, blind musician reinforce impressions established by the insistent blue color.” Men som vi kan se fra disse tre eksemplene, av Yves Klein, Helen Frankenthaler og Pablo Picasso, kommuniserer ikke blått alltid tristhet, ikke mer enn det alltid refererer til himmelen eller havet. Det potensielle spekteret av nyanser som vi refererer til når vi sier blått er tilsynelatende uendelig. I tillegg er det potensielle spekteret av følelser, følelser, kontekster og betydninger vi kan lokke frem fra fargen like stort.

Pablo Picasso - Frokost for en blind mann, 1903, olje på lerret

Fremhevet bilde: Yves Klein - Uten tittel Blå Monokrom, 1960, foto © Yves Klein Arkiv
Alle bilder er kun brukt til illustrasjonsformål.
Av Phillip Barcio