Artikkel: Geometrisk Abstraksjon: IKKE Enda en heroisk fortelling om Malevich og Mondrian
Geometrisk Abstraksjon: IKKE Enda en heroisk fortelling om Malevich og Mondrian
Hvorfor rette linjer fortsatt betyr noe
Geometrisk abstraksjon er en av de kunsthistoriene alle tror de kjenner. Noen få firkanter av Malevich, en Mondrian i primærfarger, litt Op Art som gjør øynene dine vonde, og så skal historien visstnok slutte. I de fleste museumsforklaringer og generelle bøker fremstår den som en lineær, heroisk og noe streng fortelling: en liten gruppe pionerer gjør en rekke gjennombrudd, hver enkelt pent ledende til den neste, inntil kapitlet avsluttes.
Likevel antyder vedvarende bruk av rette linjer, rutenett og kodede strukturer i samtidsmaling, skulptur og digitalt arbeid noe annet. Geometri er ikke et lukket kapittel; det er et levende språk som kunstnere stadig lærer på nytt, utfordrer og bøyer til nye formål. I stedet for å gjenta den lineære heltenarrativen, følger denne artikkelen et sett spenninger som går gjennom geometrisk abstraksjon fra tidlig 1900-tall til i dag: åndelig vs. rasjonell, utopisk vs. ironisk, hånd vs. kode.
(Og for dere som kun er her for den grunnleggende, og la oss være ærlige, noe kjedelige historien om Geometrisk Abstraksjon, føl dere fri til å bla rett til FAQ nederst på denne siden: den dekker lærebokversjonen perfekt!)
Åndelige firkanter og ikke-objektiv tro
På begynnelsen av 1900-tallet var ikke geometri det rene, sekulære designverktøyet vi tenker på i dag. Det var dypt merkelig. For kunstnere som Wassily Kandinsky og Kazimir Malevich var geometri et redskap for det okkulte. Sterkt påvirket av Teosofi og ideen om at "tankeskjemaer" kunne være synlige, så de trekanten og sirkelen ikke som former, men som kondenserte dramaer av krefter.
Da Malevich malte sitt Svart Kvadrat, var det ikke en formalistisk øvelse; han kalte det en "bar, rammeløs ikon" for en ny religion. Forpliktelsen var total: da han døde i 1935, ble et Svart Kvadrat montert på panseret av lastebilen som fraktet kisten hans, som et regimentflagg. Denne linjen, hvor den harde kanten tjener den myke ånden, vedvarer. Det handler ikke om matematikk; det handler om pust.
C63 av Elizabeth Gourlay (2022)
Vi ser denne arven i arbeidet til den avdøde Elizabeth Gourlay (1961–2024). Hennes praksis handlet aldri om linjens rigiditet, men om dens resonans. Akkurat som de tidlige pionerene som søkte en visuell musikk, fungerte Gourlays komposisjoner som partitur. Men der Malevich søkte et radikalt nullpunkt, fant Gourlay en meditativ akkumulering, ved å bruke subtile skift i farge og tone for å skape en geometri som føltes vokst snarere enn bygget, en "graf over en sinnstilstand" snarere enn en blåkopi.
Utopier i primærfarger og konkret kunst
En annen tro oppsto med De Stijl og konstruktivismen, og senere med konkret kunst. Her var rutenettet ikke et vindu inn i sjelen, men en modell for et bedre samfunn. Det avgjørende øyeblikket kom da Theo van Doesburg publiserte sitt Manifest for konkret kunst i 1930, og erklærte at "ingenting er mer virkelig enn en linje, en farge, en flate." Ideen var radikal: et abstrakt maleri abstraherer fra virkeligheten (som et forenklet tre), men et konkret maleri er sin egen virkelighet. Det lyver ikke.
Denne jakten på en kunst av absolutt klarhet, fri for følelsenes rot, skapte en spesiell form for stille intensitet. Denne atmosfæren er håndgripelig ved Musée d’Art Concret i Mouans-Sartoux, et sted vi hos IdeelArt ofte besøker. Det minner oss om at denne spesifikke formen for abstraksjon tilbyr en fysisk opplevelse av fred, et tilfluktssted for logikk i en kaotisk verden.
XXIV 33 212 (Diptych) av Pierre Muckenstürm (2024)
Den følelsen av "konkret" stabilitet er sentral for Pierre Muckensturm. Han prøver ikke å uttrykke en flyktig følelse; han konstruerer et objekt. Ved å organisere sine lerreter rundt nøye kalibrerte intervaller og vekter, skaper han en stillhet som føles uunngåelig. Det er en samtidsfortsettelse av det konkrete løftet: at et perfekt balansert bilde kanskje kan fremkalle et balansert sinn.
Rutenettet, byen og tegnet
Etter hvert som århundret skred frem, migrerte rutenettet fra en utopisk blåkopi til noe mer ambivalent. Det begynte å ligne på gitteret i et fengsel, eller oppsettet i et regneark. På 1980-tallet tolket Neo-Geo-bevegelsen, ledet av kunstnere som Peter Halley, firkanten ikke som et åndelig tomrom, men som en "celle"—som refererer både til biologiske celler og fengselsceller, koblet sammen av "ledninger" i moderne infrastruktur.
Large Test Pattern 3 av Tom McGlynn (2002)
Den geometriske kunstneren i dag fungerer ofte som en dekoder av dette urbane landskapet. Vi er omgitt av instruksjonsgrafikk, t-banekart og advarselsskilt. Tom McGlynn opererer i dette språket. Han behandler byens visuelle støy - butikkvinduer, skilt, logoer - som rådata, og fjerner det kommersielle budskapet for å etterlate bare den skjelettaktige syntaksen i det urbane miljøet.
Enchantment Hurdu av Philippe Halaburda (2020)
På samme måte kartlegger Philippe Halaburda en annen type territorium. Hans "psykogeografier" ser ut som hektiske transitkart eller eksploderte kretskort, og fanger de usynlige strømningene av data og bevegelse som definerer livene våre. Der Mondrian malte boogie-woogie på New Yorks rutenett, maler samtidskunstnere overbelastningen i servergården.
Persepsjon: Når øyet feiler
Hvis tidlig abstraksjon var seriøs, brakte midten av århundret en "hack" til det menneskelige operativsystemet: Op Art. Da MoMA åpnet utstillingen "The Responsive Eye" i 1965, var reaksjonen visceral: noen besøkende besvimte faktisk eller rapporterte kvalme! Kunstverket bare satt ikke der; det gjorde noe med deg. Kunstnere som Bridget Riley beviste at en statisk overflate kunne generere bevegelse, ikke gjennom magi, men gjennom synets fysiologi.
Mareas av Christina Ghetti (2024)
Samtidskunstnere har beveget seg bort fra det aggressive "angrepet" på netthinnen mot mer subtile vibrasjoner. Cristina Ghetti bruker moaré-effekten, interferensmønstrene som skapes av overlappende rutenett, men senker tempoet. I stedet for den svimlende vertigoen fra 60-tallet, tilbyr hennes verk en taktil summing, en visuell frekvens som inviterer betrakteren til å justere fokuset. Det handler mindre om å lure øyet enn å teste dets grenser, og skape et rom der digitale feil møter det malte lerretet.
Geometriske harmonier: Algoritmen før datamaskinen
Lenge før generativ AI brukte geometriske kunstnere algoritmer. Sol LeWitt skrev berømt: "Ideen blir en maskin som lager kunsten." Kunstnerens jobb var å skrive koden (reglene); utførelsen var sekundær. Dette knytter seg til Oulipo-gruppen i litteraturen: forfattere som mente at strenge begrensninger (som å skrive en roman uten bokstaven 'e') tvang fram større kreativitet.
Dawn Light Skew 2 av Debra Ramsay (2023)
I dag er denne "algoritmiske" tilnærmingen standard, enten datamaskinen er involvert eller ikke. Debra Ramsay fungerer som en menneskelig datalogger. Hun sporer endringer i naturlige miljøer – de skiftende fargene til et bestemt tre over et år – og oversetter disse dataene til strenge systemer av linjer. Resultatet er et maleri som ser abstrakt ut, men som faktisk er et spesifikt datasett av tid og lys.
Untitled 2023 (Black-Purple) (Left) & Untitled 2023 (Red-White) av Jasper van der Graaf (2023)
Vi ser en lignende strenghet i Jasper van der Graaf, hvis verk dekonstruerer selve begrepet mønster. Ved å flytte og kombinere geometriske moduler skaper han en visuell rytme som føles som et språk vi nesten forstår. Det er systemets skjønnhet: tilfredsstillelsen av å se matematikken gå opp, selv om ligningen forblir skjult.
Strenghet og Rampestreker: Å bryte rutenettet
Det finnes en misforståelse om at geometrisk kunst er humørløs. Men det finnes en lang tradisjon for "eksentrisk abstraksjon." Tenk på François Morellet, som bestemte kurvene i sine malerier ved hjelp av sifrene i Pi, eller Heimo Zobernig, som bruker rutenettet med en bevisst, ironisk slurv. Geometri kan være et spill, en måte å sette opp en regel bare for gleden av å bryte den.
12 Shapes av Dana Gordon (2024)
Dana Gordon Dana Gordon opererer i denne sonen av organisert overflod. Hans malerier er bygget opp av tette, rytmiske klynger av former som antyder et rutenett uten å være fanget av det. Det er en form for geometrisk improvisasjon—litt som jazz—der strukturen gir en takt, men farge og merking er fri til å improvisere og vandre. Resultatet er en "løs geometri" som føles levende og konsekvent leken snarere enn kalkulert.
Red Frames av Daniel Göttin (2019, Amsterdam, permanent installasjon)
I det tredimensjonale riket tar Daniel Göttin denne lekenheten inn i den virkelige verden. Han bruker industrielle materialer, tape, tre, metall, for å gripe inn i arkitektoniske rom. Han følger strenge regler, men resultatet bestemmes av uregelmessighetene i rommet: en ventil, et hjørne, et vindu. Det er en dialog mellom den platoniske idealen om kvadratet og den rotete virkeligheten på utstillingsveggen.
Bortenfor den flate overflaten: Voldsom geometri
"Det du ser er det du ser," sa Frank Stella, og insisterte på at et maleri bare er et objekt, ikke et vindu. Dette førte til at kunstnere brøt rektangelet helt. Den samtidskunstneren Angela de la Cruz tar berømt det geometriske monokromet og bryter strammebjelkene, og krøller maleriet til et skulpturelt vrak.
Bulge av Holly Miller (2007)
Selv om mindre voldelige, er mange kunstnere i dag like engasjert i ideen om at geometri må unnslippe det flate planet. Holly Miller erstatter den malte linjen med fysisk tråd, og syr direkte gjennom lerretet. "Linjen" er ikke lenger en representasjon; det er en fysisk spenning som kaster en ekte skygge.
Brand New Day av Tom Henderson (2018)
På samme måte beveger Tom Henderson seg inn i det industrielle finish-området, ved å bruke Plexiglas og olje for å skape veggskulpturer som fanger lys og refleksjon, og endrer seg når betrakteren beveger seg. Og Louise Blyton utfordrer de vanlige fire hjørnene i maleri med sine formede lerreter og rå lin, og myker opp den harde kanten gjennom teksturen av naturlig materiale. De minner oss om at geometri ikke bare er et mentalt konsept; det er en ting i verden, med vekt, tekstur og konsekvens.
Inside and Outside av Louise Blyton (2020)
Konklusjon: Å leve med systemer
Vi lever omgitt av geometrier vi ikke valgte: byplaner, grensesnitt, logistiske nettverk. Geometrisk abstraksjon speiler ikke bare disse systemene; den tilbyr et rom for å undersøke dem, bremse dem eller forestille seg alternativer.
Enten gjennom de meditative partiturene til Elizabeth Gourlay eller den urbane dekodingen til Tom McGlynn, beviser disse kunstnerne at geometri ikke er et bur. Det er et språk. Og utfordringen nå er ikke å gjenta kanonen, men å se hvordan disse formene fortsatt kan tale i en verden hvor geometri har blitt både vårt habitat og vår begrensning.
