Carmen Herrera: Synslinjer
Kosmologer sier at når vi ser ut i verdensrommet, ser vi tilbake i tid. Galaksene vi ser gjennom teleskoper, finnes kanskje ikke engang lenger. Men betyr det noe for lyset? Det er her nå for å hjelpe oss å se. Hvorfor gjøre ting mer komplisert? Carmen Herrera er en som tror på enkelhet. Som kunstner har hun mye til felles med kosmisk lys. Hun begynte å male på 1930-tallet, men solgte ikke sitt første kunstverk før hun var 89 år, til tross for at hun var knyttet til noen av de mest kjente og innflytelsesrike kunstnerne på 1900-tallet. Nå, som 101-åring, nyter hun sin første museumsretrospektiv på Whitney Museum i New York. Utstillingen, med tittelen Lines of Sight, inkluderer verk som spenner over den tidlige perioden av hennes karriere, fra 1948 til 1978. Ved siden av verkene utforsker en fortelling mulige grunner til at Herrera har tilbrakt mesteparten av sin karriere i nær total anonymitet. Hun var en kvinne født på Cuba i den ideologiske, fordomsfulle, hvite mannsdominerte kunstverdenen i fortiden. Men mens noen elementer av den fortellingen er ubestridelige, tar historien kraften bort fra en selvsikker, talentfull kunstner. En enklere forklaring er at Carmen Herrera rett og slett valgte sin egen tid, som er nå. Vi velger å bare la lyset hennes lyse opp for oss, uansett hvor lenge det har reist for å komme hit eller hva som sto i veien.
Overflatefortolkninger
Det mest slående inntrykket når man går gjennom Lines of Sight er forvandlingen som er tydelig i verkene gjennom utstillingens forløp. Verkene er arrangert i omtrent kronologisk rekkefølge, noe som lar betraktere vurdere den formelle og konseptuelle utviklingen Herrera opplevde gjennom årene. Fra et materiell perspektiv ser vi at Herrera begynte å male på grovt jute. Det krever mye maling for å dekke de store hullene i en juteoverflate. I tillegg til deres abstrakte kvaliteter, har malerier som A City, malt i 1948, og Siete, malt i 1949, en rå, følelsesladet, malerisk kvalitet på grunn av overflatenes fysiskhet og materialitet.
Også tydelig i disse tidlige maleriene er måten Herrera brukte lerretet på sammenlignet med hvordan hun arbeidet senere i karrieren. Malerier som Field of Combat inneholder et relativt mangfold av former og farger sammenlignet med hennes senere verk. Flere av verkene hennes fra slutten av 1940- og tidlig 1950-tall leker med forestillinger om optisk illusjon og symbolikk, og bygger på komplekse visuelle mønstre og systemer. I alle disse tidlige maleriene er det en følelse av at Herrera ser på lerretet som støtten for et bilde, og at bekymringene hun arbeider med, alle er samlet rett der på verkets overflate.
Carmen Herrera - Paris, 1948 - 1954. Utsikt over utstillingen
Et utvidet rom
Under et opphold i Paris utviklet Herrera perspektivet at hun hadde for mange ting som skjedde i maleriene sine. Hun ble interessert i å forenkle arbeidet sitt. Hun begynte å begrense paletten til bare en eller to farger, og hun reduserte dramatisk sitt formspråk. Denne forvandlingen presenteres vakkert som midtpunktet i Lines of Sight, gjennom et utvalg verk fra en serie Herrera laget på 1950-tallet kalt Blanco y Verde. Disse verkene bruker alle fargene grønn og hvit, og bygger på former så sparsomme at de ofte virker mer som linjer.
Sammen med målet Herrera satte for seg selv om å forenkle paletten og formspråket, endret hun også måten hun så på malerier som gjenstander. Hun begynte å se lerretene mindre som flater å male på, og mer som gjenstander som fyller rom. Hun fortsatte å føre de malte formene utover lerretets forside og over på sidene, og skapte komposisjoner som strakk seg utover lerretets grenser, ut i rommet.
Carmen Herrera - Field of Combat, 1952; Green Garden, 1950; Untitled, 1947-48 (Fra venstre til høyre)
Skapelsesmyter
Ved å utvide sitt syn på malerier som gjenstander, begynte Herrera også å arbeide i tredimensjonalt rom, og skapte gjenstander som står direkte på gulvet eller som er skulpturelle i sin tilstedeværelse, men henger på veggen. Gjennom slike verk lar Herrera betraktere fullt ut oppleve hennes estetiske forslag. Muligheten til nøye og grundig å betrakte disse formene og hvordan de fyller omgivelsene, gir en utvidet ettertenksom forståelse av resten av verkene i utstillingen.
Fra et bestemt perspektiv i utstillingen åpner dette ettertenksomme laget seg vakkert, når vi ser Herrera utforske den samme romlige samtalen gjennom en rekke verk på utstillingen: et maleri i Blanco y Verde-serien, en monokromatisk rød skulpturell gjenstand støttet av gulvet, og en monokromatisk gul skulpturell gjenstand som henger på veggen. Noe både enkelt og dypt formidles her. Disse gjenstandene kan defineres ut fra sine forskjeller, som er åpenbare. Men med et skifte i oppfatning kan vi sette langt mer pris på deres likheter, og dermed fordype oss i en feiring av deres felles vesen.
Carmen Herrera - 1962-1978 - Utsikt over utstillingen
Mestre én ting
Herrera har bevist at de viktigste ideene kan uttrykkes i de enkleste termer. Gjennom kunsten sin uttrykker hun enkle, direkte påstander. Hennes livsverk formidler noe som en zen-gåte: at hvis du prøver å fokusere på alt, vil du ende opp med å forstå ingenting, men hvis du mestrer én ting, kan du forstå alt.
Det som kanskje sier mest om Herrera som kunstner og menneske, er at gjennom hele Lines of Sight finnes en følelse av sammenheng. Hvert verk på utstillingen har sin egen selvfølelse, men det større verket har overtak over individuelle betraktninger. Dette er en utstilling om forhold, og om hvordan vi ser delene i forhold til helheten. Den viser hvor lett det er å fokusere på det uvesentlige og smålige, som bare kompliserer livene våre. Den inviterer oss til å gi slipp på ideologi og fordommer, og til å roe sinnet og bare se.
Carmen Herrera - Svart og hvitt, 1952 - Grønt og hvitt, 1956 (Fra venstre til høyre)
Utvalgt bilde: Carmen Herrera - Lines of Sight, utstillingsbilde (Kreditt: IdeelArt)
Av Phillip Barcio
