Carmen Herrera: Synslinjer
Kosmologer sier at når vi ser ut i verdensrommet, ser vi tilbake i tid. Galaksene vi ser gjennom teleskoper, eksisterer kanskje ikke engang lenger. Men betyr det noe for lyset? Det er her nå for å hjelpe oss å se. Hvorfor komplisere ting? Carmen Herrera er en som tror på enkelhet. Som kunstner har hun mye til felles med kosmisk lys. Hun begynte å male på 1930-tallet, men solgte ikke sitt første kunstverk før hun var 89 år, til tross for at hun var knyttet til noen av de mest kjente og innflytelsesrike kunstnerne på 1900-tallet. Nå, i en alder av 101, nyter hun sin første museumretrospektiv, på Whitney Museum i New York. Utstillingen, med tittelen Lines of Sight, inkluderer verk som spenner over den tidlige perioden av hennes karriere, fra 1948 til 1978. Ved siden av verkene utforsker en fortelling de mulige grunnene til at Herrera har tilbrakt mesteparten av sin karriere i nesten total anonymitet. Hun var en kubanskfødt kvinne i den ideologiske, fordomsfulle, hvite mannsdominerte kunstverdenen i fortiden. Men mens noen elementer av den fortellingen er ubestridelige, tar historien makt fra en selvsikker, talentfull kunstner. En enklere forklaring er at Carmen Herrera rett og slett valgte sin egen tid, som er nå. Vi velger å enkelt la hennes lys opplyse oss, uansett hvor lenge det har reist for å komme hit eller hva som sto i veien.
Overflatefortolkninger
Den mest slående observasjonen som er åpenbar når man besøker Lines of Sight, er transformasjonen som er tydelig i verkene gjennom utstillingen. Verkene er arrangert i omtrent kronologisk rekkefølge, noe som gjør det mulig for besøkende å vurdere den formelle og konseptuelle utviklingen Herrera har opplevd gjennom årene. Fra et materiell perspektiv ser vi at Herrera begynte å male på grovt burlap. Det krever en stor mengde maling for å dekke de brede hullene i en burlap-overflate. I tillegg til deres abstrakte kvaliteter, har malerier som A City, malt i 1948, og Siete, malt i 1949, en rå, emosjonell, malerisk kvalitet på grunn av fysiskheten og materialiteten i overflatene deres.
Også tydelig i disse tidlige maleriene er måten Herrera utnyttet lerretet sammenlignet med hvordan hun arbeidet senere i karrieren. Malerier som Field of Combat inneholder en relativ mengde former og farger sammenlignet med hennes senere verk. Og flere av hennes verk fra slutten av 1940-tallet og tidlig på 1950-tallet leker med begreper om optisk illusjon og symbolikk, og er avhengige av komplekse visuelle mønstre og systemer. I alle disse tidlige maleriene er det en følelse av at Herrera ser lerretet som støtten for et bilde, og at bekymringene hun arbeider med, er alt inneholdt akkurat der på overflaten av verket.
Carmen Herrera - Paris, 1948 - 1954. Utsikt over utstillingen
En utvidet arena
Under et opphold i Paris utviklet Herrera perspektivet om at hun hadde for mange ting som skjedde i maleriene sine. Hun ble interessert i å forenkle arbeidet sitt. Hun begynte å begrense paletten sin til bare én eller to farger, og hun reduserte dramatisk vokabularet av former. Denne transformasjonen er vakkert presentert som midtpunktet i Lines of Sight, gjennom et utvalg av verk fra en serie Herrera laget på 1950-tallet som kalles Blanco y Verde. Disse verkene bruker alle fargene grønn og hvit, og er avhengige av former så sparsomme at de ofte virker mer som linjer.
Sammen med målet Herrera satte seg for å forenkle paletten sin og språket sitt av former, endret hun også måten hun så på essensen av malerier som objekter. Hun begynte å se på lerretene sine mindre som overflater å male på, og mer som objekter som bebor rommet. Hun begynte å fortsette de malte formene utover forsiden av lerretet og på sidene, og skapte komposisjoner som projiserte utover grensene til lerretet, inn i rommet.
Carmen Herrera - Kampfelt, 1952; Grønn Hage, 1950; Uten Tittel, 1947-48 (Venstre til Høyre)
Myter om skapelsen
Ved å utvide sitt syn på malerier som objekter, begynte Herrera også å arbeide i tredimensjonalt rom, og skapte objekter som står direkte på gulvet eller som er skulpturelle i sin tilstedeværelse, men henger på veggen. Gjennom slike verk lar Herrera seerne fullt ut innta hennes estetiske forslag. Muligheten til å nøye og grundig vurdere disse formene og måten de opptar omgivelsene på, gir en utvidet kontemplativ forståelse av resten av verkene i utstillingen.
Fra ett bestemt perspektiv i utstillingen åpner det kontemplative laget seg vakkert, ettersom vi ser Herrera utforske den samme romlige samtalen på tvers av en rekke verk som er utstilt: et maleri i Blanco y Verde-serien, et monokromt rødt skulpturelt objekt støttet av gulvet, og et monokromt gult skulpturelt objekt hengende på veggen. Noe både enkelt og dypt formidles her. Disse objektene kan defineres ut fra deres forskjeller, som er åpenbare. Men med et skifte i persepsjon kan vi sette mer pris på dem for deres likheter, og dermed absorbere oss i en feiring av deres felles essens.
Carmen Herrera - 1962-1978 - Utstillingsvisning
Mestre én ting
Herrera har bevist at de viktigste begrepene kan uttrykkes i de enkleste termer. Gjennom kunsten sin uttrykker hun enkle, direkte påstander. Hennes verk kommuniserer noe som en Zen-gåte: at hvis du prøver å fokusere på alt, vil du ende opp med å forstå ingenting, men hvis du mestrer én ting, kan du forstå alt.
Det som kanskje er mest avslørende om Herrera som kunstner og som menneske, er at det gjennom Lines of Sight eksisterer en følelse av kontinuitet. Hver enkelt arbeid som vises har sin egen følelse av seg selv, men den større samlingen av verk har innflytelse over individuelle betraktninger. Dette er en utstilling om relasjoner, og om hvordan vi ser delene sammenlignet med helheten. Den avslører hvor lett det er å fokusere på det uvesentlige og det smålige, som bare kompliserer livene våre. Den inviterer oss til å forlate ideologi og fordommer, og til å stille sinnene våre og bare se.
Carmen Herrera - Svart og Hvit, 1952 - Grønn og Hvit, 1956 (Venstre til Høyre)
Fremhevet bilde: Carmen Herrera - Lines of Sight, utstillingsvisning (Kreditt: IdeelArt)
Av Phillip Barcio
