Intervju med Claude Viallat

Den franske kunsthistorien fra andre halvdel av 1900-tallet ville vært ufullstendig uten å nevne en sentral skikkelse i den franske og internasjonale kunstscenen – Claude Viallat. Denne bemerkelsesverdige skaperen er en av de største franske abstrakte kunstnerne de siste tiårene. Selv om det har vært perioder hvor han eksperimenterte med forskjellige stiler og tilnærminger, har Claude Viallat forblitt tro mot sitt eget visuelle språk, ofte ved å bryte de konvensjonelle reglene og tradisjonelle maleteknikker. Viallat blir spesielt rost for sin berømte metode som involverer en enkelt form festet på lerret uten noen strekkere. Før den kommende separatutstillingen til Claude Viallat på Galerie Daniel Templon i Paris, hadde IdeelArt, i samarbeid med Art Media Agency, muligheten til å tilbringe en ettermiddag i kunstnerens studio i Nîmes, Frankrike, hvor han bor og arbeider, og få et eksklusivt intervju.

Claude Viallat - Essens og Negasjon

Det som er bemerkelsesverdig i Viallat’s karriere, er det faktum at han alltid har vært tro mot sine egne regler og normer, uansett hvordan andre oppfattet dem. Tidlig i karrieren var Viallat medlem av Supports/Surfaces-bevegelsen, hvor han sammen med andre kunstnere fokuserte på materialer og kreative gester, og satte selve motivet i bakgrunnen. Hans eksperimenter med farge og tekstur førte til skapelsen av en rekke verk han er mest kjent for. I tillegg malte Viallat på en rekke forskjellige overflater, inkludert resirkulerte materialer, paraplyer, ulike stoffer, vevd eller knyttet tau. Claude Viallat, den store skikkelsen innen moderne abstrakt kunst, er fortsatt aktiv, med en karriere som strekker seg over 50 år. Det parisiske galleriet Templon organiserer en utstilling som presenterer et nytt historisk perspektiv på verkene til denne store franske kunstneren. Utstillingen åpner 4. juni, og vil være åpen til 23. juli 2016.

Ditt arbeid spiller en stor rolle i repetisjon-forskjell paret. Repetisjon av gester, prosedyrer; forskjell i materialer, farger…

Jeg vil si at arbeidet mitt først og fremst handler om hverdagsligheten i ting. Vi er alle mennesker som konstant gjentar de samme gestene, og vi oppnår alltid forskjellige situasjoner fra disse gestene. Hver dag er en repetisjon av det samme som resulterer i forskjellige ting.

Dette er prinsippet bak mitt arbeid: hvis du utfører de samme gestene på lignende materialer og enda mer på forskjellige materialer—, vil du hver dag oppnå veldig forskjellige resultater. Jeg søker ikke å oppfinne noe nytt: jeg lar ting komme på en slik måte at nyheten blir oppfunnet av seg selv.

Hver dag lever jeg, jeg underkaster meg, jeg samler, jeg reflekterer, jeg redder ting, inntrykk, følelser, visjoner. Jeg lar alt dette nære meg. Når jeg arbeider med lerret som verken er belagt eller limt, er materialene betydningsfulle. Avhengig av hvor fet en farge er, vil materialet ta til seg fargen på forskjellige måter: det kan absorbere den, motstå den, la den stå uten å suge den inn, eller på den annen side, suge den inn og diffuse den. Jeg utforsker måten materialer, stoffer som kan være fløyel, presenning, ark, skaper en helt annen effekt når de håndterer farge.

Du’blir ofte beskrevet som en stor kolorist.

Jeg aksepterer måten farge viser seg på, det er alt. En maler søker toner på en måte som matcher dem. Jeg plasserer toner på et stoff, et materiale, og jeg aksepterer det

Gjennom disse begrepene om aksept, resignasjon, repetisjon av gest, kan vi trekke noen paralleller til asiatiske filosofier. Er dette en innflytelse for arbeidet ditt??

Det som interesserer meg i filosofi, er innsatsen som kreves for å akseptere å ikke gripe inn når noe skjer. Å akseptere det som skjer, huske det, analysere det etterpå – også se mulighetene hvis man hadde jobbet annerledes, forskjellene uttrykt av det samme materialet. Jeg har som mål å forplikte alt dette til minnet, å glemme det, og så begynne på nytt.

Claude Viallat i sitt studio

 Claude Viallat -  Uten tittel nr. 39, 1985, Akryl på omslag, 220 x 320 cm, 86 5/8 x 126 tommer

Om Malestil

Ville dette være din definisjon av maling?

Det er noe av dette i det. Jeg tilhører en generasjon som tenkte på maleriets slutt. På 1950-tallet hørte vi ofte om konseptet "den siste maleriet". Kort sagt, det var nødvendig å finne på en annen måte å

Etter min mening er det å male annerledes et spørsmål om å stille spørsmål ved yrket mitt. Hva består det av? Å ta lerret, sette dem på rammer, lime dem på, kle dem og deretter legge til et spekter av farger for å finne de riktige tonene. Jeg har prøvd å strekke et rått lerret over en ramme og å jobbe med farger laget av varm gelatine med universalfarge. Jeg har også brukt trebeis, prøvd å fortynne pigmenter med vann, alkohol; jeg har brukt flyktige farger som ikke gir noen sikkerhet, eller akrylfarger.

De første monokromene viste fortsatt et ønske om å strekke lerret over en ramme. Men hvis det å strekke lerret over en ramme laget et maleri, så var det nødvendig å demontere denne mekanismen ved å sette rammen til side, lerretet på den andre siden, med spenningen mellom disse to elementene som skapte en ny type maleri.

Vi fant dette med Støtter/Overflater. Dezeuze jobbet med rammen uten lerret; Saytour representerte rutenett på rå lerretter, det vil si at han la bildet av rammen på lerretet; og jeg jobbet med lerret uten rammer, derfor maleriets dekonstruering.

Retrospektivt, hvordan ser du på denne dekonstrueringen av maleri som medium?

Det var nødvendig. Unge amerikanere undrer seg fortsatt over dekonstrueringen av maleri, men bringer alltid rammen tilbake i forgrunnen. Det er som om å ta lerretet av rammen gikk imot kunstens historie. For meg er det en parallell historie som har frigjort maleriet, i det minste i én retning. Hvis vi ser på den internasjonale scenen, er kunstnere som jobber med ustrukket lerret sjeldne. Amerikanere har problemer med å kvitte seg med rammen.

Ditt arbeid knytter seg til ideen, reist av Matisse, om å betale interesse til maleriet.’s grunnleggende objekt.

Når Matisse malte, dukket noen ganger hvitfargen på lerretet opp i maleriet – noe som tradisjonelt ble ansett som en heresi. I mitt arbeid blir stoffet selv den mediane støtten, og samtidig den gjennomsnittlige fargen, med andre ord, standarden som fargefordelingen organiseres etter, dens materiale. Alt reagerer i forhold til denne standarden. Avhengig av kvaliteten på denne mediane støtten, får vi ting som vil danne et forhold til den.

Hvordan plasserer du deg selv i forhold til abstraksjon?

Min maleri er ikke så mye et spørsmål om abstraksjon eller figuration som et system bestående av repetisjon av den samme formen. Hvis jeg endrer former, men ikke systemer, så endrer jeg ingenting. Jeg blir klar over friheten jeg har ved å insistere på de samme formene og ved å sanse paradokset av daglig rutine som er legemliggjort av gjentakelsen av den samme formen. Hver dag konstruerer jeg uendelig forskjellige lerreter, og dette gir meg ekstremt stor frihet.

Generelt velger jeg ikke stoffene mine, folk bringer dem til meg. Jeg prøver å jobbe med usannsynlige materialer. Det er først og fremst materialet og kvaliteten som utgjør hoveddelen av arbeidet mitt.

Du reiste til USA på 1970-tallet, og du ble berørt av amerindisk kunst.

Hva nærer arbeidet mitt? Historien om vestlig maleri, selvfølgelig, men også historien om alt maleri: østlig, langt østlig, australsk, amerikansk — og med amerikansk mener jeg "urfolk". Alle indiske etnisiteter som har malt på telt eller skjold inspirerer meg. Maleri på skjold ble vanligvis gjort på runde støtter, og var fylt med totemdyr og fruktene av bedrifter — rev- eller ulvetail, hoder.... Kort sagt, alt som forteller krigerens historie. Det indiske skjoldet er ikke bare defensivt, det er også et symbolsk bilde av krigeren. Skjoldet er rundt, vanligvis laget av en piltregren bøyd til en ring og bundet. Med andre ord, den primære sirkelen. Dette er det primære bildet av den runde rammen; akkurat som buen er det mest ekstreme bildet av lerretet strukket på en ramme — en streng strukket på tre. Disse to objektene er grunnleggende.

På samme måte var forhistorien epoken for de første billedlige fremstillingene. Og hva var den første billedlige fremstillingen? Et menneskelig avtrykk; med andre ord, noen gled, falt i gjørma, og la deretter hånden sin på veggen i en hule. Handlingen med å gli og dyppe hånden i gjørma resulterte i en lastet hånd som deretter tømte seg på veggen… Da gjørma tørket, skapte den bildet av hånden: dette var det første portrettet. Den Andre ble representert av en del av seg selv, et spor, et avtrykk. Etter dette første bildet ble representasjonen mer kompleks ved at mennesket skapte en mottype av hånden sin ved å spytte maling fra munnen over hånden. Den høyre hånden var en omvendt venstre hånd. Handlingen med å spytte over hånden både utvidet og smalnet perspektivet. Allerede lå uendelige muligheter til grunn for representasjonen.

Ditt arbeid ser ut til å være relatert til refleksjon over essens, over opprinnelse.

Det er det jeg prøver å gjøre. Sirkelen, hjulet, skjoldet og buen er primære elementer. I historien finnes det kunnskap om et visst antall bevegelser eller systemer som både er elementære og primære. For eksempel kile som hever ting eller blokkerer dem, for å stoppe noe fra å rulle rundt. Sentrallinjen er et tau og en stein, samtidig som det er en bullroarer – et musikkinstrument – en måte å veie noe på, for å bestemme vertikalen. Alle disse elementene er inneholdt i dette tauet og denne steinen. Det finnes også garrotten eller stålvekt... Disse er universelle, primære systemer. Det som interesserer meg, nemlig i skulptur, er gjenbruk eller spørsmålet om alle disse enkle, universelle systemene.

Er skulpturene dine en universell grammatikk?

De er objekter som er prekære, ustabile, som blir etterlatt i sin prekærhet og ikke tilbyr noen sikkerhet. Men kunsthistorien er også historien om kunstmarkedet, og dette er ikke egenskaper som tradisjonelt verdsettes av markedet. De gir ikke sikkerhet.

Studiet til Claude Viallat

 

Claude Viallat studio

Om kunstmarkedet og støtter/overflater

Å være så produktiv, arbeidet ditt går imot markedet. Hva er ditt forhold til markedet?

Alt mitt arbeid har som mål å avmytologisere kunst. Noen elementer karakteriserer tradisjonelt markedet, som kunstnerens signatur eller sjeldenhet. Jeg går imot dem. Mitt arbeid er produktivt, og jeg legger like stor vekt på en malt tråd som på et malt lerret. Alle maleriske elementer utgjør maleri. En tråd fra et maleri er et maleri av samme grunn som maleriet. Jeg kan signere et lerret, men ikke en tråd, så hvorfor skal jeg signere lerretet hvis jeg ikke kan signere tråden?

Så er det statusen til vakre materialer, et vakkert yrke, samt sikkerheten til materialene og sakraliseringen av lerretet. Alt mitt arbeid går imot dette også. Jeg finner glede i å arbeide, og jeg ser ikke hvorfor jeg skal deprivere meg selv for denne gleden – og fremfor alt i navnet på hva. Kanskje mine lerret lider av det, men ikke jeg. Resten er en sak for forhandleren, det angår ikke meg.

Kanskje jeg er pretensiøs. Jeg gjør aldri feil fordi jeg søker ingenting. Jeg skaper, og jeg aksepterer det jeg skaper. For meg har alle lerreter samme betydning.

Har du avstått fra alle intensjoner om å kontrollere?

Det vanskeligste er å akseptere at vi ikke mestrer det vi gjør fra dag til dag. Det er en form for selvbeherskelse å akseptere at vi ikke mestrer det vi gjør. Den beste måten å endre arbeidet mitt på er ikke å vite hva jeg skal gjøre, å tvinge meg selv til å oppdage, å analysere hva jeg nettopp har gjort og å forutsi hva jeg kan gjøre. For meg betyr dette å være oppmerksom på alle mulighetene jeg har forestilt meg, og så ikke å trenge dem fordi arbeidet gir sitt resultat av seg selv.

"Støtter/Overflater har blitt gravd opp i USA. Hva synes du om dette?"

At arbeidet med Supports/Surfaces har kommet til USA, og at amerikanske malere stiller de samme spørsmålene som vi gjorde den gangen - men på sin egen måte - virker helt normalt for meg.

Slik fungerer ting. På starten av 1970-tallet viste jeg et nett på Paris Biennale. Det skjedde at en amerikansk maler og en japansk maler gjorde det samme, samtidig, selv om vi ikke kjente hverandre. Gjennom sine egne kulturer kom de frem til dette bildet basert på forskjellige logikker. Jeg synes dette er fascinerende.

Men hvis maleri endrer seg, påvirker dette primært ikke bildet – kunstnere ser bare bildet, dette er vår tids blinde flekk. Modifikasjon av bildet angår ikke maleri fordi det er maleriet i seg selv som er interessant. Det grunnleggende spørsmålet er: "Hva er maleri?"

Fremhevet bilde: Claude Viallat i sitt studio

Art Media Agency (AMA) deltok i gjennomføringen av dette intervjuet. AMA er et internasjonalt nyhetsbyrå som fokuserer på kunstmarkedet. AMA produserer over 300 artikler hver uke, som dekker alle aspekter av kunstverdenen, inkludert gallerier, auksjonshus, messer, stiftelser, museer, kunstnere, forsikring, frakt og kulturpolitikk.

Bilder fra Claude Viallat studio ©IdeelArt