Intervju med Claude Viallat

Den franske kunsthistorien fra andre halvdel av det 20. århundre ville vært ufullstendig uten å nevne en stor skikkelse i den franske og internasjonale kunstscenen – Claude Viallat. Denne bemerkelsesverdige skaperen er en av de største franske abstrakte kunstnerne de siste tiårene. Selv om det var perioder hvor han eksperimenterte med forskjellige stiler og tilnærminger, forble Claude Viallat tro mot sitt eget visuelle språk, ofte ved å bryte de konvensjonelle reglene og tradisjonelle maleteknikkene. Viallat blir spesielt rost for sin berømte metode som involverer en enkelt form festet på lerret uten noen strammere. Før den kommende separatutstillingen med Claude Viallat på Galerie Daniel Templon i Paris, hadde IdeelArt, i samarbeid med Art Media Agency, muligheten til å tilbringe en ettermiddag i kunstnerens studio i Nîmes, Frankrike, hvor han bor og arbeider, og få et eksklusivt intervju.

Claude Viallat - Essens og Negasjon

Det som er fremtredende i Viallats karriere er det faktum at han alltid har forblitt tro mot sine egne regler og normer, uansett hvordan andre oppfattet dem. Tidlig i sin karriere var Viallat medlem av Supports/Surfaces-bevegelsen, hvor han sammen med andre kunstnere fokuserte på materialer og kreative bevegelser, og satte selve subjektet i bakgrunnen. Hans eksperimenter med farge og tekstur førte til skapelsen av en rekke verk han er best kjent for. I tillegg malte Viallat på en rekke forskjellige overflater, inkludert resirkulerte materialer, paraplyer, ulike stoffer, vevd eller knyttet tau. Claude Viallat, den store skikkelsen innen samtids abstrakt kunst, er fortsatt aktiv, med en karriere som spenner over 50 år. Paris-galleriet Galerie Templon organiserer en utstilling som presenterer et nytt historisk perspektiv på verk av denne store franske kunstneren. Utstillingen åpner 4. juni og vil være åpen til 23. juli 2016.

Ditt arbeid spiller i stor grad på repetisjon-forskjell-parret. Gjentakelse av bevegelser, prosedyrer; forskjell i materialer, farger…

Jeg vil si at mitt arbeid først og fremst handler om tingenes hverdagslige natur. Vi er alle mennesker som stadig gjentar de samme bevegelsene, og vi oppnår alltid forskjellige situasjoner fra disse bevegelsene. Hver dag er en gjentakelse av det samme som resulterer i forskjellige ting.

Dette er prinsippet bak mitt arbeid: hvis du utfører de samme bevegelsene på lignende materialer og enda mer på forskjellige materialer—, vil du hver dag oppnå veldig forskjellige resultater. Jeg søker ikke å oppfinne noe nytt: jeg lar ting komme på en slik måte at nyhet oppfinnes av seg selv.

Hver dag lever jeg, underkaster meg, samler, reflekterer, redder ting – inntrykk, følelser, visjoner. Jeg lar alt dette nære meg. Når jeg arbeider på lerreter som verken er belagt eller limt, er materialer betydningsfulle. Avhengig av fettinnholdet i en farge, vil materialet ta imot det forskjellig: det kan absorbere det, motstå det, la det stå uten å suge det inn, eller på den annen side suge det inn og spre det. Jeg utforsker hvordan materialer, stoffer som kan være fløyel, presenning, laken skaper en helt annen effekt når det gjelder farge.

Du’er ofte beskrevet som en stor kolorist.

Jeg aksepterer måten farge viser seg på, det er alt. En maler søker toner på en slik måte at de matcher. Jeg plasserer toner på et stoff, et materiale, og jeg aksepterer

Gjennom disse begrepene om aksept, resignasjon, gjentakelse av gest, kan vi trekke noen paralleller til asiatiske filosofier. Er dette en innflytelse for ditt arbeid??

Det som interesserer meg i filosofi er innsatsen det krever å akseptere å ikke gripe inn når noe skjer. Å akseptere det som skjer, memorere det, analysere det etterpå – også se mulighetene hvis man hadde arbeidet annerledes, forskjellene uttrykt av det samme materialet. Jeg har som mål å lagre alt dette i minnet, glemme det, og så begynne på nytt.

Claude Viallat i sitt studio

 Claude Viallat - Sans titre n°39, 1985, akryl på cover, 220 x 320 cm, 86 5/8 x 126 in

Om malestil

Ville dette være din definisjon av maleri?

Det er noe av dette i det. Jeg tilhører en generasjon som tenkte på maleriets slutt. På 1950-tallet hørte vi ofte om begrepet «det siste maleriet». Kort sagt, det var nødvendig å finne opp en annen måte å

Etter min mening handler det å male annerledes om å stille spørsmål ved mitt yrke. Hva består det i? Å ta lerreter, sette dem på rammer, lime dem på, kle dem og deretter legge til et spekter av farger for å finne de riktige tonene. Jeg har prøvd å strekke et rått lerret over en ramme og å arbeide med farger laget av varm gelé med universell farging. Jeg har også brukt trefarging, prøvd å fortynne pigmenter med vann, alkohol; jeg har brukt flyktige farger som ikke gir sikkerhet, eller akryl.

De første monokromene viste fortsatt et ønske om å strekke lerret over en ramme. Men hvis det å strekke lerret over en ramme laget et maleri, var det da nødvendig å demontere denne mekanismen ved å legge rammen til side, lerretet til den andre siden med spenningen mellom disse to elementene som skapte en ny type maleri.

Vi fant dette med Supports/Surfaces. Dezeuze arbeidet på rammen uten lerret; Saytour representerte rutenett på rå lerreter, det vil si at han satte bildet av rammen på lerretet; og jeg arbeidet på lerret uten rammer, derav maleriets dekonstruksjon.

I ettertid, hvordan ser du på denne dekonstruksjonen av maleri som medium?

Det var nødvendig. Unge amerikanere undrer seg fortsatt over dekonstruksjonen av maleri, men bringer alltid rammen tilbake i forgrunnen. Det er som om å ta lerretet av rammen gikk imot kunsthistorien. For meg er det en parallell historie som har frigjort maleriet, i det minste i én retning. Hvis vi ser på den internasjonale scenen, er kunstnere som jobber på ustrukket lerret sjeldne. Amerikanere har problemer med å kvitte seg med rammen.

Ditt arbeid knytter seg til ideen, fremmet av Matisse, om å betale oppmerksomhet til maleriet’s grunnleggende objekt.

Når Matisse malte, dukket noen ganger lerretets hvite opp i maleriet — noe som tradisjonelt ble ansett som en kjetteri. I mitt arbeid blir stoffet selv den midtre Supports/Surfaces, og samtidig den gjennomsnittlige fargen, med andre ord standarden etter hvilken fargedistribusjonen organiseres, dens materiale. Alt reagerer i forhold til denne standarden. Avhengig av kvaliteten på denne midtre Supports/Surfaces, oppnår vi ting som vil danne et forhold til den.

Hvordan plasserer du deg i forhold til abstraksjon?

Malingen min handler ikke så mye om abstraksjon eller figurativt som et system bestående i gjentakelse av samme form. Hvis jeg endrer former, men ikke systemer, endrer jeg ingenting. Jeg blir bevisst på friheten jeg har ved å insistere på de samme formene og ved å sanse paradokset i daglig rutine som legemliggjøres av gjentakelsen av samme form. Hver dag konstruerer jeg uendelig forskjellige lerreter, og dette gir meg ekstremt stor frihet.

Generelt velger jeg ikke stoffene mine, folk bringer dem til meg. Jeg prøver å jobbe med usannsynlige materialer. Det er først og fremst materialet og dets kvalitet som utgjør hoveddelen av arbeidet mitt.

Du reiste til USA på 1970-tallet og ble berørt av Amerindian-kunst.

Hva nærer mitt arbeid? Historien om vestlig maleri, selvfølgelig, men også historien om all maling: østlig, fjernøstlig, australsk, amerikansk — og med amerikansk mener jeg «urfolk». Alle indianske etnisiteter som har malt på telt eller skjold inspirerer meg. Skjoldmaling ble vanligvis gjort på runde Supports/Surfaces, og lastet med totemdyr og frukten av bragder—rev- eller ulvehaler, skaller…. Kort sagt, alt som forteller krigerens historie. Det indianske skjoldet er ikke bare defensivt, det er også et symbolsk bilde av krigeren. Skjoldet er rundt, vanligvis laget av en pilegren bøyd til en ring og bundet. Med andre ord, den primære sirkelen. Dette er det primære bildet av den runde rammen; akkurat som buen er det mest ekstreme bildet av lerretet strukket på en ramme — en snor strukket på tre. Disse to objektene er grunnleggende.

På samme måte var forhistorien epoken for de første billedlige representasjonene. Og hva var den første billedlige representasjonen? Et menneskelig avtrykk; med andre ord, noen skled, falt i gjørme, og la deretter hånden på veggen i en hule. Handlingen med å skli og dyppe en hånd i gjørme resulterte i en lastet hånd som så tømte seg på veggen… Når gjørmen tørket, skapte det bildet av hånden: dette var det første portrettet. Den Andre ble representert av en del av seg selv, et spor, et avtrykk. Etter dette første bildet ble representasjonen mer kompleks ved at mennesket skapte en mottype av sin hånd ved å spytte maling fra munnen over hånden. Høyre hånd var en vendt venstre hånd. Handlingen med å spytte over hånden både utvidet og innsnevret perspektivet. Allerede lå uendelige muligheter til grunn for representasjonen.

Arbeidet ditt synes å være knyttet til refleksjon over essens, over opprinnelse.

Det er det jeg prøver å gjøre. Sirkelen, ringen, skjoldet og buen er primære elementer. I historien finnes det kunnskap om et visst antall bevegelser eller systemer som både er elementære og primære. For eksempel kilen som løfter opp ting eller blokkerer dem, for å stoppe noe fra å rulle rundt. Loddlinjen er et tau og en stein, samtidig som det er en bullroarer — et musikkinstrument — en måte å veie noe på, å bestemme vertikalen. Alle disse elementene finnes i dette tauet og denne steinen. Det finnes også garrotten eller vektstangen... Dette er universelle, primære systemer. Det som interesserer meg, særlig i skulptur, er gjenbruk eller å stille spørsmål ved alle disse enkle, universelle systemene.

Utgjør skulpturene dine et universelt grammatikk?

De er objekter som er usikre, ufikserte, som blir liggende i sin usikkerhet og ikke gir noen trygghet. Men kunsthistorien er også historien om kunstmarkedet, og dette er ikke egenskaper som tradisjonelt verdsettes av markedet. De gir ingen trygghet.

Studioet til Claude Viallat

 

Claude Viallat studio

Om kunstmarkedet og Supports/Surfaces

Siden du er så produktiv, går arbeidet ditt imot markedet. Hva er ditt forhold til markedet?

Alt mitt arbeid har som mål å avmytologisere kunst. Noen elementer kjennetegner tradisjonelt markedet, som kunstnerens signatur eller sjeldenhet. Jeg går imot dem. Mitt arbeid er produktivt, og jeg legger like stor vekt på en malt tråd som på et malt lerret. Alle maleriske elementer utgjør maleri. En tråd fra et maleri er et maleri med samme rett som maleriet. Jeg kan signere et lerret, men ikke en tråd, så hvorfor skulle jeg signere lerretet hvis jeg ikke kan signere tråden?

Så er det statusen til vakre materialer, et vakkert yrke, samt sikkerheten til materialene og sakraliseringen av lerretet. Alt mitt arbeid går også imot dette. Jeg gleder meg over å arbeide, og jeg ser ikke hvorfor jeg skulle frata meg denne gleden — og fremfor alt i navnet på hva. Kanskje lerretene mine lider av det, men ikke jeg. Resten er en sak for galleristen, det angår ikke meg.

Kanskje jeg er pretensiøs. Jeg gjør aldri feil fordi jeg ikke søker noe. Jeg skaper, og jeg aksepterer det jeg skaper. For meg har alle lerreter samme betydning.

Har du gitt opp alle intensjoner om kontroll?

Det vanskeligste er å akseptere å ikke mestre det vi gjør fra dag til dag. Det er en form for selvbeherskelse å akseptere å ikke mestre det vi gjør. Den beste måten å endre arbeidet mitt på er å ikke vite hva jeg skal gjøre, å tvinge meg selv til å oppdage, analysere det jeg nettopp har gjort og forutsi hva jeg kan komme til å gjøre. For meg betyr dette å være bevisst på alle mulighetene jeg har sett for meg, og så ikke trenge dem fordi arbeidet gir sitt resultat av seg selv.

Supports/Surfaces har blitt gjenoppdaget i USA. Hvordan føler du om dette?

At arbeidet til Supports/Surfaces har kommet til USA og at amerikanske malere stiller de samme spørsmålene som vi gjorde den gangen — men på sin egen måte — virker helt naturlig for meg.

Slik fungerer det. På begynnelsen av 1970-tallet viste jeg et nett på Paris Biennalen. Det skjedde at en amerikansk maler og en japansk maler gjorde det samme, samtidig, selv om vi ikke kjente hverandre. Gjennom sine egne kulturer kom de til dette bildet basert på forskjellige logikker. Jeg synes dette er fascinerende.

Men hvis maleriet endrer seg, påvirker ikke dette først og fremst bildet — kunstnere ser bare bildet, dette er vår tids blinde flekk. Endring av bildet angår ikke maleriet fordi det er maleriet selv som er interessant. Det grunnleggende spørsmålet er: «Hva er maleri?»

Utvalgt bilde: Claude Viallat i sitt studio

Art Media Agency (AMA) deltok i gjennomføringen av dette intervjuet. AMA er et internasjonalt nyhetsbyrå med fokus på kunstmarkedet. AMA produserer over 300 artikler hver uke, som dekker alle aspekter av kunstverdenen inkludert gallerier, auksjonshus, messer, stiftelser, museer, kunstnere, forsikring, frakt og kulturpolitikk.

Bilder fra Claude Viallat studio ©IdeelArt