Uma Entrevista com Ellen Priest
Ellen Priest deixou sua marca no mundo da arte com suas vibrantes pinturas coladas abstratas por mais de trinta anos. Influenciada por Cezanne desde o início de sua carreira e pelo jazz desde a década de 1990, ela buscou capturar os movimentos e os ritmos intrincados de uma variedade de composições de jazz em pinceladas de cores vivas. A IdeelArt teve a oportunidade de discutir seu processo de trabalho, enquanto ganhava insights sobre suas influências e sua paixão pela música ao longo do caminho.
Você menciona que foi grandemente influenciado por uma exposição intitulada "Cezanne: As Obras Finais" que apresentava suas últimas aquarelas no Museu de Arte Moderna. O estilo dele ainda influencia e permeia suas obras?
Oh, absolutamente. É engraçado; é uma daquelas percepções que temos quando somos jovens. Esta ficou para mim. E eu podia perceber na época que isso era algo grande. No Museu de Arte da Filadélfia, há uma paisagem tardia de Cezanne que, sempre que preciso clarear minha mente ou ganhar inspiração, ou resolver algo, eu vou ver. Eu fico em frente a essa paisagem até descobrir. Seu trabalho tardio tem sido uma influência constante, e já se passaram mais de trinta anos. Eu acho que o que acontece é que ele descobriu uma maneira de lidar com as cores, e o que muitas pessoas não percebem é que sua escolha de colocação de uma cor específica é essencialmente desenho. Cezanne tinha uma maneira de entender como os objetos nos espaços pairam. Sua maneira de pensar parece corresponder à minha. Formas aparecem e depois se dissolvem. Então reaparecem e desaparecem novamente, o que dá a ilusão de que a pintura está respirando. Ele ainda é tão mágico para mim quanto era quando vi a peça pela primeira vez.
Eu me sinto sortudo, honestamente. Acho que isso fala sobre a força e o brilho do trabalho dele. Para mim, ele foi tão marcante quanto Giotto com a perspectiva e a maneira como ele lidou com as figuras no espaço. Meu palpite é que se eu pudesse pular 500 anos à frente, as pessoas ainda estariam falando sobre Cezanne como um divisor de águas. Essa expressão abstrata que me fascinou desde cedo é tão forte para mim agora. Eu me sinto sortudo por ter encontrado e entendido isso cedo. Eu simplesmente percebi o que era potente para mim visualmente.
Você pode nos contar sobre seu processo de trabalho? Quais materiais e técnicas você utiliza?
Eu uso papel; todo o meu trabalho é em papel. As tintas que uso são flash e óleo. Flash, como uma tinta à base de vinil solúvel em água, absorve pigmentos da mesma forma que a aquarela e a guache. Não torna as cores ligeiramente marrons como o acrílico. É muito compatível com os óleos. Em termos de cor, é um pouco diferente, mas realmente funcionam juntos dentro do espaço. Eu uso lápis muito também. Os papéis variam de papel aquarela francês muito pesado, e dois pesos de papel vegetal Canson. Um é muito pesado chamado Opalux, o outro é mais fino e ambos são arquiváveis. Trabalhei muito nos últimos quinze anos com um casal em Boston, Jim e Joan Wright, que são ambos conservadores de museu, e eles me orientaram nesse processo. Jim me ensinou a usar tinta a óleo nesse tipo de papel sem ter problemas. Estou fazendo isso há muito tempo agora, e o trabalho parece estar se mantendo bem; não tive dificuldades com isso. Eu também uso gel MSA como meu adesivo, e não lamino as peças de camada - eu as colo pontualmente - e as peso para que o gel se fixe. Leva cerca de uma semana para secar.
Você menciona que passa de um a cinco anos em uma determinada série. Como você mantém sua motivação e não se esgota?
Meu processo é bastante longo, mas é bem variado. Ele vai desde os estudos com pincel, que são meus primeiros encontros com os sons e o movimento da música. E os estudos com pincel duram talvez trinta segundos e progridem lentamente até construir essas peças grossas e em camadas. Eu não tenho problemas porque o processo é algo que evoluiu ao longo de muitos anos e realmente funciona para mim. Tornou-se uma linguagem na qual me sinto muito confortável, embora sempre seja um desafio. Eu também acho que, em certo ponto, a pessoa simplesmente se torna profissional, e não importa como me sinto em um determinado dia. É hora de ir trabalhar. Eu nado algumas voltas, tomo um smoothie e vou trabalhar. Aprendi que, se minha cabeça não está nisso, há uma variedade de coisas que posso fazer para me concentrar. Geralmente, eu sei no dia anterior o que preciso fazer no dia seguinte. Quando estou tentando descobrir as relações de cor, só preciso sentar e olhar para isso, e continuar trocando as amostras de cor para ver como elas se comportam no espaço. Também vou ter a música tocando. Assim, o próprio processo às vezes me leva adiante quando minha mente e meu coração não estão necessariamente lá, mas eu preciso chegar lá. Essa disciplina vem com os anos.
Ellen Priest - Estudo frontal do Jazz Cubano #2, 2013. Gouache sobre papel. 106,68 x 106,68 cm.
Como você seleciona seu conteúdo e assunto?
O assunto e o conteúdo são coisas muito diferentes. O conteúdo é o resultado final, ou os sentimentos que você experimenta ao olhar para a peça. O assunto é o jazz. Muito poucos artistas abstratos têm um assunto consciente. Eu descobri muito cedo que não conseguia manter minha imagética fresca sem recorrer a assuntos externos. E eu lutei com isso por cerca de dez anos. Finalmente aconteceu quando eu estava ouvindo jazz. Eu estava a caminho de Vermont para esquiar e estava ouvindo a estação local da NPR, e havia uma peça de Michel Camilo, que é um pianista de jazz dominicano. De repente, percebi que os espaços que eu estava vendo na minha cabeça eram espaços presentes em sua música.
Isso foi em 1990, e eu venho trabalhando com jazz desde então. É um assunto consciente. E levou vários anos para eu desenvolver como eu iria desenvolver a imagética a partir disso. De Kooning nunca se viu como um pintor abstrato; ele estava constantemente olhando para figuras e paisagens, ocasionalmente naturezas-mortas. Joan Mitchell, que é um dos meus outros ícones, teve uma carreira muito longa como pintora expressionista abstrata e isso é realmente difícil. Ela se inspirou em paisagens e poesia. Ela tinha vários amigos que eram poetas, um dos quais era John Ashbury, e ela "ilustrou" seus poemas. De Kooning e Mitchell estão entre os poucos que mantiveram esse estilo de expressionismo gestual de pintura ao longo de suas carreiras.
Como você navega no mundo da arte?
Não muito bem. Eu sou uma daquelas pessoas que sabe como ser um empresário e sou muito profissional, mas não sinto que sou muito bem-sucedido nesse aspecto. É uma área na qual ainda estou trabalhando muito. O maior obstáculo para mim tem sido que, pelo que posso perceber, as pessoas que olham para muita arte sempre me dizem que meu trabalho é algo que você precisa ver pessoalmente. Não só isso, o trabalho é único. Ninguém mais está olhando ou usando os materiais dessa forma. A singularidade é um ativo, mas também é uma responsabilidade, porque é difícil para algumas pessoas terem uma forma de se relacionar com o que estão vendo, porque nunca viram nada parecido.
Você menciona que suas obras são fortemente influenciadas pelos ritmos e pela rigor intelectual da música jazz. O que você está ouvindo atualmente que alimenta seu trabalho?
Na verdade, eu escuto com antecedência cerca de um ou dois anos antes de começar um novo projeto. Meus projetos podem levar de um a cinco anos, então se eu vou trabalhar com uma peça específica por esse tempo, é melhor que eu goste dela! Caso contrário, eu estaria em grandes apuros se não me agradar. Estou terminando esta série Jazz Cubano, e eu a abordei porque amo jazz afro-cubano. Os ritmos são tão complexos que percebi que a única maneira de entendê-los seria se eu os dividisse nas partes mais simples—um som de percussão de cada vez—e então construísse de volta. Esta tem sido uma série realmente divertida. Com certeza vou terminar isso até o final do outono, e então vou começar uma composição de comprimento de CD chamada The River, de um pianista e compositor baseado em Chicago chamado Ryan Cohan.
É uma peça linda e tem oito seções que são muito cuidadosamente escritas. Entre cada uma, há uma seção de piano improvisada—isso é simbolicamente o rio. Ele teve uma bolsa para viajar para a África, e a Chamber Music America, que também financiou a Suite Venezuelana de Edward Simon, na qual trabalhei por cinco anos, financiou a composição. O que Ryan fez foi pegar ritmos africanos junto com tudo mais que o influenciou e transformá-los em algo que era realmente seu. Esta é uma peça de música lindamente digerida e inovadora. É muito inteligente e tem uma grande gama emocional. O que estou percebendo é que muitas vezes sou atraído por coisas tanto emocionalmente quanto intelectualmente. Estou realmente ansioso para The River. Isso eu começarei no final do outono, ou certamente antes do final do ano.
Ellen Priest - Jazz: Edward Simonʼs Venezuelan Suite 16, 2008. Papéis, óleo, flashe, lápis, gel MSA. 106,68 x 106,68 cm.
Qual das suas obras de arte você mais se orgulha e por quê?
Acho que as peças com as quais estou mais feliz estão em dois grupos diferentes: um seria as últimas peças da série Venezuelan Suite, porque consegui alcançar um nível de complexidade e simplicidade ao mesmo tempo que me deixou muito satisfeito. Finalmente consegui capturar a velocidade da música sem que ela se perdesse. Também gostei muito dos desenhos da série Jazz Cubano. Eles são tão despojados, mas têm muita intensidade. Esses seriam os dois grupos dos quais diria que estou extremamente orgulhoso. Quanto a uma peça específica, realmente não poderia dizer.
Como você sabe quando um trabalho está terminado?
Acho que chega um ponto em que estou olhando para uma obra, e em cada etapa eu tenho que tomar essa decisão. Quando não há mais nada que eu queira fazer, ou quando parece que qualquer coisa a mais que eu fizesse seria demais, é quando eu sei que está completa. Normalmente, eu espero e olho para ela por um tempo. Às vezes, eu sei o que fazer imediatamente, mas às vezes leva um pouco. Se há uma área que não está se movendo, eu tentarei descobrir uma maneira de fazê-la se mover. Muitas vezes, isso significa que eu tenho que ajustar alguma outra parte da pintura. Pode não ser necessariamente o local em si; pode ser algum outro componente que precise ser mudado. Geralmente, eu durmo sobre isso por um tempo. Eu posso achar que está feito, mas eu apenas espero. Eu tenho que tomar essas decisões antes de colar. Quando eu aparo as bordas da peça, às vezes eu recebo uma surpresa—e nem sempre é boa. De vez em quando, eu monto algo e não é o que eu esperava. Às vezes, depois de aparar as peças, a peça pode ficar desequilibrada e eu posso perder a peça porque ela não mostra mais a gama de emoções que uma vez mostrou.
O que significa ter um espaço físico para fazer arte no seu processo, e como você faz seu espaço funcionar para você?
Eu tenho uma casa antiga, uma casa de três andares dos anos 1890, ou o que chamamos de geminada. Tenho três andares de luz do Norte e estou em uma esquina. Então, tenho uma quantidade enorme de luz. Uso todo o primeiro andar para meu estúdio, exceto pela minha cozinha. No segundo andar, tenho meu escritório e área de estar, e no terceiro andar é onde estão meu quarto de colagem e armazenamento. Então, eu realmente tenho não apenas espaço adequado, mas também um bom espaço, e isso fez toda a diferença no mundo. Ter um espaço permanente e amplo tem sido uma bênção para o meu trabalho. Poder me estabelecer e fazer tudo funcionar corretamente tem sido incrível. Às vezes, eu acho que poderia usar mais espaço, mas eu tenho espaço suficiente!
Ellen Priest - Jazz Cubano #27: Arturo e Elio, Pensando em Voz Alta, 2016. Papéis, óleo, flashe, lápis, gel MSA. 81,23 x 81,23 cm.
O que fala com você quando vê uma obra abstrata?
Para mim, a abstração (quando é boa) tem uma clareza de pensamento que realmente me atrai. Pode ser cor, pode ser preto e branco, pode ser muito cheia de imagens ou pode ser uma única forma flutuando no campo. Mas há uma qualidade de pensamento que é nítida. Um dos meus artistas contemporâneos favoritos de todos os tempos é o escultor Martin Puryear. Uma vez, entrei em uma retrospectiva de suas obras no MoMA, e isso me deixou sem fôlego. A mesma exposição estava sendo apresentada em Washington D.C. e eu rearranjei toda a minha agenda para ir vê-la novamente. Ele é brilhante; seu trabalho tem uma pureza de forma e pensamento. Seu trabalho faz referências a veículos, animais, barcos. A abstração pode fazer referências ao mundo real e ainda assim ser abstrata. Seus olhos usam as mesmas pistas para se orientar no mundo que usam para olhar para a arte abstrata. Nossos olhos descobrem isso cedo na vida. Estamos usando essas mesmas ferramentas para olhar para a arte abstrata, mas não estamos cientes disso. Há algo sobre a abstração que constrói nossa compreensão do mundo.
Você está envolvido em algum show ou evento próximo? Onde e quando?
Estou em conversas com a Igreja de São Pedro em Manhattan, que foi onde eu expus na primavera passada— estou esperando expor outro projeto lá, que é sobre O Rio. Além disso, posso ter uma exposição local aqui em Wilmington, Delaware, neste outono na série Jazz Cubano.
Imagem em destaque: Ellen Priest - Jazz: Thinking Out Loud, Reaching for Song 31, 2011. Papéis, óleo, flashe, lápis, gel MSA. 81,3 x 119,4 cm.
