Uma Entrevista com Ellen Priest
Ellen Priest deixou sua marca no mundo da arte com suas vibrantes pinturas abstratas em colagem por mais de trinta anos. Influenciada por Cezanne desde o início de sua carreira, e pelo jazz desde a década de 1990, ela buscou capturar os movimentos e os ritmos intrincados de várias composições de jazz em pinceladas vividamente coloridas. A IdeelArt teve a oportunidade de discutir seu processo de trabalho, enquanto obtinha uma visão sobre suas influências e sua paixão pela música ao longo do caminho.
Você menciona que foi muito influenciada por uma exposição intitulada “Cezanne: As Obras Tardias”, que apresentava suas aquarelas tardias no Museu de Arte Moderna. O estilo dele ainda influencia e permeia suas obras?
Ah, com certeza. É engraçado; é uma daquelas percepções que temos quando somos jovens. Essa ficou comigo. E eu podia perceber na época que aquilo era algo grande. No Museu de Arte da Filadélfia há uma paisagem tardia de Cezanne que, sempre que preciso clarear a mente, buscar inspiração ou resolver algo, vou vê-la. Fico em frente a essa paisagem até entender. Suas obras tardias têm sido uma influência constante, e já se passaram mais de trinta anos. Acho que o que acontece é que ele descobriu uma maneira de lidar com as cores, e o que muita gente não percebe é que a escolha do posicionamento de uma cor específica é essencialmente um desenho. Cezanne tinha uma forma de entender como os objetos em espaços pairam. Seu modo de pensar parece combinar com o meu. As formas aparecem, depois se dissolvem. Então reaparecem e desaparecem novamente, o que dá a ilusão de que a pintura está respirando. Ele continua tão mágico para mim quanto era quando vi a obra pela primeira vez.
Sinto-me sortuda, honestamente. Acho que isso fala da força e do brilho de seu trabalho. Para mim, ele foi tão revolucionário quanto Giotto com a perspectiva e a forma como lidava com as figuras no espaço. Minha intuição é que, se eu pudesse avançar 500 anos no futuro, as pessoas ainda estariam falando de Cezanne como um divisor de águas. Esse expressionismo abstrato que me fascinou desde cedo é tão forte para mim agora quanto era antes. Sinto-me sortuda por ter alcançado e compreendido isso cedo. Simplesmente percebi o que era potente para mim visualmente.
Você pode nos contar sobre seu processo de trabalho? Quais materiais e técnicas você usa?
Eu uso papel; todo o meu trabalho é em papel. As tintas que uso são flashe e óleo. Flashe, como uma tinta à base de vinil solúvel em água, absorve pigmentos da mesma forma que aquarela e guache. Ela não torna as cores ligeiramente marrons como a acrílica faz. É muito compatível com os óleos. Em termos de cor, é um pouco diferente, mas elas realmente funcionam juntas no espaço. Também uso muito lápis. Os papéis variam desde um papel francês para aquarela muito pesado, até dois tipos de papel vegetal Canson. Um é muito pesado, chamado Opalux, o outro é mais fino e ambos são arquivísticos. Trabalhei muito nos últimos quinze anos com um casal em Boston, Jim e Joan Wright, que são conservadores de museu, e eles me orientaram nesse processo. Jim me ensinou como usar tinta a óleo nesse tipo de papel sem ter problemas. Já faço isso há muito tempo, e o trabalho parece estar se mantendo bem; não tive dificuldades. Também uso gel MSA como cola, e não lamino as camadas - colo-as pontualmente - e peso-as para que o gel seque. Leva cerca de uma semana para secar.
Você menciona que passa de um a cinco anos em uma série. Como mantém sua motivação e evita o esgotamento?
Meu processo é bastante longo, mas bastante variado. Vai desde os estudos com pincel, que são meus primeiros encontros com os sons e o movimento da música. E os estudos com pincel duram talvez trinta segundos e evoluem até a construção lenta dessas peças espessas e em camadas. Não tenho dificuldades porque o processo evoluiu ao longo de muitos anos e realmente funciona para mim. Tornou-se uma linguagem na qual me sinto muito confortável, embora seja sempre um desafio. Acho também que, em certo ponto, a gente simplesmente se torna profissional, e não importa como me sinto em um dado dia. É hora de trabalhar. Eu nado algumas voltas, tomo um suco e começo a trabalhar. Aprendi que, se minha cabeça não está no lugar, há várias coisas que posso fazer para me envolver. Geralmente sei no dia anterior o que preciso fazer no dia seguinte. Quando estou tentando entender as relações de cor, só preciso sentar e olhar, trocando as amostras de cor para ver como elas se comportam no espaço. Também coloco música. Então o processo em si às vezes me leva adiante quando minha mente e meu coração não estão necessariamente lá, mas eu preciso estar. Essa disciplina vem com os anos.
Ellen Priest - Jazz Cubano #2 estudo frontal, 2013. Guache sobre papel. 106,68 x 106,68 cm.
Como você seleciona seu conteúdo e tema?
Tema e conteúdo são coisas muito diferentes. Conteúdo é o resultado final, ou os sentimentos que você experimenta ao olhar a obra. O tema é o jazz. Pouquíssimos artistas abstratos têm um tema consciente. Descobri muito cedo que não conseguiria manter minhas imagens frescas sem recorrer a temas externos. E lutei com isso por cerca de dez anos. Finalmente aconteceu quando eu estava ouvindo jazz. Eu estava a caminho de Vermont para esquiar e ouvia a estação local da NPR, e havia uma peça de Michel Camilo, que é um pianista de jazz dominicano. De repente, percebi que os espaços que eu via na minha cabeça eram espaços presentes na música dele.
Isso foi em 1990, e desde então trabalho com jazz. É um tema consciente. E levei vários anos para desenvolver como eu desenvolveria imagens a partir disso. De Kooning nunca se viu como um pintor abstrato; ele estava constantemente olhando para figuras e paisagens, ocasionalmente naturezas-mortas. Joan Mitchell, que é uma das minhas outras ícones, teve uma carreira muito longa como pintora expressionista abstrata, e isso é realmente difícil. Ela buscava inspiração na paisagem e na poesia. Tinha vários amigos poetas, um deles John Ashbury, e ela “ilustrava” seus poemas. De Kooning e Mitchell estão entre os poucos que mantiveram esse estilo de pintura expressionista gestual ao longo de suas carreiras.
Como você navega pelo mundo da arte?
Não muito bem. Sou daquelas pessoas que sabem ser empresárias e sou muito profissional, mas não sinto que tenho muito sucesso nesse aspecto. É uma área na qual ainda trabalho muito. O maior obstáculo para mim tem sido que, pelo que percebo, pessoas que veem muita arte sempre me dizem que meu trabalho é algo que precisa ser visto pessoalmente. Além disso, o trabalho é único. Ninguém mais está olhando ou usando os materiais dessa forma. A singularidade é uma vantagem, mas também uma desvantagem, porque é difícil para algumas pessoas se relacionarem com o que estão vendo, pois nunca viram nada parecido.
Você menciona que suas obras são muito influenciadas pelos ritmos e rigor intelectual da música jazz. O que você está ouvindo atualmente que alimenta seu trabalho?
Na verdade, eu escuto com um ou dois anos de antecedência antes de começar um novo projeto. Meus projetos podem levar de um a cinco anos, então, se vou trabalhar com uma peça por esse tempo, é melhor que eu goste dela! Caso contrário, estaria em apuros se ela não me cativasse. Estou terminando esta série Jazz Cubano, e a encarei porque adoro jazz afro-cubano. Os ritmos são tão complexos que percebi que a única maneira de entendê-los era quebrá-los nas partes mais simples — um som de percussão de cada vez — e depois reconstruir. Esta tem sido uma série muito divertida. Vou terminar isso até o final do outono com certeza, e então começarei uma composição do tamanho de um CD chamada The River, de um pianista e compositor de Chicago chamado Ryan Cohan.
É uma peça linda e tem oito seções muito cuidadosamente escritas. Entre cada uma, há uma seção de piano improvisada — que simboliza o rio. Ele recebeu uma bolsa para viajar à África, e a Chamber Music America, que também financiou a Venezuelan Suite de Edward Simon, na qual trabalhei por cinco anos, financiou a composição. O que Ryan fez foi pegar ritmos africanos junto com tudo o mais que o influenciou, e transformar em algo que realmente era dele. Esta é uma peça musical belamente digerida e inovadora. É muito inteligente e tem uma grande variedade emocional. O que percebo é que frequentemente sou atraída por coisas tanto emocional quanto intelectualmente. Estou realmente ansiosa por The River. Começarei no final do outono, ou certamente antes do fim do ano.
Ellen Priest - Jazz: Edward Simon's Venezuelan Suite 16, 2008. Papéis, óleo, flashe, lápis, gel MSA. 106,68 x 106,68 cm.
De quais de suas obras você mais se orgulha e por quê?
Acho que as peças com as quais estou mais feliz estão em dois grupos diferentes: um seria as últimas peças da série Venezuelan Suite, porque consegui alcançar um nível de complexidade e simplicidade ao mesmo tempo com o qual fiquei muito satisfeita. Finalmente consegui capturar a velocidade da música sem que ela se perdesse. Também gostei muito dos desenhos da série Jazz Cubano. Eles são tão reduzidos, mas têm muita força. Esses seriam os dois grupos dos quais eu diria que tenho muito orgulho. Quanto a uma peça específica, realmente não saberia dizer.
Como você sabe quando uma obra está terminada?
Acho que chega um momento em que estou olhando para uma obra, e em cada etapa tenho que tomar essa decisão. Quando não há mais nada que eu queira fazer, ou quando sinto que qualquer coisa a mais que eu fizesse seria demais, é quando sei que está completa. Geralmente espero e olho por um tempo. Às vezes sei imediatamente o que fazer, mas às vezes demora um pouco. Se há uma área que não está avançando, tento descobrir uma maneira de fazê-la avançar. Muitas vezes isso significa que tenho que ajustar alguma outra parte da pintura. Pode não ser necessariamente o ponto em si; pode ser algum outro componente que precise ser alterado. Geralmente, durmo sobre isso um pouco. Posso achar que está pronta, mas espero. Tenho que tomar essas decisões antes de colar. Quando corto as bordas da peça, às vezes tenho uma surpresa — e nem sempre é boa. De vez em quando monto algo e não é o que esperava. Às vezes, depois de cortar as peças, a obra pode ficar desequilibrada e posso perder a peça porque ela não mostra mais a gama de emoções que tinha antes.
O que significa para seu processo ter um espaço físico para fazer arte, e como você faz seu espaço funcionar para você?
Tenho uma casa antiga, de três andares, dos anos 1890, ou o que chamamos de geminada. Tenho três andares com luz do norte e estou numa esquina. Então tenho uma quantidade enorme de luz. Uso todo o primeiro andar para meu estúdio, exceto a cozinha. No segundo andar tenho meu escritório e área de estar, e no terceiro andar ficam minha sala de colagem e armazenamento. Então realmente tenho não só espaço adequado, mas também bom, e isso fez toda a diferença no mundo. Ter um espaço permanente e amplo tem sido uma bênção para meu trabalho. Poder me instalar e fazer funcionar direito tem sido incrível. Às vezes penso que poderia usar mais espaço, mas tenho espaço suficiente!
Ellen Priest - Jazz Cubano #27: Arturo e Elio, Pensando Alto, 2016. Papéis, óleo, flashe, lápis, gel MSA. 81,23 x 81,23 cm.
O que te toca quando você vê uma obra abstrata?
Para mim, a abstração (quando é boa) tem clareza de pensamento que realmente me atrai. Pode ser cor, pode ser preto e branco, pode estar cheia de imagens ou pode ser uma única forma flutuando no campo. Mas há uma qualidade de pensamento que é nítida. Um dos meus artistas contemporâneos favoritos de todos os tempos é o escultor Martin Puryear. Uma vez entrei numa retrospectiva de suas obras no MoMA, e aquilo me tirou o fôlego. A mesma exposição estava sendo apresentada em Washington D.C. e eu reorganizei toda a minha agenda para vê-la novamente. Ele é brilhante; seu trabalho tem uma pureza de forma e pensamento. Seu trabalho faz referências a veículos, animais, barcos. A abstração pode fazer referências ao mundo real e ainda ser abstrata. Seus olhos usam as mesmas pistas para se orientar no mundo que usam para olhar a arte abstrata. Nossos olhos aprendem isso cedo na vida. Usamos essas mesmas ferramentas para olhar a arte abstrata, mas não estamos conscientes disso. Há algo na abstração que constrói nossa compreensão do mundo.
Você está envolvida em alguma exposição ou evento próximo? Onde e quando?
Estou em conversas com a Igreja Saint Peter em Manhattan, onde mostrei meu trabalho na primavera passada — espero mostrar outro projeto lá, que é sobre The River. Além disso, posso ter uma exposição local aqui em Wilmington, Delaware, neste outono, sobre a série Jazz Cubano.
Imagem em destaque: Ellen Priest - Jazz: Thinking Out Loud, Reaching for Song 31, 2011. Papéis, óleo, flashe, lápis, gel MSA. 81,3 x 119,4 cm.
