Vibrância e Energia nas Pinturas de Joan Mitchell

Quando olhamos para uma pintura de Joan Mitchell, estamos vendo uma imagem de liberdade. Estamos vendo o abandono tornado palpável. Mitchell abordava o ato de pintar a partir de um lugar de total liberdade, sem um plano prévio ou um projeto definitivo. Tudo o que acabava na tela vinha de sua intuição e era um reflexo imediato de sua verdade. Podia ser a alegria que ela sentia, ou raiva, ou medo; podia ser uma imagem formada por pedaços de uma memória que ela guardava na cabeça, ou uma paisagem querida que ela mantinha no coração. Quando encontramos suas pinturas, em um olhar rápido ou casual, podemos ou não sentir o que Mitchell sentiu. Podemos ou não reconhecer o significado exato que ela esperava transmitir. Mas a energia que fluía por ela a cada pincelada nos grita. Ela nos prende no espaço e fala para aquilo dentro de nós que reconhece o que é: o vibrante, atemporal e universal eco de amor, perda, alegria, medo, orgulho e dor.

Tomando Ação

Cada pincelada feita por um pintor é resultado de um movimento físico. No entanto, nem toda pincelada consegue anunciar esse movimento aos espectadores. Algumas pinceladas buscam intencionalmente esconder o movimento que as criou, ignorando que uma mão humana esteve envolvida. É uma das características dos pintores de ação a capacidade de transmitir na superfície da tela o poder e a energia do movimento do corpo físico pelo espaço. Joan Mitchell foi uma pintora de ação, membro do que é considerado a segunda geração de artistas expressionistas abstratos. Mas ela não começou sua carreira focada no gesto e no movimento, ou na abstração, ou mesmo necessariamente na pintura. Enquanto estudava no Instituto de Arte de Chicago, era uma artista figurativa talentosa, que havia ganhado prêmios por sua litografia.

Mas Mitchell sempre foi uma pessoa extremamente física. No ensino médio em Chicago, foi atleta competitiva nacionalmente, chegando a ficar em quarto lugar no Campeonato Americano de Patinação Artística. Uma lesão no joelho encerrou sua carreira esportiva. Mas depois de se formar no Instituto de Arte de Chicago em 1947, mudou-se para Nova York e teve contato com o trabalho de pintores abstratos gestuais como Arshile Gorky e Jackson Pollock. Ela imediatamente incorporou a fisicalidade em sua técnica de pintura. Em 1951, já havia desenvolvido um estilo gestual abstrato maduro, havia feito amizade com vários artistas da primeira geração do Expressionismo Abstrato, como Will de Kooning e Franz Kline, e por convite, até ingressado no prestigioso Eighth Street Club, que promovia encontros e palestras para artistas.

Joan Mitchell - Ladybug, 1957. Óleo sobre tela. 1,97 x 2,74 m. Coleção do Museu de Arte Moderna (MoMA), Nova York. © Espólio de Joan Mitchell

As Paisagens de Joan Mitchell

Tendo crescido a poucos quarteirões das margens do Lago Michigan, no centro de Chicago, Joan Mitchell desenvolveu desde jovem um profundo apego emocional à linha do horizonte onde a água encontra o céu. E, como adulta, vivendo intermitentemente no interior da França, assim como nos Hamptons, também desenvolveu um grande amor pelas paisagens rurais. Embora suas obras maduras sejam todas consideradas abstratas, ela frequentemente se referia a si mesma como uma pintora de paisagens. Muitas de suas pinturas tinham a palavra paisagem no título, ou eram nomeadas em homenagem a lugares cênicos que lhe eram caros.

É possível encontrar em muitas de suas pinturas indícios visuais de composições, formas ou paletas de cores que sugerem uma paisagem natural, ou até mesmo ecos tênues de linhas do horizonte. Mas os tipos de paisagens que Mitchell pintava não eram tentativas figurativas de capturar o mundo natural. Ao contrário, Mitchell internalizava a sensação das emoções que sentia em certos lugares que lhe eram queridos. Ela possuía uma sensibilidade estética aguçada e uma conexão com a nostalgia, e buscava capturar a cor, o equilíbrio e a harmonia de suas paisagens amadas, ao mesmo tempo em que comunicava a energia e a emoção pessoal que associava a elas em sua memória.

Joan Mitchell - Heel, Sit, Stay, 1977, óleo sobre tela (díptico), Fundação Joan Mitchell, Nova York. © Espólio de Joan Mitchell

Opostos Complementares

Grande parte da força que percebemos nas pinturas de Joan Mitchell parece estar relacionada à ideia de forças opostas. Um exemplo marcante é a forma como ela se afastou do chamado estilo de pintura total, no qual toda a tela é coberta por imagens abstratas, para uma abordagem composicional mais tradicional de figura-fundo, com grandes áreas de branco ou tela sem preparação. Mas, em vez de ver forças opostas atuando em suas composições de figura e fundo, é mais correto dizer que as forças são complementares. Elas não se opõem nem resistem uma à outra. A figura e o fundo trocam de papéis, elucidando-se mutuamente e trocando influência sobre o olhar do espectador.

Da mesma forma, os outros aparentes opostos visíveis em suas obras funcionam do mesmo modo. Marcas de pincel leves complementam marcas agressivas, definindo-se mutuamente por suas diferenças relativas; superfícies densas, em camadas e com empasto conferem presença às suas contrapartes planas; formas geométricas ou biomórficas são exaltadas por marcas abstratas líricas. A essência unificadora que percorre toda a obra de Joan Mitchell não é de oposição, mas de engajamento com um mundo de relações complementares que se constroem em um todo harmonioso.

Joan Mitchell - Edrita Fried, 1981. Óleo sobre tela. Fundação Joan Mitchell, Nova York. © Espólio de Joan Mitchell

Abstração Incompleta

Ao longo de sua carreira, Joan Mitchell mudou sua estética várias vezes. Cada mudança esteve ligada a uma mudança geográfica ou a uma alteração nas circunstâncias pessoais. Um dos maiores períodos de mudança que ela viveu foi na década de 1960, quando perdeu ambos os pais e um amigo querido em poucos anos. Outro ocorreu na década de 1980, quando foi diagnosticada com câncer. Embora cada mudança estética pareça expressar nuances emocionais distintas, nenhuma parece ser um fim. Cada evolução em sua obra possui um sentido de incompletude; a promessa embrionária de algo novo e ainda não formado.

Após a década de perdas que viveu nos anos 1960, Mitchell se voltou para a figuração geométrica, e logo depois voltou novamente para a pintura total. Sua paleta mudou para verdes profundos e amarelos vibrantes, refletindo as cores da natureza. Depois, nos anos 1980, sua paleta passou a incluir cores mais puras e primárias: azuis, laranjas, verdes e vermelhos. Suas pinceladas tornaram-se curtas e robustas, eletrificadas e quase vibracionais. Cada nova fase comunica a ideia de um começo novo e indeterminado, e é, portanto, inerentemente comunicativa de algo esperançoso e novo.

Joan Mitchell - Árvores, 1990-91. Óleo sobre tela. Coleção particular. © Espólio de Joan Mitchell

Deixar Ir

Em todas as fases de sua obra, um senso duradouro de energia e vitalidade está presente nas pinturas de Joan Mitchell, seja por meio de suas pinceladas, suas composições, suas harmonias ou seu uso de opostos complementares. Essa energia continua a inspirar a terceira geração de pintores expressionistas abstratos que trabalham hoje, como Francine Tint. Também informa o trabalho de abstracionistas gestuais contemporâneos como Ellen Priest.

Um universo de emoções se abre no trabalho desses pintores, sempre oscilando entre a energia mais sombria e a mais leve, o mais agressivo e o mais sereno, saltando das superfícies de suas pinturas com um senso frenético de imediatismo. Mitchell certa vez descreveu a fonte desse imediatismo frenético comparando a sensação que tinha ao pintar a um orgasmo. Ela também o descreveu como “andar de bicicleta sem as mãos”. Ambas as descrições falam da alegria completa da liberação emocional possível com um ato de total abandono. E ambas falam da expressão da honestidade humana só possível quando alguém está livre.

Imagem em destaque: Joan Mitchell - Sem título, 1977, óleo sobre tela, Fundação Joan Mitchell, Nova York. © Espólio de Joan Mitchell
Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos
Por Phillip Barcio