O Papel das Formas Biomórficas na Arte Abstrata

Biomorfismo vem das palavras gregas bio, que significa vida, e morphe, que significa forma. No entanto, não significa forma de vida. Em vez disso, significa a tendência de exibir a aparência ou qualidades de um ser vivo. Embora soe científico, o uso mais antigo do termo foi para descrever a arte biomórfica na exposição de Cubismo e Arte Abstrata de 1936 no MoMA. Escrito por Alfred H. Barr, o catálogo daquela exposição definiu biomorfismo como, “Curvilíneo em vez de retilíneo, decorativo em vez de estrutural e romântico em vez de clássico em sua exaltação do místico, do espontâneo e do irracional.” Barr cunhou o termo para explicar aos espectadores a natureza de um certo tipo de abstração que vinha aparecendo na arte moderna desde o início do século 20. A abstração biomórfica incorpora uma linguagem visual baseada em formas biomórficas—formas bulbosas, exuberantes e suntuosas—que não são representativas nem geométricas, mas que são estranhamente familiares; as pessoas as reconhecem e se conectam com elas em um nível primal, embora nunca as tenham visto antes.

As Raízes do Biomorfismo

Um filósofo francês chamado Henri Bergson expressou pela primeira vez os conceitos subjacentes ao biomorfismo no início dos anos 1900. Naquela época, a atitude predominante da classe intelectual era de que a razão e a ciência eram as melhores, senão as únicas, maneiras de entender o mundo real. Uma maneira particularmente popular de olhar para o mundo era a partir de uma perspectiva teleológica. A teleologia afirma que tudo tem dois tipos de propósitos: propósitos naturais, inatos ou intrínsecos, e propósitos não naturais, impostos ou extrínsecos. Por exemplo, o propósito intrínseco de um bulbo de flor seria crescer e se tornar uma flor. O propósito extrínseco de um bulbo de flor seria gerar receita para o proprietário de uma loja de bulbos de flores.

Henri Bergson acreditava que o propósito não era intrínseco nem extrínseco, mas sim maleável, incognoscível e talvez não existisse no sentido de que não poderia ser definido objetivamente. Ele acreditava que a intuição, baseada na experiência e no instinto, era igualmente, senão mais importante do que a ciência e a lógica. Ele explicou que a criatividade evolui da mesma forma que a natureza, através de processos de fecundidade, mutação e o que ele descreveu como novidade imprevisível. Ele sentia que havia um limite para a razão e para o que poderia ser planejado, e que a aleatoriedade era vital tanto no mundo natural quanto no trabalho criativo dos artistas. Vital para sua filosofia era automatismo; a ideia de que sistemas naturais e indivíduos criativos podem agir de forma independente e imprevisível, sem precedentes ou explicação.

Wassily Kandinsky - Study for Composition II, 1910. 97.5 x 130.5 cm. Solomon R. Guggenheim Museum, New York City, NY, US

Arte Biomórfica

As ideias propostas por Bergson estavam em forte contraste com a maneira analítica como muitos artistas abordavam seu trabalho. Uma das primeiras manifestações estéticas dos processos naturais que Bergson descreveu foi a pintura Le Bonheur de Vivre, de Henri Matisse. A pintura é figurativa, mas abstrata. Ela mostra pessoas relaxando nuas em um paraíso semelhante ao Éden. Formas biomórficas compõem o ambiente natural, e as formas humanas são corpulentas e com aparência orgânica. O ambiente natural parece estar em um estado de mudança, e a linguagem visual que compartilham com as figuras humanas implica que a humanidade também está conectada ao estado em constante evolução da natureza. A estética desta pintura formou a base do que viria a ser considerado abstração biomórfica.

Abstração biomórfica foi uma alternativa para muitos pintores ao formalismo intencional que dominava as tendências abstratas precisas e geométricas de estilos como o Construtivismo e a Arte Concreta. Wassily Kandinsky estava particularmente interessado nos aspectos espirituais e musicais da arte abstrata. Ele combinou formas biomórficas com as linhas e formas geométricas em suas primeiras pinturas puramente abstratas. Embora o pintor Joan Miró insistisse que suas pinturas não eram abstratas, mas representativas das imagens de sonho que via em sua cabeça, ele também incorporou de forma famosa formas biomórficas em seu estilo icônico e idiossincrático.

Henri Matisse - Le Bonheur de Vivre (The Joy of Life), 1905-1906. Oil on canvas. 175 x 241 cm. Barnes Foundation, Lower Merion, PA, US

Escultura Biomórfica

Pouco depois de sua aparição nas pinturas abstratas, o biomorfismo encontrou sua voz nas artes tridimensionais. O primeiro escultor abstrato biomórfico foi Jean Arp. Ele inicialmente incorporou formas biomórficas em seus relevos de parede, que se assemelhavam a objetos em forma de ovo com formas aninhadas dentro de formas. Ele então expandiu para a criação de objetos escultóricos biomórficos em uma enorme variedade de formas e tamanhos, desenvolvendo gradualmente uma imensa linguagem de formas orgânicas e naturais ao longo de sua carreira.

A linguagem das formas bulbosas que Arp criou se tornou uma profunda inspiração para os dois escultores britânicos do meio do século que realmente definiram a linguagem da escultura abstrata biomórfica modernista. O primeiro foi Henry Moore, que usou o biomorfismo para expressar a conexão essencial entre a natureza e a humanidade, e é mais conhecido por suas abstrações biomórficas monumentais de figuras humanas reclinadas. O outro foi Barbara Hepworth, que utilizou uma enorme variedade de materiais e técnicas e expandiu enormemente a linguagem do biomorfismo em sua obra monumental.

Joan Miró - Pintura, 1933. Óleo sobre tela. © 2008 Successio Miró / Artists Rights Society (ARS), Nova Iorque / ADAGP, Paris

Surrealismo e a Outra Morfose

Um dos estilos mais influentes sobre os quais o biomorfismo teve impacto foi o Surrealismo. Yves Tanguy pintou formas estranhas, estranhamente realistas, mas alienadas em suas desoladas paisagens surrealistas. Sua luz dura e os ambientes não naturais evocam noções apocalípticas, e as formas em si parecem mais ossos e restos do que vida propriamente dita. Enquanto isso, as formas escorrendo, gotejando e em constante mudança nas pinturas de Salvador Dali habitam um espaço entre a vida e a morte. Mesmo o que parece ser feito de pedra ameaça ganhar vida em suas imagens oníricas.

O uso surrealista de formas biomórficas adiciona uma camada interpretativa adicional ao estudo da arte abstrata biomórfica. Esses pintores tinham uma conexão especial com a palavra raiz morphe. Na mitologia grega, Hipnos é o deus do sono. Seu filho se chama Morfeu, e é o deus dos sonhos. O surrealismo estava fundamentado no estudo do subconsciente e foi grandemente influenciado pelo mundo dos sonhos. Nesse sentido, foi a manifestação definitiva do biomorfismo, pois se baseava no verdadeiro automatismo, a expressão perfeita da liberdade e da novidade imprevisível, e também habitava o reino de Morfeu, o deus dos sonhos. 

A Tradição Biomórfica Contemporânea

Hoje, as formas biomórficas encontraram um lugar dentro do léxico estético geral da arte abstrata, e muitos artistas contemporâneos incorporam as tradições do biomorfismo em seu trabalho. O pintor abstrato baseado em Los Angeles Gary Paller explora essas tradições diretamente, criando composições intuitivas e em camadas de formas orgânicas que parecem estar se aninhando, envoltas nos ritmos do processo e da evolução. E o artista nascido em Boston, radicado em Nova York, Dana Gordon incorpora padrões biomórficos em suas explorações de preocupações abstratas mais formais, como cor, estrutura e linha.

Embora o pensamento raiz por trás do biomorfismo tenha surgido como uma reação contra a racionalidade e a ciência, a evolução do biomorfismo na arte nos ajudou a perceber que as pessoas não precisam mais escolher entre razão e instinto. Isso nos ajudou a unir o lado racional e analítico de nossa natureza à beleza natural e estranha do que Alfred H. Barr chamou de “místico, o espontâneo e o irracional” mundo biomórfico.

Imagem em destaque: Yves Tanguy - Eu Espero por Você, 1934. Óleo sobre tela. 28 1/2 x 45 pol. (72,39 x 114,3 cm) Moldura: 35 × 50 × 1 pol. (88,9 × 127 × 2,54 cm). Coleção LACMA
Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.
Por Phillip Park