O Cheio e o Vazio nas Esculturas de Henry Moore

Um corpo humano é mais do que uma única massa; é uma acumulação de massas menores. E cada corpo também é parte de uma massa maior: a da humanidade. E a humanidade é parte de uma massa ainda maior: a do mundo. O escultor Henry Moore colocou isso da melhor forma quando disse: “Todo o conjunto da natureza é uma demonstração interminável de forma e figura.” Moore dedicou sua carreira a uma exploração de forma e figura. Apesar de como isso possa soar acadêmico, as esculturas de Henry Moore não são simplesmente objetos intelectuais. Nem são apenas objetos de beleza. Elas transcendem tanto o intelectualismo quanto a estética para conectar os espectadores a algo mais profundo. Como um artista figurativo primeiro e depois como um abstracionista, Moore criou obras baseadas na relação que o corpo humano compartilha com o mundo natural maior. Suas esculturas expressam as ideias de que a humanidade é parte da natureza e que, através de nossos sentidos, podemos nos conectar a algo atemporal e universal.

Esculturas de Henry Moore - Verdades Materiais

Quando um escultor fala sobre a verdade material, ele se refere a quão bem um objeto representa as qualidades do recurso do qual é feito. A noz tem uma verdade material diferente da mármore, que tem uma verdade material diferente do alabastro, e assim por diante. Henry Moore acreditava no poder da verdade material. Ele rejeitou a ideia de que os escultores deveriam fazer suas obras a partir de moldes ou fundições. Ele defendia a escultura direta, uma vez que deixava marcas que revelavam a natureza física do objeto. A escultura direta não era amplamente aceita na época de Moore, embora alguns outros escultores influentes também abraçassem a ideia. Mas para Moore, não era apenas uma teoria; era sua natureza.

Henry Moore - Alívio da Figura Reclinada no Edifício Underground em St James’s, 1928. © The Henry Moore Foundation.

Moore foi um dos nove filhos nascidos em uma família de classe trabalhadora em Castleford, uma cidade mineradora de carvão em Yorkshire, na Inglaterra. Seus pais lutaram e se sacrificaram para enviar seus filhos à escola para que não precisassem trabalhar com as mãos. Aos 11 anos, após se deparar com o trabalho de Michelangelo, Henry os decepcionou ao decidir que seria escultor. Incapaz de arcar com os custos de uma universidade, Henry lutou em um regimento de Rifles do Serviço Civil na Primeira Guerra Mundial e foi ferido em um ataque com gás. Quando conseguiu pagar a escola de arte após a guerra, ele estava completamente moldado por suas próprias verdades materiais: ele nasceu para o trabalho duro e para fazer as coisas com as mãos. A escultura direta não apenas revelou o caráter de seus materiais, mas também trouxe à tona seu próprio caráter.

Henry Moore - A Figura Reclining da UNESCO, 1958. © A Fundação Henry Moore.

O Casamento de Chac-mool e Cézanne

No final dos seus 20 anos, em Paris, Moore encontrou um objeto estético que o mudou de maneira profunda e significativa. Era um Chac-mool, uma escultura asteca pré-colombiana de uma figura humana reclinada. A postura da escultura evoca figuras humanas esculpidas por escultores clássicos como Michelangelo, mas ocorreu independentemente de tais influências, e a um mundo de distância. O comportamento e a humanidade da figura inspiraram Moore, e ele abraçou a forma como algo universal com o qual poderia trabalhar.

Henry Moore - Composição em Quatro Peças: Figura Reclinada. © The Henry Moore Foundation.

Moore casou a essência do Chac-mool com uma figuração inspirada em uma de suas pinturas mais amadas, Os Banhistas de Cézanne. O resultado foi uma forma escultórica icônica e modernista que ele chamou de "figura reclinada". Ele explorou figuras reclinadas ao longo de sua carreira, retornando a elas repetidamente como base para descobertas sobre volume e espaço. Hoje, as figuras reclinadas de Moore podem ser encontradas em todo o mundo, em parques de escultura, espaços naturais e museus em seis continentes. Sua primeira comissão pública foi uma figura reclinada esculpida em relevo no Underground Building em St James’s, Londres. Sua mais famosa adorna a sede da UNESCO em Paris.

Cézanne - Os Banhos, 1898-1905, Óleo sobre tela, 210,5 cm × 250,8 cm, Museu de Arte da Filadélfia, Filadélfia, Estados Unidos

Redução de Forma

A maioria das Figuras Reclinado de Moore eram abstratas. Ele continuamente reduziu a forma da figura humana a seus elementos essenciais e, em seguida, os abstraiu para se assemelhar a formas encontradas na natureza. Suas figuras reclinadas biomórficas e abstratas pareciam análogas à paisagem natural, inspirando muitos a encontrar mensagens humanísticas nelas. Embora ele preferisse falar o mínimo possível sobre o significado de seu trabalho, essa interpretação se encaixa bem na filosofia de Moore sobre a interconexão da arte, da humanidade e da natureza.

Henry Moore - Figura Reclining. © The Henry Moore Foundation.

Além de abstrair a figura reclinada, Moore também a dissecou. Ele perfurou buracos nas figuras, comentando: “O primeiro buraco feito em um pedaço de pedra é uma revelação.” Ele também desafiou percepções de volume e espaço ao separar as figuras em coleções de formas vagamente afiliadas que, separadamente, eram abstratas, mas quando colocadas juntas, sugeriam uma forma humana.

Henry Moore - Mãe e Filho, 1959. © The Henry Moore Foundation.

Proteja a Forma Interna

No auge da produtividade de Moore, a Segunda Guerra Mundial eclodiu e ele foi convocado como artista de guerra. Ele criou uma série de desenhos documentando cidadãos aglomerados em massa no subterrâneo durante os bombardeios. Os desenhos capturam o medo enquanto formas humanas se envolvem em um abrigo e, em seguida, se envolvem umas às outras em pilhas de corpos aglomerados. Após a guerra, essa ideia de uma forma sendo protegida dentro de outra se manifestou em todas as suas esculturas. Ele produziu várias obras intituladas Mãe e Filho, algumas evocando uma criança dentro da forma da mãe, e outras mostrando duas formas separadas, mas se aglomerando juntas.

Henry Moore - Cabeça de Capacete No.5, 1966. © The Henry Moore Foundation.

Ele também explorou essa ideia com uma série chamada Helmet Head, criando formas de capacete que às vezes continham nada além de espaço vazio, e outras vezes continham formas secundárias protegidas dentro delas. Essas esculturas protetoras usam a massa e o espaço ao seu redor como seu assunto. Em um sentido formal, elas examinam a plenitude e o vazio do espaço. Em um sentido humanista, elas demonstram nossa realidade mais básica: a necessidade de segurança.

Henry Moore - Três Formas Vértebra, 1978-79, fora da Prefeitura, Dallas, TX. © The Henry Moore Foundation.

Exercícios em Forma

Em 1947, um contemporâneo de Moore, o autor francês Raymond Queneau, escreveu um livro chamado "Exercícios de Estilo," no qual contou a mesma breve anedota em 99 estilos literários diferentes. Pode-se dizer que Henry Moore adotou uma abordagem semelhante em sua carreira. Ele explorou alguns temas de diversas maneiras, concentrando-se em uma pequena gama de preocupações, como forma, contorno e a maneira como interagem com o espaço. Mas se isso fosse tudo o que ele fez, ele não teria deixado uma marca tão lendária na arte abstrata do século XX.

A grande ideia de Moore sempre foi a humanidade; um ponto mais evidente ao considerar suas esculturas públicas, que hoje existem em 38 países. Moore pretendia que elas fossem tocadas, escaladas, exploradas e habitadas. Elas existem para todos os nossos sentidos. Moore uma vez disse: “Nossa compreensão de forma e volume permanece, em geral, uma mistura de experiências visuais e táteis... Uma criança aprende sobre redondeza ao manusear uma bola muito mais do que ao apenas olhá-la.” A partir do trabalho de Moore, aprendemos sobre redondeza, e sobre materialidade, forma, espaço e muitas outras coisas formais e táteis. Mas também aprendemos algo mais importante: algo sobre nossa interconexão com a paisagem, uns com os outros, com a natureza e com nós mesmos.

Imagem em Destaque: O Chac-mool, uma figura escultural encontrada em todo o México pré-histórico
Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.
Por Phillip Park